Открыт 89-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   26 октября 2021

В каталоге собраны произведения Галины Быстрицкой, Анастасии Вахненко, Виктории Вейсбрут, Михаила Дронова, Галины Дулькиной, Ильи Евдокимова, Натальи Захаровой, Евгения Зевина, Виктора Кротова, Бориса Марковникова, Шамиля Надрова, Анны Селиной, Игоря Снегура

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 403 и 89-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 89-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — семь живописных произведений, один лист оригинальной графики, две работы в смешанной технике, две скульптуры и один объект.

Галина Быстрицкая. За столом / Крымский пейзаж. Двусторонний коллаж. 2021

Галина Быстрицкая — художник, фотограф, путешественник, автор дизайнерских книг и литературных эссе.

Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. «Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются» (Анна Чудецкая, tvkultura.ru).

Сюжетами картин Гали может оказаться все что угодно — от животных и растений, увиденных где-то на Бали или Комодо, сценок из жизни обитателей Сингапура или Филиппин, зарисовок венецианского карнавала до персонажей и примет российского провинциального быта, окружающих художницу в ее загородном доме близ Переславля-Залесского. То, что «зацепило». Где за видимой реальностью существует некая энергетическая «подкладка». С помощью интуиции она пытается уловить основные «сгустки-узлы», силой цвета сделав их видимыми для остальных на плоскости бумаги или холста.

Картина, иероглиф, знак, несущий своеобразие и силу впечатления художницы, воспринимается зрителем как инъекция жизненной энергии (russiskusstvo.ru).

Накопленный за несколько лет, как итог многих путешествий, значительный объем фотографий, рисунков и живописи, блокнотов с путевыми записками и набросками, материал подсказал ей идею проекта Artography (2004–2007). Частью проекта стало создание одноименной книги-коллажа.

«Работа с проектом Artography как бы подвела итоги, завершила период преданности живописи “а ля прима”. Смысл этой формы для меня был исчерпан. Коллаж, позволивший в книге каждому развороту превратиться в иероглиф места и ощущения, сегодня завладел моей мастерской. Смешанная графика: тушь и графит, гуашь и пастель, гравюра, литье специальной разнофактурной бумаги, монотипия.

Поиск средств для безупречной точности высказывания — вот цель, которая заставляет пробовать. Пытаясь консервативно удержать в момент восприятия знание об аристотелевском единстве места, времени и действия, хочется найти именно тот изобразительный язык, который окажется глубже, структурнее, современнее (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery/autobiography.html).

О своих живописных композициях художница говорит: «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru). Коллаж, ассамбляж — то же «касание пальцами». Детали, вырезанные из разных материалов, прикосновение рук художника насыщает ее энергией. Она виртуозно управляет цветовыми и текстурными потоками, создает яркие и эмоциональные образы. Коллаж, при всей очевидной свободе выражения, едва ли не более живописи не терпит небрежности: колорит исходных материалов, формы и текстура деталей должны сливаться в гармоничном звучании, единственная ошибка может все испортить.

Анастасия Вахненко. Весна близко. Из серии «Санкт-Петербург». 2021

Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Мало увидеть Санкт-Петербург — его нужно почувствовать, и каждому человеку он открывается по-своему. Лист Анастасии Вахненко «Весна близко» (2021) из серии «Санкт-Петербург» с блестящим техническим мастерством передает самое главное: простор, морской воздух, свободу, врожденную графичность города, вдохновение его архитекторов и строителей. Зритель может не прочитать названия серии, не знать места, но он с первого же взгляда узнаёт на рисунке Санкт-Петербург, его дух и красоту.

Виктория Вейсбрут. Новая религия. 2020

Виктория Вейсбрут — калужская художница, работающая в направлениях нео-поп-арта и поп-сюрреализма. Окончила Тульский государственный университет по специальности «графический дизайн» (2015). В настоящее время занимается живописью, скульптурой, цифровым искусством. Известность художнице принесли ее монументальные граффити, выполненные на фасадах домов.

В живописных произведениях Вейсбрут ярко прослеживается тематика постинтернета: художница часто берет за основу сюжета своих работ содержимое веб-контента и придает ему материальное воплощение. Вейсбрут стремится художественно осмыслить современную культурную парадигму, а в ее работах можно встретить персонажи из истории мирового искусства, комиксов, рекламы, фильмов и мультфильмов. Комбинируя в одном живописном пространстве героев разных эпох, художница создает собственный сложный, эклектичный и противоречивый образ современности.

Полотно «Новая религия» (2020) также создано в русле главных интересов художницы, в нем находит осмысление современная потребительская культура, в которой роль духовных ориентиров бодро взяли на себя бренды и рекламные слоганы. Вейсбрут обращается к знаменитому образу Христа с фрески Леонардо да Винчи «Тайная вечеря», размещая свою интерпретацию его на абстрактном темном фоне. Вся центральная фигура испещрена названиями известных брендов одежды, духов, ресторанов и прочей продукции массового производства. Зеленый прямоугольник за спиной фигуры отсылает к одному из окон фрески Леонардо. Однако если в «Тайной вечере» из окон трапезной метафорически открывается выход в мир, то на рассматриваемой работе это окно глухое, а сама центральная фигура пребывает в герметичном пустом пространстве. Яркие акриловые краски подчеркивают выхолощенность и неестественность образа. Маленькие фигурки людей, размещенные внизу, беззаботно занимаются своими делами, наслаждаясь всеми благами потребительского рая. Однако рассеченная на три части фигура не выглядит надежной опорой для человечества: «Бренды становятся новой религией, а близость к ним дает мнимое ощущение безопасности. В то же время история показывает, что при кажущемся величии, на самом пике своего развития, они могут быть достаточно хрупки, чтобы в любой момент распасться на мелкие кусочки» (vladey.net), — говорит Виктория Вейсбрут (Мария Беликова).

Михаил Дронов. Вратарь. 2008

Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Михаил Дронов принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.

Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».

Галина Дулькина. Книги художника. 2007

Галина Борисовна Дулькина известна и признана не только в России, но и в мире как крупный художник-фарфорист. Ее работа в первую очередь связана с этим хрупким, но необъятным в плане творческих возможностей материалом.

Вместе с тем Дулькина — серьезный живописец, автор блестящих коллажей, и все, что сказал о ее фарфоре Морис Барюш, искусствовед, коллекционер и последний директор парижской галереи Popoff & Cie, — всё это в полной мере относится к ее живописному творчеству: «Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественной метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.

Мы видим ее творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчеркнуто равноправно.

<…> Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник».

Илья Евдокимов. Исход. Лайк. Из серии «История будущего». 2020

Материалом к созданию работ проекта [Ильи Евдокимова] «История будущего» послужило декоративно-прикладное и монументальное искусство позднесоветского периода, которое окружало каждого человека той поры в его повседневной жизни. Через основную тему работ подается современный взгляд художника на окружающий мир с точки зрения преломления собственного опыта. Художник использует эстетику и достижения первых «революционных» творцов, таких как Петр Вильямс, Александр Дейнека, Александр Лабас, Юрий Пименов и другие участники объединения ОСТ.

Авторская любовь к фактурам наглядно просматривается в сочетании разных материалов, подчас кажущихся несовместимыми. В серии декоративно-живописных панно основной фактурной доминантой является холст, который используется с неожиданной в этом сочетании фактурой серебряной потали, характерной для традиции оклада.

Тематически полотна обращают внимание зрителей на то, что сегодня, когда техника развивается семимильными шагами, властвует культ человека, который утерял свои человеческие качества в погоне за самореализацией и всевозможными достижениями. Человек как таковой воспринимается, скорее, как часть архитектуры, здания, быстротекущего потока времени, в котором не заметен сам человек, его индивидуальность, его естественные чувства и потребности (museum.ru).

Тема спорта, здорового тела, внешней привлекательности снова овладела умами современников, о чем свидетельствует бурное развитие фитнес-индустрии, а также услуг эстетической хирургии, косметологии. Идея конструирования «нового человека» в настоящее время так же востребована, как и в раннесоветский период. Однако если человек 1920-х был увлечен утопической идеей строительства светлого мира будущего, то современный человек стремится изменить свою физическую оболочку ради соответствия общественным стереотипам успеха, красоты и здоровья. В настоящее время, как и сто лет назад, важная роль в деле формирования эталонных образов отводится пропаганде. В советский период ее брали на себя подконтрольные государству органы, а сейчас культ тела и спорта пропагандируется во всемирном масштабе крупными корпорациями через рекламу, глянцевые журналы и прочие медийные средства. Полотна Евдокимова побуждают зрителя лишний раз задуматься о принципах функционирования общества, о судьбе индивидуального начала в условиях тотальной унификации потребительских моделей поведения (Мария Беликова).

Наталья Захарова. Ангел сидящий. 2017

Не вступая в прямой диалог со своими друзьями скульпторами, Наталья Захарова нашла своего рода пластическую нишу, в которой чувствует себя вполне комфортно, так как и в живописи, и в новой изобразительной ипостаси ее влечет магия проверенного веками образа. Она освободилась от случайностей штрихового обилия ранних рисунков. Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, — вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить. Захарова договаривает свои изобразительные речи до конца. Никакой теории «нонфинито», оставляющей пространство для зрительских домыслов (Вильям Мейланд, gallerynazarov.ru).

Творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское. Глубокое погружение в культуру прошлого не терпит прямого подражания. Путем требовательного познания и переосмысления всех богатств, накопленных русской культурой, Захарова создала свой особый стиль, имеющий прямое отношение к русской иконе и расписной деревянной скульптуре. Перед нами эстетически утонченное, очень стильное искусство, опирающееся в своей основе на проверенный веками образ.

В произведениях Натальи Захаровой никогда не бывает недосказанности, неоправданных жестов и деталей. Скульптор призывает задуматься над сюжетом. Ангел с поднятой вверх трубой несет в себе смысл призыва, он своим горном призывает к сражению с собой и с мирскими пороками. Ангел, с трубой, направленной вниз, трубит о начале Страшного суда, тогда как коленопреклонённый Ангел склоняет голову, моля Всевышнего об оберегаемой им душе, и т.д.

Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

В чем смысл сюжета «Ангела сидящего»? Цельное, завершенное творческое высказывание Натальи Захаровой указывает зрителю прямой путь к пониманию и призывает его к со-чувствию.

Евгений Зевин. Памяти Оскара Рабина. 2019

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.

Полотно «Памяти Оскара Рабина» (2019) посвящено памяти большого мастера и старшего друга, с которым Зевин познакомился еще в 1970-х. «… Как всякий подлинный художник, Оскар Рабин, используя приемы тех или иных школ, создал собственный, ни на кого не похожий стиль, нашел особый ключ к раскрытию образа России. Этот ключ — бытовая символика, предметы из обихода, из повседневной жизни, вынесенные на передний план холста. Предметы самые разные — рыбы, газеты, рубашки, коты, водочные бутылки, скрипки — и вроде бы самые обычные. Однако всегда, беря тот или иной предмет, Рабин превращал его в предмет-символ, придавал ему второй смысл, вторую функцию, дополнительную к основной обыденной, а порой даже от нее отличную. И оттого эти символы обретали особую силу. И оттого они — обыкновенные (подумаешь, невидаль — рыба на газете “Правда”!) — каждый раз смотрелись наново и неожиданно.

“В России, — говорит он, — зрители чувствовали мою символику и потому безошибочно определяли ее суть“», — писал о Рабине Александр Глезер (artwork2.com). В своем холсте Евгений Зевин использует рабинские предметы-символы, фрагментарно даже приближается к рабинскому колориту, но помещает все это в собственную живописную и цветовую среду, создавая свой образ художника и друга.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».

Виктор Кротов. Монсерат. 2003

Кисти Виктора Александровича Кротова принадлежит композиция «Монсерат» (2003).

Сюрреализм — продукт нашего сознания. Хотите вы этого или не хотите, он всегда заставляет интерпретировать увиденное. В нем не может быть ничего надежного. Сюрреализм вообще имеет тенденцию, тягу к разрушению, потому что только в разрушении есть действие, интрига. Говорят: «А что хотел сказать художник?» И это уже толчок к размышлению.

Сюрреализм настолько насыщен иносказаниями, по определению, что любое движение априори трактуется с каким-то смыслом. Поэтому так и получается: вы увидели в этом одно, другой — совершенно иное.

Это мое, личное. Мой мир. Как в свою компанию попал. Он настолько мой органично, что я не испытываю никакого труда и никогда не придумывал, чего бы, какую картинку напридумывать. Я просто садился и делал. Короче, оставалось просто физически зафиксировать (Виктор Кротов, vsevolod-maltsev.narod.ru).

У меня все происходит само собой. Это как у поэта или композитора, которые не задумываются над тем, какую букву или ноту взять. Я ни для одной своей работы не делал эскиза. У меня не бывает предварительных набросков, поисков каких-то, сажусь и пишу. Часто не зная, что должно получиться в результате. <…> Кто-то не может обходиться без мучительных поисков, а я другой. И не ради вычурности так работаю — просто получается то, что получается. А еще долго писать не люблю: мои картины рождаются быстро. Когда же поставлена последняя точка — работа больше мне не принадлежит. Живет самостоятельной жизнью, к которой — ни прибавить, ни убавить (Виктор Кротов, bereg.vrn.ru).

Творчество художника развивается в русле сюрреализма, а причудливые сюжеты его полотен бросают вызов привычной картине мира. Противопоставляя свой стиль классическому сюрреализму прошлого века, который, по его мнению, был слишком жестоким и гротескным, автор называет его романтическим сюрреализмом, который «пробуждает в людях возвышенные мысли, чтобы каждый становился хоть на краткий миг художником и поэтом» (krotovart.com) (Мария Беликова).

Художник и композитор Виктор Кротов родился 8 марта 1945 в Наро-Фоминске, в 1971 году окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское), участвовал в квартирных выставках неофициального искусства (1977–1980). Работы автора находятся в частных коллекциях России, США, Канады, Германии, Франции, Италии.

Борис Марковников. Се, Жених грядет... 2004–2010

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.

Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник (Никита Махов).

Шамиль Надров. Зеленые яблоки. 2016

В своем творчестве я пытаюсь изобразить мир, который похож или отражает «действительность». И все же это другой мир. В нем присутствуют все реалии действительности, существующие во все времена, кипят те же страсти, волнения, желания, мечты. Театр, в котором участвуют маски, персонажи с определенными характерами. Театр, где постановщик играет с куклами, пытаясь в игре найти ответ на волнующие многих проблемы (Шамиль Надров).

Шамиль Надров создает удивительный мир, полный тайн и секретов, и так неожиданно похожий на наш. Этот мир — заповедная область жизни маленьких странных человечков-кукол или новых подвигов уже утвержденных в искусстве изображений. Художник легко и свободно строит композицию сюжетов, захватывая нас оригинальной трактовкой персонажей: ироничных и простоватых. Именно в композиции закладывается интрига, по драматургии аналогичная театральной. Нельзя не отметить само письмо Шамиля Надрова, разнообразие цветовых и пластических форм. Кисть то строго движется по плоскости холста, упруго вдавливая мазок в поверхность, то определяет заметно строгий ряд ритмических акцентов, то беспорядочно замешивает мазки в общем пятне, одинаково существующем с другими, подобными ему. Это придает картинам одно явно выраженное качество театральности происходящего, ощущаемого через показ эффектов иллюзии и фейерверка. Отсюда можно сделать вполне традиционный вывод о параллельности миров яви и вымысла, мира театральных действ и нашего действительного абсурдного существования... (И. Ермолаев, persona.rin.ru).

Анна Селина. Чумной Зайчик. 2019

Анна Селина родилась в 1990 году в Москве. Окончила МГАХУ памяти 1905 года (2012), Свободные Мастерские при Московском музее современного искусства (2013), МГАХИ им. В. И. Сурикова (2017) по специальности «живопись» (мастерская Айдан Салаховой).

Член Творческого Союза Художников России (2015).

Объект Анны Селиной «Чумной Зайчик» (2019) — оригинальная вещь, окруженная целым роем смутных ассоциаций. Сходу вспоминаются венецианские маски, какие-то беспрерывно движущиеся мультяшные персонажи с угловатыми жестами, что-то сюрреалистичное, Белый Кролик из «Алисы в Стране Чудес» и, конечно, чертик в коробочке, которого Семён Семёныч Горбунков подарил управдомше Варваре Сергеевне…

Игорь Снегур. Диагональ и геометрия. 2009

Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).

Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).

Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.

В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.

Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого «занавеса» и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст (Игорь Снегур, cultobzor.ru).

«Абстрактное — значит нематериальное. А нематериальным может быть лишь идея, — записывал в дневнике Игорь Снегур. — Итак, какова идея абстрактного? В моем случае это соотношение аморфного и геометрии. Геометрия всегда конечна и статична. Аморфное всегда неконечно и нестатично. <…> Аморфное — скорее женская природа, геометрия — мужская. Геометрия обеспечивает форму, аморфное наполнено склонностью к изменению. Иначе не произойдет желанной встречи, т.е. не проявится ОБРАЗ… Цвет — непостоянное, он третье начало в живописи. Функция цвета в изменчивости, и в нем отражено время».

Желаем удачи на 89-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20211026_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20211026_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 24

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх