Открыт 92-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   15 ноября 2021

В каталоге собраны произведения Анелии Алиповой, Константина Батынкова, Андрея Бисти, Галины Быстрицкой, Анатолия Горяинова, Ильи Евдокимова, Евгения Зевина, Владимира Ковальчука, Марины Колдобской, Бориса Марковникова, Тимофея Смирнова, Игоря Снегура, Кирилла Чёлушкина

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 406 и 92-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 92-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, два листа оригинальной графики, две работы в смешанной технике и одна скульптура.

Анелия Алипова. Born to fight (Рождённая сражаться). Из серии «Монохром». 2019

Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).

Массовые расовые протесты в США в мае 2019 года навсегда останутся в истории страны как события мрачные и болезненные, которые фактически поделили ее население на два непримиримых лагеря. Но не только политические и социальные сдвиги последовали реакцией на эти явления, в искусстве также наметились изменения, коснувшиеся в первую очередь выбираемых художниками тем и ракурса их изложения. Потребность осветить замалчиваемые раньше сюжеты стала необходимым результатом выражения творческих процессов.

Картина Born to Fight — сублимация всех эмоций и переживаний, испытываемых автором в контексте своего мироощущения от происшествий, проходивших под лозунгом Black Lives Matter.

Именно поэтому герой картины — темнокожая девушка. Важно подчеркнуть и ее половую принадлежность, ведь именно женщины до сих пор одна из самых социально незащищенных групп, которой всегда отводится последнее место где бы то не было. Она обнажена, что еще больше подчеркивает ее беззащитность перед любой угрозой. Она молода и красива, но может никогда не ощутить себя любимой и желанной, когда ее главная задача в этом обществе — суметь выжить. Она опустила взгляд вниз, словно боясь посмотреть в глаза человеку напротив. Она ощущает себя подчиненным элементом современного мира. Но даже без прямого контакта чувствуется, что девушку наполняют эмоции: страх, боль, гнев, разочарование. Ее напряжение и энергия чувствуется практически телесно. Трудно представить, какая сила заключена в ней, если она хотя бы поднимет голову.

Образ этой девушки — символ молодого темнокожего поколения, живущего в США и уже не желающего играть по тем правилам, которые принимали их бабушки и дедушки, мамы и папы.

Они — будущее страны и тоже имеют право на свой голос.

История предков героини сложна и безжалостна: это те люди, которые фактически потеряли свою первую родину, а на новой земле не обрели искомую. Отсюда половина ее лица покрыта традиционным для африканских племен узором, который выражает духовную связь с ее исконной родиной. Это не случайно, ведь именно у этой девушки уже появился потенциал, который в будущем поможет изменить общественную систему в ее сторону.

Да, она все еще смотрит вниз, не решаясь встать прямо. Но слова Born to Fight уже звучат у нее в голове, словно девиз, к которому она с открытым сердцем готова прислушаться. Ведь она человек, который по умолчанию должен жить счастливо, а не сражаться за это право (Надежда Соколова, искусствовед, арт-критик, специалист по работе с современным искусством галереи «11.12 GALLERY».

Константин Батынков. Конь унёс любимого в далёкую страну. 2011

Константин Батынков , известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет вниманием к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству Общества станковистов, участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками — военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, искусствовед).

Батынков — это «войнушка», которая так же далека от реальной войны, как гриб под елкой от атомного «гриба», это цирк, кактусы, ведуты, лыжники, снеговики и т.д. и т.п. А еще, оказывается, Батынков — это русский рок.

Над морем и городом, в котором, написанные в характерной батынковской стилистике, угадываются очертания зданий Манхэттена, летят конь и всадник. И это тот самый случай, когда совершенно не имеет значения, есть ли у работы реальная предыстория, какое точно место написано и существует ли оно на самом деле, откуда и куда летят конь и всадник и есть ли у всадника прототип. Звучит песня — и это главное.

Источник: youtube.com

Работа Константина Батынкова дает зрителю счастливую возможность приобщиться (или еще раз прикоснуться) к гениальной странице русского рока и погрузиться в одну из его тайн. Слова написал Анри Волохонский, а в отношении автора и времени создания музыки (то ли XVI век, то ли ХХ) предположения строились не один десяток лет. Сегодня выяснено, что музыку почти всего альбома «Лютневая музыка XVI—XVII вв.», где впервые прозвучала мелодия песни, написал ее исполнитель — Владимир Фёдорович Вавилов. «Отец был уверен, что сочинения безвестного самоучки с банальной фамилией “Вавилов” никогда не издадут. Но он очень хотел, чтобы его музыка стала известна. Это было ему гораздо важнее, чем известность его фамилии…» — рассказала его дочь Тамара Владимировна автору интереснейшего расследования Зеэву Гейзелю. Автору этих строк посчастливилось купить одно из переизданий пластинки (с «Лютнистом» Караваджо на обложке) в 1980-х и некоторое время слушать, поражаясь волшебной красоте мелодий и удивляясь тому, как классически и в то же время современно они звучали. Потом «друзья» попросили послушать на пару дней… но то давнее впечатление красоты и современности живо и сегодня. Записи альбома есть на CD и в Интернете, можно найти и послушать эту волшебную музыку.

Андрей Бисти. Стрелец. 2015

В детстве мечталось о чем-то героическом, поэтому хотелось сначала стать пограничной собакой, потом пожарником и носить до блеска начищенную каску… Не сложилось. Недалеко от дома находилось ремесленное училище, во дворе которого стоял ящик с отходами производства. В нем среди металлической стружки было много разных железных штучек, которые постепенно перекочевывали ко мне под кровать. Так началась любовь к металлу, которая впоследствии превратилась в занятия офортом и сварной, кованой скульптурой. Это не металлолом, это любовно зовется «железяки восемнадцатого века». Мне всегда было странно, что такие вот вещи валяются просто как мусор. Старая ржавая вещь наполнена внутренней историей. Ее «вторая жизнь» в современном интерьере, в новых пространствах, совершенно оправданна, на мой взгляд… Это антиквариат, но антиквариат другого рода, другого свойства. В небольших вещах важна тактильная память, ее накопление во времени: кузнец, хозяин-другой, ржавчина — как прикосновение времени, потом я… (Андрей Бисти, gallerykino.ru).

Я нахожу старые, использованные, ненужные предметы и делаю их элементом скульптурной композиции. Так у меня совершенно неожиданно вещи получают новое прочтение. Таким образом, я даю никому не нужному предмету новую жизнь. Но вдруг, соединяя его с чем-то ещё, рождается доселе не существовавшее. И формально, и литературно, и по смыслу.
<…>
Материал, в данном случае — металл, тебе сопротивляется, а ты его режешь, будто масло. Приятное ощущение. Но если б сейчас настоящий сварщик увидел эту экспозицию, он бы поставил мне двойку. С точки зрения соблюдения технологии я делаю всё наоборот: люблю брызги, специально чиркаю металл электродами. Но зато добиваюсь нужной мне фактуры. Что сказать — у меня художественный, а не утилитарный подход к сварке, и это единственное моё оправдание (Андрей Бисти, lpgzt.ru).

Творчество Андрея в хорошем смысле провокативно: оно возбуждает даже у опытных посетителей художественных экспозиций освежающий чувства, почти по-детски непосредственный интерес (Константин Победин, cultobzor.ru).

Одна из многих скульптур «топорного» происхождения. В данном случае фигуру воина образует тесло — инструмент для выборки пазов, лезвие с поперечным расположением режущей части, по сути крупной стамески, насаженной на топорище (Андрей Бисти).

Галина Быстрицкая. Парижский клошар. 2015

Галина Быстрицкая — путешественник, художник, фотограф.

У меня вся жизнь как путешествие — и ожидание путешествия, которое я считаю не-жизнью, то есть это промежутки между путешествиями, которые посвящены осознанию предыдущего материала и подготовке к следующему.

<В путешествии> ты действительно бросаешь себя полностью в новую ситуацию, ты зачеркиваешь все, что оставил. Ты абсолютно перерождаешься. Оказываясь с новыми людьми в новой ситуации, ты пытаешься проверить еще раз, каким ты можешь быть, или какой ты новый в глазах этих людей. В принципе, ты живешь новую жизнь (Галина Быстрицкая, svoboda.org)

За 2010–2017 годы мне удалось поработать в Аргентине и Перу, Вьетнаме и Камбодже, Португалии, Бельгии, Южной Африке и Индии, России и Франции, на острове Родригес и Мальдивских островах. Жажда открывать не иссякает (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery).

«Продолжая художественную традицию, сложившуюся в европейском искусстве еще в конце XIX столетия, Быстрицкая намеренно отказывается от изображения раскрученных архитектурных объектов и узнаваемых видов, отдавая предпочтение жанровым сценкам, скрытым от глаз обыкновенного туриста. “Ее интересуют рыбаки, велосипедисты, крестьяне, баркасы у причала, собаки у пристаней, нищие, старики, дети. Сотни быстрых набросков, эскизов, великолепных динамичных рисунков, фотографий; иногда — просто запомнить, поместить в копилку зрительных-тактильных-вкусовых ощущений, которые делают такими увлекательными рассказы после возвращения”. <…> Быстрицкая пишет только в тех местах, где ее посещает вдохновение» (yandex.ru).

«Ее картины рождаются во время путешествий. Она берет с собой в дорогу… холсты и сразу пишет маслом. Главное, говорит Галина Быстрицкая, чтобы “зацепило”. Зацепить ее могут самые прозаические вещи <…> и тогда можно работать двадцать четыре часа в сутки. Так было во время поездки в Венецию, когда художница писала даже по ночам: “Через несколько дней пошел такой потрясающий импульс от города, что я не могла спать. Я работала непрерывно. У меня дрожали руки от возбуждения. То есть, я понимала, что теряю каждую минуту, если не пишу”» (tvkultura.ru).

Ее эмоциональной манере присущи яркие краски. А работает художница в основном руками, обтянутыми тонкими хирургическими перчатками, и лишь изредка прибегает к помощи мастихина. «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru).

«Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. “Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются”, — говорит искусствовед Анна Чудецкая» (tvkultura.ru).

Анатолий Горяинов. Подруги. 2021

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).

Небольшой холст «Подруги» (2021) — яркая многожанровая композиция. Тут и пейзаж, и натюрморт, и портреты, и интерьер — и все забавное, интересное, привлекательное, и каждая деталь притягивает взгляд, но при этом не требует к себе особого внимания зрителя, все вместе звучит как единый ансамбль, где каждый инструмент ведет свою партию, а все вместе они рождают гармонию. Женские образы столь же различны, но так и должно быть: в дружбе сходятся совсем разные характеры, а в женской дружбе — особенно. И именно поэтому им так хорошо молчать вместе, бесконечные разговоры — удел приятелей и приятельниц, молчание — дар дружбы.

Илья Евдокимов. Человеческая антенна. Из серии «История будущего». 2020

Материалом к созданию работ проекта [Ильи Евдокимова] «История будущего» послужило декоративно-прикладное и монументальное искусство позднесоветского периода, которое окружало каждого человека той поры в его повседневной жизни. Через основную тему работ подается современный взгляд художника на окружающий мир с точки зрения преломления собственного опыта. Художник использует эстетику и достижения первых «революционных» творцов, таких как Петр Вильямс, Александр Дейнека, Александр Лабас, Юрий Пименов и другие участники объединения ОСТ.

Авторская любовь к фактурам наглядно просматривается в сочетании разных материалов, подчас кажущихся несовместимыми. В серии декоративно-живописных панно основной фактурной доминантой является холст, который используется с неожиданной в этом сочетании фактурой серебряной потали, характерной для традиции оклада.

Тематически полотна обращают внимание зрителей на то, что сегодня, когда техника развивается семимильными шагами, властвует культ человека, который утерял свои человеческие качества в погоне за самореализацией и всевозможными достижениями. Человек как таковой воспринимается, скорее, как часть архитектуры, здания, быстротекущего потока времени, в котором не заметен сам человек, его индивидуальность, его естественные чувства и потребности (museum.ru).

Тема спорта, здорового тела, внешней привлекательности снова овладела умами современников, о чем свидетельствует бурное развитие фитнес-индустрии, а также услуг эстетической хирургии, косметологии. Идея конструирования «нового человека» в настоящее время так же востребована, как и в раннесоветский период. Однако если человек 1920-х был увлечен утопической идеей строительства светлого мира будущего, то современный человек стремится изменить свою физическую оболочку ради соответствия общественным стереотипам успеха, красоты и здоровья. В настоящее время, как и сто лет назад, важная роль в деле формирования эталонных образов отводится пропаганде. В советский период ее брали на себя подконтрольные государству органы, а сейчас культ тела и спорта пропагандируется во всемирном масштабе крупными корпорациями через рекламу, глянцевые журналы и прочие медийные средства. Полотна Евдокимова побуждают зрителя лишний раз задуматься о принципах функционирования общества, о судьбе индивидуального начала в условиях тотальной унификации потребительских моделей поведения (Мария Беликова).

Евгений Зевин. Вазы с цветами. 2008

Главное, не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».

Владимир Ковальчук. Посвящение Х. Миро. 2014

«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.

В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.

«Посвящение Х. Миро» (2014) продолжает в творчестве художника серию своеобразных оммажей. Бессмысленно искать в них прямые отсылки к Леонардо, Ван Гогу или каталонцу Жоану Миро. Даже если кажется, что они есть — предметные, цветовые или композиционные, то в сюрреалистическом мире Ковальчука они преображаются по законам его пространства; на этой сцене он — режиссер и ставит свои спектакли, вдохновленные теми, кому они посвящены.

Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.

Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.

Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.

В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.

Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).

Марина Колдобская. Blue (Синий). 2020

Писать цветы современному художнику неприлично. Писать их — значит, взять на себя риск быть обвиненным в буржуазности, сентиментальности и легкомыслии. В стремлении к бездумной декоративности и легкому коммерческому успеху. Писать цветы сегодня — значит, идти против течения, нарушать профессиональную конвенцию и рисковать репутацией серьезного автора.

Марина Колдобская принимает риск — она пишет цветы сериями, десятками, покрывая пачки бумаги и рулоны холстов букетами, клумбами и целыми полями. Выставленные вместе, эти работы превращают мастерскую художника или зал галереи в подобие райского сада, тропических зарослей, плантаций дурмана.

Цветочная серия — еще один шаг художницы на пути к истокам, утраченному раю, простоте, чистоте, самозабвенному наслаждению творческим актом. К тому, что отвергнуто, утрачено и почти забыто современным искусством.

Цветы Колдобской написаны просто — кажется, проще некуда. Несколько энергичных линий, несколько ярких пятен, решенный несколькими широкими мазками фон. Несколько плакатных цветов.

Черный-белый-красный, синий-золотой — геральдическая лаконичность палитры.
Один цветок, три цветка, много цветов — архаическая элементарность счисления.
Прямоугольник, треугольник, круг, овал – математическая ясность композиции.

Назвать картины Колдобской примитивистскими невозможно — в этой выверенной простоте внимательный зритель просматривает жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессию тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов (marinakoldobskaya.net).

Марина Колдобская (1961) — санкт-петербургская художница, дизайнер, арт-критик и куратор выставочных проектов. Окончила ЛВХПУ им. В. И. Мухиной по специальности «дизайн» (1985). Работает в области живописи, настенной росписи, объекта, текстиля и керамики. Произведения художницы находятся в собраниях Эрмитажа, Русского музея, Музея политической истории России, Музея искусства Санкт-Петербурга, Государственной Художественной Галереи Татарстана (Казань), а также в корпоративных и частных коллекциях в России и за рубежом.

Борис Марковников. Неисследимы пути Твоя, Господи. Часть 1 из серии «Расчищенная поверхность». 2005

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.

Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник (Никита Махов).

Холст «Неисследимы пути Твоя, Господи» (2005) входит в серию произведений, в которых Марковников предпринял попытку выразить свои религиозно-философские искания средствами геометрической абстракции. Пересечение под разными углами многочисленных решетчатых структур, расположенных в трехмерном пространстве, создает впечатление бесконечно множащихся образований, в которых сложно отделить одно от другого. Визуальная составляющая работы напоминает достижения оп-арта, представители которого также стремились добиться разнообразных оптических иллюзий на плоской поверхности холста. Однако для Марковникова визуальные эффекты никогда не являлись самоцелью — в центре его внимания находится выявление глубинных основ мироздания средствами живописи. Создается впечатление, что на полотне запечатлена какая-то клеточная структура из микромира, завораживающая красота и вместе с тем сложность организации которой является для автора главным объектом эстетического переживания. Художник обнаруживает присутствие божественного начала на каждом из уровней бытия, подчеркивая универсальность принципов мироустройства (Мария Беликова).

Тимофей Смирнов. Кран-экран. 2018

«Кран-экран» (2018) входит в своеобразную серию живописных и графических работ Тимофея Игоревича Смирнова, в которой разнообразные предметы помещаются на рабочий экран смартфона, в силу чего и предметы, и смартфон обретают некие новые качества.

«Тимофею Смирнову крайне важна иная интонация, иная трактовка привычного подхода. В оригинальности неоригинального (даже в названиях работ и серий), в достаточно бережном отношении к источникам цитирования — именно и есть то, что вызывает интерес. Художнику кажется необходимым парадоксально и неожиданно обрамить один контекст совершенно другим, с точки зрения здравого смысла неподходящим. Какой бы группой изобразительных мотивов он бы не занимался, он ищет “совлечение несовлекомого”, которое в Средневековье служило аллегорией остроумия.

Это произошло по ряду причин, которые также привели его и к профессиональному искусствоведению, он учился на образцах, планомерно перетекая по всему пространству истории искусства.

Так и родилась магистральная тема всех его работ и серий, ее можно определить, как пространство культуры и метафоры, позволяющих выйти за пределы оболочки вещей и явлений, а главное — обыденности-повседневности с бытовым оттенком.

Методы создания почти плакатно-рекламные, только если это и реклама, то художественного видения и философского мировоззрения.

Таким образом, три главные составляющие нового — пресловутые “хорошее, старое, забытое” — сплавляются Тимофеем Смирновым (в смысле плавильной печи) с их новым восприятием воедино уже в сегодняшнем времени. Кто-то назовет это старомодным “московским сюрреализмом”, кто-то метафизическим символизмом. Кому как будет угодно...» («Оксюморонные картины Тимофея Смирнова», arteex.ru).

Если работа Константина Батынкова увлекла нас в историю музыки, то «Кран-экран» Тимофея Смирнова уводит зрителя в историю русской литературы. Но, пожалуй, не всякого зрителя, а зрителя думающего, читающего, если угодно, знающего. Того, кто видит искусство не только в Интернете, а в музеях, галереях, в альбомах и книгах, для кого смартфон — это удобный, необходимый, но прежде всего инструмент, а не часть тела. Так вот, к истории литературы. Козьма Прутков в 1854 году писал: «Если у тебя есть фонтан, заткни его: дай отдохнуть и фонтану». Глядя на текущий кран на экране смартфона, наверное, не одному зрителю вспомнится это бессмертное изречение. Закрыть кран — и дать отдохнуть смартфону. И себе заодно.

Игорь Снегур. Пять плывущих монад. 1994

Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).

Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).

Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.

В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.

Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого «занавеса» и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст (Игорь Снегур, cultobzor.ru).

«Абстрактное — значит нематериальное. А нематериальным может быть лишь идея, — записывал в дневнике Игорь Снегур. — Итак, какова идея абстрактного? В моем случае это соотношение аморфного и геометрии. Геометрия всегда конечна и статична. Аморфное всегда неконечно и нестатично. <…> Аморфное — скорее женская природа, геометрия — мужская. Геометрия обеспечивает форму, аморфное наполнено склонностью к изменению. Иначе не произойдет желанной встречи, т.е. не проявится ОБРАЗ… Цвет — непостоянное, он третье начало в живописи. Функция цвета в изменчивости, и в нем отражено время».

В работе «Пять плывущих монад» (1994) автор осмысляет такую фундаментальную категорию бытия, как монада — термин, употребляемый в философии для обозначения простейшего элемента, неделимой части бытия. Само художественное воплощение отсылает в данном случае к эстетике абстрактного сюрреализма, поскольку монады, трактованные как волнообразные обтекаемые биоморфные образования, напоминают формальные элементы с работ Ж. Миро или абстрактную пластику Генри Мура, одного из любимых Снегуром авторов. Эти формообразования взаимопроникают друг в друга в центре композиции, сохраняя при этом свою самодостаточность и целостность. Каждая из них обладает собственным цветом, однако в местах пересечения их фигур все они меняют свой окрас, по всей видимости, под воздействием соприкосновения друг с другом, что несомненно отражает идею работы о глубинной взаимосвязи всего сущего. От тел монад исходит вибрирующее метафизическое свечение, свидетельствующее о том, что художник запечатлел реальность высшего порядка, которая тем не менее доступна для интеллектуального осмысления. Произведение отличает оригинальное композиционное решение: монады изображены пребывающими в ограниченных рамках, которые, однако, вполне проницаемы — часть из них выходит за пределы в бесконечное пространство. Создается впечатление, что в работе реализованы философские взгляды автора на взаимосвязь пространства и формы, сформулированные им еще на раннем этапе творчества: «Около рамы пространство прилипает к поверхности холста. По мере приближения к поверхности пространство задевает и формирует цвет предметов, также и форму. Цвет через насыщенность выплывает из этого пространственного колодца. На этом материале идет строительство композиции» (Игорь Снегур. Живопись. Графика. Дневник. Размышления. Беседы. Эссе. М. 2016. С. 9, snegur-art.ru) (Мария Беликова).

Кирилл Чёлушкин. Gryllus domesticus (Домашний сверчок). 1996

«Gryllus domesticus (Домашний сверчок)» (1996) — редкая ранняя работа Кирилла Чёлушкина, ранее на открытый рынок не выставлявшаяся.

Кирилл Чёлушкин (1968) — художник, график, иллюстратор и один из пионеров видеоскульптуры. В настоящее время он живет между Москвой и Парижем, а его работы представлены во многих музеях и галереях мира. Чёлушкин позиционирует себя в первую очередь как график, мастерство которого вызывает восхищение даже в современную эпоху, когда, казалось бы, любые академические штудии выглядят пережитком прошлого. «Техника его рисунков проста до архаичности: основанная на таланте рисовальщика, она помножена на гигантские ремесленные трудозатраты. Пространство рисунка буквально аккумулирует, визуализирует и транслирует энергию затраченных “человеко-часов”, немыслимых для нынешнего времени моментальных импульсов и кратчайших сигналов», — пишет искусствовед Антон Успенский о работах Чёлушкина (gisich.com).

Чтобы как-то преодолеть ситуацию исчерпанности живописных средств, которая, по мнению художника, остро стоит в современном художественном контексте, он соединяет возможности живописных и графических техник, создавая то рисунок на холсте (станковую графику), то, наоборот, перенося масло на бумагу, что мы и наблюдаем в представленном произведении.

Работа выполнена тонкими лессировками маслом на специальной фотобумаге, которая сегодня уже не производится, в монохромной темно-оливковой гамме, имитирующей по своему цветовому строю старинный рисунок или гравюру (Мария Беликова).

Сверчок — воплощение домашнего уюта и семейного счастья, по преданиям, он приносит счастье и благосостояние в дом. Если сверчок поет во время разговора о делах — это хорошая примета. Точно, детально передавая анатомические особенности сверчка, художник вписывает в его фигуру человеческие лица — возможно, лица предков, которые вместе с ним охраняют покой и счастье дома и рода.

Желаем удачи на 92-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI