Открыт 79-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге собраны произведения Михаила Дронова, Николая и Александра Жатовых, Александра Захарова, Константина Звездочетова, Александра Курилова, Андрея Медведева, Pata (Пааты Мерабишвили), Ирины Раковой, Романа Рахматулина, Светланы Романовой, Армана Сируняна, Любови Солдатовой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 393 и 79-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 79-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, одна шелкография на холсте, одна работа в смешанной технике и одна скульптура.
Михаил Дронов. Кошка. 2000
Михаил Дронов — яркий представитель поколения художников, которые родились в годы «оттепели», сформировались в 1970-х и вступили в творческую жизнь в 1980-х. Он принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.
Достигая минимальными средствами максимального эффекта, он создает фантастический, насыщенный аллегориями и символами, мир. Его остроумная образность включает и повествовательное начало — оно прочитывается не в многословной детализации формы, а через внутреннее состояние причудливых персонажей.
Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».
Александр Жатов. Сосуды и рукопись. Из серии «Время жизни — время творения». 2020
К эстетике голландского натюрморта XVII века отчасти отсылает мотив среднеразмерного холста «Сосуды и рукопись» из серии «Время жизни — время творения» (2020) Александра Николаевича Жатова.
Натюрморт — преобладающий жанр в творчестве художника. Принцип сделанности и чёткой детализации ранних работ в 2019 году уступает место более свободной живописной манере, хотя исторический характер подачи сюжета сохраняется. В этот период художник создает серию натюрмортов «Время жизни — время творения», объединенных ренессансными реминисценциями. Композиционное сочетание натюрморта и фрагментов исторического интерьера, дополненное символико-аллегорическими образами, делает эти работы многоплановыми в контексте тематической интерпретации изображенного. Отголоски барочного мировосприятия ванитас, как эхо быстротекущего времени и напоминание о суетности бытия, ассоциативно всплывают в памяти при созерцании часов, венчающих изображенные композиции на полотне. Музыкальные инструменты, книги — всё хранит память об ушедших поколениях. Мир, созданный автором в этих натюрмортах, — это мир, предназначенный для долгого, вдумчивого созерцания (А. М. Ставцева).
Александр Николаевич Жатов — живописец, график. Родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. Окончил Саратовское художественное училище (2003). Живет и работает в Орле. Победитель конкурса «Пою мое отечество» (2004). Участник областных выставок. Работы хранятся в частных собраниях в России и за рубежом.
Николай Жатов. Двое. 2007
В пасторальной сцене «Двое» (2007) Николая Владимировича Жатова нет ярких красок и цветовых контрастов, нет острых углов и отточенных линий, работа почти монохромна, залита теплым естественным светом, образы юноши и девушки как будто проступают из нее, притягивая внимание зрителя.
Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000). Художник пишет преимущественно портреты и пейзажи (orel-sh.ru, vrnguide.ru).
Александр Захаров. Моби Дик. 2009
Современный художник Александр Захаров более всего известен яркими, разнообразными и всегда загадочными женскими образами.
Совсем иначе художник открывается в холсте «Моби Дик» (2009), источником вдохновения для которого ему послужил одноименный легендарный роман Германа Мелвилла.
Моби Дик — огромный белый кит-убийца, за которым охотится китобойное судно «Пекод» и его капитан Ахав. Но, очевидно, неверно было бы сводить картину к иллюстрации: вот кит, вот море, вот белый кораблик безумного капитана. Скорее, художник создает образ самого литературного произведения: роман сложен и многогранен, он, как пишет Татьяна Венедиктова, написан «очень дробно, он очень мозаичен, он все время рассыпается, как рассыпается отражение в волнующейся воде, все время бликует» (arzamas.academy), к нему необходимо возвращаться с возрастом, по мере взросления и обретения жизненного опыта, — и вот это-то мозаичное «отражение в волнующейся воде» пишет художник под впечатлением от прочитанного. Яркий образ, созданный Захаровым, совершенно отличен от великолепных иллюстраций Рокуэлла Кента, лучшего иллюстратора романа, — так же, как музыка Скрябина отличается от прелюдий Баха. И возможно, кого-то картина «Моби Дик» Александра Захарова подтолкнет к знакомству и прочтению гениального романа Германа Мелвилла.
Константин Звездочётов. Последняя поллюция. 2002
Я занимаюсь культурологической эквилибристикой. Я ставлю какие-то эксперименты, как алхимик, как эмпирик соединяю какие-то жидкости — смотрите, что получается. Я типичный постмодернист, и ничего нового. То, что мы имеем, — это компиляция.
Я работаю с архетипами, повторяю клише и цитирую различные культуры (Константин Звездочетов).
Константин Звездочётов работает в русле иронического обращения к советскому пласту культуры. Он использует образы из массовой печатной продукции, распространенные стереотипы, популярные в СССР культурные коды. Во многом художественным ориентиром для него является советский карикатурно-пропагандистский журнал «Крокодил», издававшийся с 1920-х годов. Вместе с тем Звездочётов обращается к народным и декоративным формам искусства: примитиву, лубку и кустарному китчу, и в этом он наследует традициям русского авангарда начала XX века. Комичность и эпатажность стали частью артистического амплуа Константина Звездочётова. Но за внешней наивностью и веселой бравадой в его искусстве всегда присутствуют тонкие смыслы и изящные концептуальные конструкции.
Еще в школе Константин Звездочётов увлекался личностью Че Гевары и движением MIR (Movimiento de Izquierda Revolucionaria — с испанского «Левое революционное движение»). С латиноамериканской революционной экзотикой он мог ознакомиться непосредственно — благодаря эмигрантам из Чили.
В 1990 году Константин Звездочетов решает попрощаться с «революционным» кумиром юности, как сказал сам художник — «расстаться с юношеской левизной», в которой он не то что был разочарован, но просто перерос. Звездочётов создает портрет Че Гевары, беря за основу его известную фотографию «Героический партизан» 1960 года и оформляя ее в лубочную рамочку. В этом новом народном лубке не только традиционные декоративные цветы, но и голые девушки. Пафос мужественности и сексуальности этого портрета иронично сбивается названием «Последняя поллюция», что рифмуется с «революцией», но обозначает совсем другое. Примечательно, что здесь сочетается имперский двуглавый орел и советская красная звезда — символично для переходного состояния страны в то время. Как говорил об этой работе Константин Звездочётов в интервью 1995 года в «Художественном Журнале»: «Я тогда делал искусство, которое можно было воспринимать на разных уровнях. Для людей не искушенных — это красиво, это грезы. Китч. Китч — это искусство народа, а для снобов китч — это раздражение. “Искусство должно утешать голодных и дразнить сытых” — поскольку я работаю для тех и других, мне близка такая позиция» (vladey.net).
Работа «Последняя поллюция» в 1997 году появилась на обложке переиздания музыкального альбома «Золотой диск» (1981) группы «Мухомор». Продюсер Олег Коврига говорил: «В этой группе, как известно, было пять художников, читавших свои стихи под разные фонограммы. Поэтому, работая над кассетой, мы долго мурыжили обложку. Мне надоело, и я сказал Косте Звездочётову: выбираем любую твою картину и ставим ее, иначе мы это не сделаем никогда! Выбрали “Последнюю поллюцию”, которую все называют “Че Гевара”, поставили “на лицо”, а фотокомпозицию “Банный лист” — внутрь обложки» (colta.ru). Иронический портрет героя революции вполне отражает содержание альбома, полного издевательских аллюзий на советскую действительность и призывающего к психическому раскрепощению (vladey.net).
В 2002 году автор перевел «Последнюю поллюцию» 1990 года в тираж: отпечатал серию из 99 шелкографий на холсте, одна из которых выставлена сегодня на торги.
Александр Курилов. Z. 2004
В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).
Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).
Перед нами яркий пример сюрреалистической игры: художник делится своими воспоминаниями, переживаниями и радостями, выражая их с помощью абстрактных образов, которые вместе с насыщенным цветовым наполнением вызывают в подсознании зрителя уже новую цепь ассоциаций, оторванных от изначальных интенций автора. И в этом случае зритель сам становится активным соучастником формирования новых смыслов произведения (Мария Беликова).
Андрей Медведев. Ида Ворс. 2019
«Черный задний занавес раздвинулся, и на сцену вышла юная красавица в бальном платье, держащая в руках золотой подносик, на котором лежала толстая пачка, перевязанная конфетной лентой, и бриллиантовое колье, от которого во все стороны отскакивали синие, желтые и красные огни», — так описывает Булгаков Иду Ворс, точнее, Иду Геркулановну Ворс из Харькова, любовницу господина Дунчиля, явившуюся во сне Никанору Ивановичу Босому (Михаил Булгаков. Мастер и Маргарита. Гл. 15, vehi.net).
Художник Андрей Медведев предлагает собственное прочтение образа Иды Ворс в своей привычной трактовке: обнаженная женщина в окружении мужчин. Необычное имя и занавес дают возможность предположить булгаковский прототип — красотку со сверкающими зубами и мохнатыми ресницами. Булгаков использовал любимый гоголевский прием упоминания огромного числа персонажей, которые, промелькнув на секунду, навсегда исчезают со страниц романа. В череде этих персонажей Ида Ворс обладает и внешностью, и характером. Но у Медведева красотка окружена не булгаковскими «негодяями», а совсем иными персонажами, среди которых Коли № 1, № 2 и № 3, Давiд, Муж, Нiколаi, Сруль (ему дамочка незаметно протягивает руку для поцелуя), Федя, Исаак и еще один Коля, без номера…
Хотя, возможно, литературный прообраз тут ни при чем и совсем другая Ида, тезка медведевской, явилась во сне председателю жилищного товарищества дома № 302-бис по Садовой улице.
«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).
Pata. Птичка в клетке. 2006
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) известен в первую очередь как скульптор, развивающий традиции французской пластики рубежа веков и первой трети ХХ века (А. Майоля, Ж. Липшица, А. Архипенко, О. Цадкина, Н. Габо). Однако помимо скульптуры Pata создает множество живописных и графических произведений, стилистика которых также отсылает в первую очередь к французскому искусству: художник переосмысливает живописную манеру П. Пикассо, А. Модильяни и других мастеров.
Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, переносится художником и в сферу живописи и становится центральной художественной задачей. В частности, в изображении главной героини картины «Птичка в клетке» (2006) — лежащей обнаженной — заметно выраженное стремление акцентировать объёмы фигуры, в результате чего наблюдается «лепка» живописной формы, желание добиться максимальной осязательности образа. В отказе от натуроподобия, в упрощенной трактовке тела, подчеркивании удлиненных и непропорциональных конечностей женского персонажа обнаруживаются влияния наивного искусства в духе А. Руссо и Н. Пиросмани. В результате художник создает чувственный женственный образ (Мария Беликова).
В творчестве Pata образы птиц не редкость. Это и роскошный разноцветный «Петушок» (2017), написанный акрилом на фактурной искусственной коже, и изящная скульптурная «Синяя птичка» (2020), которая вот-вот вспорхнет в небо. Центральный персонаж нашей картины — обнаженная красавица с сигаретой в руке, на столе рядом с ней стоит бутылка вина и бокал. Чувственная и свободная… И похоже, что маленькая желтая птичка в клетке — единственная близкая ей живая душа.
Ирина Ракова. Чувство полета. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com ).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова» .
Роман Рахматулин. Желтый. 2018
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин).
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
В замкнутое пространство, о котором пишет художник, вплывает желтая рыба с огромным глазом и лукавой улыбкой — и все вокруг, включая самого зрителя, наполняется легкими пузырьками веселого настроения. Остается только его почувствовать и улыбнуться.
Светлана Романова. Клумба. 2020
Единственная цветочная композиция в каталоге — «Клумба» (2020) Светланы Ивановны Романовой.
Светлана Романова — художник, искусствовед, кандидат искусствоведения, доцент музееведения (ВАК), филолог, доцент кафедры иностранных языков СПб Государственного института Кино и Телевидения, профессиональный гид-переводчик, автор многочисленных публикаций по истории и теории искусства. Выставляется с 1991 года. Член Российского творческого союза работников культуры с 2007 года. Индивидуальный член ICOM с 2012 года.
В 2009 году в Московском музее современного искусства (Петровка, 25) прошла персональная выставка художницы «Интерпретации: живопись, графика, тексты».
Арман Сирунян. Солянка Блюз. 2020
Художник, как подражатель Творцу, ограниченный материалами, техникой, манерой, отображает всю систему мироздания исключительно как акт чистого искусства со стороны Абсолюта, со всеми возможными смыслами и их отсутствием (Арман Сирунян).
Творчество Армана Сируняна отличается неподдельной искренней живописностью. Это свойство требует от художника максимального напряжения всех его гармонических способностей ради достижения некоего живописного качества, не вполне поддающегося описанию словами. Важными сведениями о творчестве Армана являются знания о том, что он много работал с пространством, звуком и светом как театральный режиссер.
Процесс написания картин для Армана распадается на две равные части. Сначала в голове художника, в его фантазии появляется ощущение необходимости чего-то сверхважного, и он, человек невероятно гостеприимный и очень талантливый, начинает буквально мучить своих собеседников этим предвосхищением необходимости творения до тех пор, пока… внезапно его посещает видение объекта, который на этот раз станет воплощением его творческого предощущения. Так родилась серия космических букетов, так же родилась и галерея «Лингуа Латина» со всеми ее десятью живописными выставками и последующие концептуальные серии.
Вторая часть творческого процесса Армана Сируняна состоит в какой-то древнегреческой борьбе с холстом. И это не поиски правильного цвета. Где какой цвет будет располагаться, Арман знает практически с самого начала. Но затем начинается мучительный процесс перевоспитания цветовых пятен. Художник многажды изменяет насыщенность и фактурность цветового пятна, не изменяя его формы и места на холсте. И только самому художнику известно, когда все эти соотношения приходят в долженствующий порядок (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик).
Арман Сирунян — московский живописец, и «Солянка Блюз» (2020) — вещь безусловно московская. Вы когда-нибудь задумывались о том, что каждый город звучит по-своему? Не шумом машин и прочими городскими звуками, а музыкой, которая созвучна городскому genius loci. В Париже звучит аккордеон, в Зальцбурге — Моцарт, в Вене — Штраус, в Лейпциге — Бах, в Санкт-Петербурге — Глиэр, в русской провинции — Глинка и Чайковский. Только гениальным композиторам было дано услышать эту особую музыку места.
Москва в этом отношении уникальна, и не только потому, что архитектура — это застывшая музыка, а скорее, потому, что каждая улица, каждый двор несет в себе свою культуру и свою мелодию. Арман Сирунян очень точно почувствовал настроение московской Солянки. Прогуляйтесь по ней не спеша, когда начинаются сумерки и идет легкий дождь, лучше в субботу или воскресенье, когда она почти пуста, не торопитесь, окунитесь в магию этого места — и услышите блюз в холодноватых тонах, как раз такой, какой написал художник.
Любовь Солдатова. Случайный взгляд. 2015
История искусства знает немало произведений, созданных на основе шедевров прошлых веков. Обращаясь к ним, каждый художник, конечно, руководствовался собственными мотивами. В эпоху постмодерна перечень этих мотивов чрезвычайно расширился, как правило (к счастью, не всегда) в сторону ухудшения первоисточника. Вспомним, например, интереснейшую фотосерию Екатерины Рождественской: наши современники в костюмах и композициях старинных портретов. Мы всматривались в лица на полотнах и на фотографиях и размышляли о внутреннем (не внешнем) сходстве и различии моделей, разделенных столетиями.
Даже на нашем аукционе мы с вами видели немало примеров того, как современные авторы переосмысливают произведения своих предшественников.
Любовь Солдатова обращается к шедевру Яна Вермеера «Девушка с жемчужной сережкой» (ок. 1665). Бережно используя композицию и антураж шедевра XVII века, художник пишет современный детский портрет, интересный и выразительный.
Любовь Солдатова — живописец, график, поэтесса. Родилась в Москве в семье художника и архитектора А. С. Солдатова. Изучала живопись под руководством отца, а также пользуясь советами его учителя, профессора Суриковского института Б. А. Дехтерева. После окончания МГХИ с 1984 по 1991 училась и работала в системе МИД СССР. В августе 1991 уволилась из МИДа и перешла на российско-швейцарскую фирму работать переводчиком с немецкого языка. В 1999 окончательно оставила работу, чтобы полностью посвятить себя живописи, занятия которой она никогда не прекращала. Основным направлениями творчества художницы являются натюрморты, жанровые портреты, абстрактные композиции и причудливые фантасмагории в духе Иеронима Босха. Работы находятся в частных коллекциях.
Желаем удачи на 79-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210816_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210816_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
