Открыт 87-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   12 октября 2021

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Анелии Алиповой, Нисо Атахановой, Сергея Бордачёва, Владимира Брайнина, Рината Волигамси, Михаила Дронова, Михаила Ермолова, Натальи Жерновской, Владимира Колесникова, Андрея Медведева, Дамира Муратова и Нины Поляковой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 401 и 87-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 87-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, четыре работы в смешанной технике и одна скульптура.

Семён Агроскин. Кофры. Из серии «Распаковка». 2019

«Мы знаем, какие радости и страдания заключены в арке ворот, в каком-нибудь уголке улицы, между стен комнаты или в пространстве ящика», — писал де Кирико.

Это «пространство ящика», его содержимое, вещи, снятые с антресоли или вынутые из старых чемоданов... Коробки ждут переезда или смены содержимого или окажутся на помойке в ближайшее время.

Лишенные реального цвета предметы, вынутые автором из воображаемых коробок и чемоданов, «разговаривают» друг с другом. Автор предоставляет зрителям возможность вспомнить свои «кладовки и антресоли».

Ассоциативный ряд появляется у каждого свой, в чем-то биографический. Некоторые предметы не вполне понятного или забытого назначения соседствуют с обычными предметами обихода и отдыха. Оболочка предметов отсылает к событиям жизни, дачного детства, походам и увлечениям юности зрителя. Вещи в роли свидетелей сами рассказывают о нас (Семён Агроскин, cultobzor.ru).

Старые термосы, чемоданы, коньки, документы близких — все это возвращает обладателя «упакованных» к встречам, разговорам, смеху за кухонным столом, прикосновению рук на катке, мягким и любящим взглядам уже ушедших близких. Это не просто предметы, интересные своей «пожитостью» и фактурой, старым дизайном или забытым предназначением, — это прежде всего мы сами, память поколений.

Взгляд в себя, обнажение своих чувств, «распаковка» эмоций. Это серьёзное, но позитивное переживание, которое художник дарит своим зрителям, разговаривая с нами визуальным языком со сдержанной колористической палитрой, трепетно и бережно обнажая нашу индивидуальность (artmoskovia.ru).

Анелия Алипова. Модель 1. 2019

Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).

Прогнозы футурологов на ближайшее и не очень будущее с каждым годом становятся все более разнообразными и в какой-то степени даже пугающими: многое из того, о чем они говорят, сбывается. И если раньше к подобным предсказаниям относились с достаточной долей скептицизма, то сегодня футурология — одна из самых обсуждаемых и актуальных областей науки, необходимость которой доказывается с каждым днем.

Один из самых животрепещущих вопросов относительно будущего, несомненно, выражается в отношении к роботизации многих сфер человеческой жизни, не только в контексте крупных многочисленных корпораций и предприятий, но и на уровне индивидуального подхода к решению бытовых задач отдельно взятого пользователя. Причем акцент делается на том, что робот в отличие от человека решит любой вопрос идеально, без погрешностей. В этом и заключается весь смысл автоматизации рабочего процесса: ликвидация всех возможных ошибок в процессе его выполнения.

Но не только механика самой деятельности важна для этой цели, немаловажным фактором становится и форма этих машин, то есть то, как они выглядят. Ведь внешний вид очень важен для восприятия, именно поэтому он должен быть таким же безупречным, как и выполнение их прямых функций. Очень показателен пример модели Шуду Грэм, которую в 2018 году придумал фотограф из Великобритании. Ее особенность в том, что она не человек, а полностью виртуально изобретенная девушка с идеальной внешностью и пропорциями. Некий недостижимый идеал для любой реально существующей модели.

Именно на основе ее образа написан портрет № 1 из серии «Монохром».

Современные девушки с помощью фотошопа и фильтров стремятся стать похожими на безукоризненных красавиц, как будто добавить к своей внешности толику цифрового совершенства. Феномен Шуду Грэм заключен в обратном процессе: она явно пытается стать частью материально существующего мира, являясь по своей природе существом изначально бестелесным. Ее портрет, написанный красками по холсту и существующий в реальном измерении, как будто делает это чуточку возможным. Художник изображает ее, подчиняясь собственному восприятию. И на картине уже не бездушная модель, а девушка, у которой есть характер, мысли, тайны. Идеальная форма преобразовывается с помощью силы творчества, являя зрителю возможность выбора, кого он видит: виртуального робота, созданного человеком для решения его задач, или личность с трепетной душой и бьющимся внутри любящим сердцем? (Надежда Соколова, искусствовед, арт-критик, специалист по работе с современным искусством, 11.12 GALLERY).

Нисо Атаханова. Во сне. 2013

В своих работах я использую образы, увиденные в культурах Европы и Азии. Меня интересуют привычки людей, их практики, мировоззрение и то, как они связаны с окружающей средой, образом жизни людей. Часть работ посвящена уникальной природе мест, в которых я побывала. Поэтому путешествия и знакомства с традициями других стран очень тесно связаны с тем, что я создаю в своей мастерской в Москве.

Таким образом, в картинах соединяются образы идеализированного мной мира и реальные события из жизни общества. Угол зрения постепенно меняется. Раньше героями картин часто бывали животные и райские птицы. Сейчас все события развиваются в основном вокруг человека (Нисо Атаханова).

Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник монументалист.

Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.

“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!» (sovetskaya-adygeya.ru).

Сергей Бордачёв. Зеленая Луна. 2011

«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).

Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).

Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).

«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).

Глубокий бархатный бордо — насыщенный цвет старого вина — лежит в основе колористического решения живописной работы «Зеленая Луна» (2011) Сергея Бордачёва, и именно он определяет сдержанное благородное впечатление, которое холст производит на зрителя.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Сергей Бордачёв».

Владимир Брайнин. Слепые окна. 2021

Постоянная тема картин-миражей Брайнина — старая Москва, в которой нет примет архитектурных преобразований советского времени. В этом городе нет и топографической точности, ощущение которой тем не менее удается создать художнику. Улицы и бульвары наполнены фантастическими существами, полуреальной призрачной архитектурой, фонтанами и решетками, неожиданными отражениями зданий (svoykrug.com).

Изначально Брайнин был записан в традиционные живописцы. Также скоро он был определен как образцовая фигура эстетствующего художника. При этом внутри пейзажного жанра скоро выяснилось его очевидное тяготение к классическим ценностям — от Гварди и Каналетто до Утрилло. Так соткался образ Брайнина — ретроспективиста и традиционалиста, художника архаического, музейного склада. Но со временем оказалось, что именно Брайнин занимается не лирической топографией города, но выражает его историю, разрушение, трагедии живущих и ушедших людей (Г. Никич, persona.rin.ru).

Картины Брайнина обладают странным свойством: пространство изображения несет в себе физически ощутимое содержание другого пространства. Бульвар может уводить зрителя на километровую глубину от поверхности холста, стена с барельефом и дверью не пускает зрителя больше, чем на шаг за красочный слой... И одновременно: бульвар опрокинут и является планом себя самого (и еще почему-то планом и срезом археологических раскопок, ощущаемых и слышимых сквозь темные тени деревьев и отражение фонарей в лужах); а в стену можно войти, растворившись в ней (дверь не понадобится), и движение вперед будет долгим — на многие десятилетия назад (Г. Никич, persona.rin.ru).

«Слепые окна» (2021) Владимира Брайнина — новый рассказ художника о любимом городе. Старый дом, построенный по собственному проекту, дошел до наших дней почти неузнаваемым, и только обвалившаяся штукатурка обнажает когда-то благородные черты старинной постройки. Окна первого (не подвального или полуподвального, судя по их пропорциям) этажа оказались на уровне земли, чего, конечно не было изначально. Но если, скажем, в Англии окна на любом этаже полтора века закладывали кирпичом, чтобы избежать специального налога на окна, то в России все определялось житейскими соображениями. «Укладка новых слоёв твердого покрытия улиц совершалась поверх старого. Осуществлялось намеренное повышение уровня засыпки вокруг здания, обычно с одной стороны, как вынужденное техническое решение.

Большинство таких (“засыпанных”) зданий стоит на косогоре (на картине мы как раз это видим. — AI.). В новые времена при подготовке строительных площадок проводили их выравнивание, в результате чего получали относительно ровную “террасу” для нового дома, но при этом одну из стен “нижестоящего” по склону старого дома засыпали на 1,5–3 метра (иногда закладывая оконные проемы кирпичом, а иногда делая специальное углубление в засыпке для доступа к окну)» (peterburg.center).

Свою роль в изменении вида старых московских домов сыграли и наводнения, первые обрывочные сведения о которых встречаются в летописях в XIV веке. 5-6 раз в столетие Москва-река выходила из берегов и затапливала окрестности, заливаясь в окна подвалов, полуподвалов и первых этажей. Самое крупное наводнение XX века произошло в апреле 1908 года: Москва-река поднялась на 8,9 м. Вода затопила около 16 км² территории столицы (ru.wikipedia.org). Владельцы домов, спасая свое имущество, закладывали окна кирпичом.

«Слепые окна» Владимира Брайнина можно воспринимать как своего рода портрет полуслепого благородного старца, а можно — как историю старого, может быть даже допожарного, московского дома (интересно было бы вернуться на пару веков назад и взглянуть на него сразу после постройки).

Ринат Волигамси. Три нимба. 2012

Сюжет и манера исполнения холста Рината Волигамси «Три нимба» (2012) отсылают зрителя к проекту «Снег», рассказывающему о жизни затерянного где-то в глубинке городка Двоегорска и расположенной рядом воинской части.

***

Картины Волигамси напоминают увеличенные пожелтевшие вырезки из старых газет. Монохромная строгость его работ действительно основана на архивных фотографиях — он реконструирует типовые образы из советской периодики, соединяя их со своими воспоминаниями из детства. Художник выбирает самые стабильные и размеренные сюжеты — деревенский пейзаж, будни военной службы, но тем неожиданней искажения, которые в них происходят (vladey.net).

В работах царство сна наступает на реальность и иллюзия смешивается с действительностью. Квази-документальный метод автора рассматривает вселенную в сюрреалистическую лупу. Достоверность гротеска не подлежит сомнению, и от анализа изображенного факта не удерживает банальное оправдание «художник так видит»; никакой защитный механизм не срабатывает, и зритель вынужден предположить: а вдруг все это не «альтернативная фантазия», а всамделишная реальность?

С одной стороны, проект актуализирует подзабытые (а гражданам комсомольского возраста и вовсе неизвестные) навыки чтения официальной информации. С другой — выявляет зияющие пустоты правдиво отраженной реальности, которые любой жанр, кроме концептуализма, стремится замазать. Автор снимает обязательный для изобразительного искусства слой лакировки действительности, и тогда на его картинах открывается бесконечное белое сияние пустоты (kandinsky-prize.ru).

«Три нимба» (2012) напоминают о практике 1930–50-х, когда на групповых фотографиях ретушировались или просто вымарывались лица репрессированных людей. Что автор скрывает за нимбами? Уж конечно, не святость. Возможно, души? Два одинаковых персонажа в офицерской форме душ не имеют, их лица — не лица, а одинаковые маски, натуралистичные настолько, что запросто сойдут за лица; над ними не нимбы, а отсветы от белых фуражечных чехлов. Свободно парящий в пространстве «нимб» — напоминание о третьем персонаже, которого нет, но душа его жива. А может, это нечто инопланетное заинтересовалось секретной картой забытого всеми Двоегорска? Псевдодокументальность работы не дает зрителю подсказки, а напротив, уводит его фантазию в самых неожиданных направлениях. Почему-то кажется, что все, что мы видим, — игра. Кого с кем, во что и что на кону — вот вопрос.

***

Стиль Волигамси отличают монохромность, гиперреализм и символичность деталей. Художник играет с привычными образами, которые при более внимательном рассмотрении теряют свою реалистичность и правдоподобность, как и любимые Ринатом рассказы Даниила Хармса (mmoma.ru).

Михаил Дронов. Канкан. 2019

Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Михаил Дронов принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.

Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».

Михаил Ермолов. Дирижабль. 2017

Известность Михаилу Ермолову принесла серия оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха», в которой представлены образы, ассоциирующиеся в массовом сознании с советским детством. Автор иногда с иронией, а иногда и с оттенком сентиментальной грусти воспроизводит на своих полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие полотна, созданные в середине прошлого века.

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

Дирижабль в отечественном искусстве имеет вполне определенные временны́е привязки: яркий символ новой светлой жизни 1920-х — начала 1930-х в лучших, вдохновенных работах Александра Лабаса и, скажем, летательный аппарат, стоящий на вооружении в Первую мировую войну в серии Константина Батынкова. А вот и еще одна привязка.

В октябре 1937 года дирижабль «СССР-В6 Осоавиахим» совершил рекордный по продолжительности полет в 130 часов непрерывного пребывания в воздухе. В честь него были выпущены ёлочные игрушки — дирижабли (tavika.ru). На картине Михаила Ермолова изображена та старая игрушка, а благодаря авторской технике мы как будто перемещаемся во времени почти на столетие.

Сегодня игрушки-дирижабли, выполненные по той давней модели, в огромных количествах продаются в Интернете. Их делают вручную из стекла, фарфора, картона, дерева и других материалов. Есть очень красивые, авторские, ручной работы, но сегодняшнему ребенку проще понять и недолго порадоваться фантастическому звездолету из будущего, чем летательному аппарату столетней давности — источнику радости и гордости поколений советских мальчишек. Это уже игрушки для взрослых, которые хотят хоть так ненадолго вернуться в детство, когда на елке висели подлинники.

Наталья Жерновская. Натюрморт с футболистом. 2020

Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Это можно заметить в работе «Натюрморт с футболистом» 2020 года: древнее искусство рельефа соединяется с тоталитарной эстетикой в исполнении художницы. Ее привлекает красивое в классическом понимании, и в представленной работе она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Жерновская романтизирует советское реалистическое искусство, что крайне редко для российских художественных течений 90-х годов. При этом она вдохновляется и различными современными медиа — фотографией и видео. «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать», — говорит она. Благодаря этому эффектные образы с полотен Натальи Жерновской хочется рассматривать снова и снова (vladey.net).

Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).

Владимир Колесников. Vatican Museum. 2018

Владимир Колесников, автор живописной композиции «Vatican Museum» (2018) работает в особой технике с использованием масляной пастели, масла и акрила. Визуально его работы похожи на гравюры или оттиски. Стилизованы они под итальянский рисунок эпохи маньеризма. «Техника, действительно, довольно сложная, я бы сказал — замороченная. Это рисунок масляной пастелью на специально загрунтованном холсте. Масляная пастель сама по себе очень сложный материал, она очень мягкая, жирная, с трудом фиксируется. Я работаю в этой технике уже 20 лет и постоянно ищу новые способы и приемы — стремлюсь добиться эффекта оттиска, литографии, чтобы не было понятно, как нанесен этот материал».

Художник использует шедевры современной живописи, внедряя в них изображения pin-up girls и таким образом противопоставляя вечное и сиюминутное (dorothea.ru).

Владимир Колесников родился 7 июня 1969 в Краснодаре. Окончил Краснодарское художественное училище (1988) и Кубанский Государственный Университет (1995). Живет и работает в Краснодаре и Москве. Работы находятся в собрании «Капитал Груп», в коллекциях Пьера Броше, Умара Джабраилова, Владимира Некрасова и других частных коллекциях.

Андрей Медведев. Он и она (Рай). 2019

С такими странными существами, как в работе «Он и она (Рай)» (2019) на картинах Андрея Викторовича Медведева наши участники еще не встречались. Их лица чем-то напоминают лица любимых персонажей художника — но они чувственны, вдохновенны.

Рай земной каждый придумывает для себя сам. Для одного предел мечтаний — успешный бизнес, другой чувствует себя счастливым только в дороге, в путешествиях по миру, третий стремится совершить грандиозное научное открытие, готов на это жизнь положить и этим счастлив и т.д. Но все же большинство людей мечтает о любви, семье и детях. Герои Андрея Медведева создали для себя этот рай. При этом они совсем не похожи на родителей, ради детей забывших обо всем на свете, в первую очередь о самих себе. Они элегантны и красивы, они влюблены и интересны друг другу. Вот такая замечательная картина о главном.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Дамир Муратов. Орел и муха. 2019

Я воспринимаю мир как улыбку Бога, а не как сопротивление непонятно чему (Дамир Муратов, artuzel.com).

Ирония, эрудиция, доброта — мир, который создает вокруг себя Дамир Муратов, — уютный, яркий, наполненный смыслом. Он тот художник, что может водить тебя за собой по миру античной мифологии, или за нос — в твоем потребительско-бытовом мирке, но тебе одинаково хорошо в любых путешествиях рядом с ним. Обожаю яркие цвета, которые он выбирает, и простор для интерпретаций, который он оставляет своим поклонникам (Татьяна Шкирина, главный редактор Омской телевизионной компании, omskzdes.ru).

Очень хорошо о художнике сказала одна из участниц форума AI: «Хочу сказать об одной очень важной черте или качестве его личности и творчества. Дамир — художник. Имею в виду: он постоянно художник! Когда-то это было нормально, теперь встречается один раз на тысячу. Большинство художников “работает художниками” и мечтает наконец стать чем-то вроде чиновника или бизнесмена и надеть дорогой костюм. Странное, но повсеместное явление… Так вот Дамир Муратов из тех единиц. Он не только занимается искусством, создает инсталляции, арт-объекты, пишет картины и пр. Он создает художественную среду. В нем Homo ludens нашел свое идеальное воплощение. Он формирует вокруг себя атмосферу радостного спонтанного творчества: веселого, игривого, непринужденного» (zarajara, forum.artinvestment.ru). Действительно, таковых единицы — Сергей Параджанов, Тонино Гуэрра, Дамир Муратов. Волшебников, естественно и неустанно преобразующих мир вокруг себя в радостную реальность.

Нина Полякова. Разоблачение. Из серии «Локдаун». 2020

«Все мои работы создаются на основании имеющихся знаний и опыта в области права, в целях поддержки свободы творчества, свободы слова, отказа от насилия и прославления уникальности человеческой личности» (Нина Полякова).

Полотно «Разоблачение» (2020) относится к серии «Локдаун», посвященной явлению, с которым пришлось столкнуться в той или иной степени всем странам мира.

Нина Полякова (1981) — современная красноярская художница, участница многочисленных отечественных и зарубежных выставок современного искусства. Работы автора отличаются оригинальным стилем, а сюжеты приходят из того, что происходит с нами здесь и сейчас. «Целью моего творчества является привлечь внимание к острым политическим, социальным или личностным проблемам», — говорит автор.

Желаем удачи на 87-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!