Открыт 74-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 388 и 74-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 74-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, две работы в смешанной технике, один лист печатной графики, один коллаж и одна скульптура.
Галина Быстрицкая. Гортензии и флоксы. 2018
Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. «Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются» (Анна Чудецкая, tvkultura.ru).
Галина Быстрицкая — художник, фотограф, путешественник, автор дизайнерских книг и литературных эссе.
Сюжетами картин Гали может оказаться все что угодно — от животных и растений, увиденных где-то на Бали или Комодо, сценок из жизни обитателей Сингапура или Филиппин, зарисовок венецианского карнавала до персонажей и примет российского провинциального быта, окружающих художницу в ее загородном доме близ Переславля-Залесского. То, что «зацепило». Где за видимой реальностью существует некая энергетическая «подкладка». С помощью интуиции она пытается уловить основные «сгустки-узлы», силой цвета сделав их видимыми для остальных на плоскости бумаги или холста.
Картина, иероглиф, знак, несущий своеобразие и силу впечатления художницы, воспринимается зрителем как инъекция жизненной энергии (russiskusstvo.ru).
Ее эмоциональной манере присущи яркие краски. А работает художница в основном руками, обтянутыми тонкими хирургическими перчатками, и лишь изредка прибегает к помощи мастихина. «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru).
Коллаж — то же «касание пальцами». Самые малые детали, вырезанные из бумаги, прикосновение рук художника насыщает ее энергией. Как дирижер в оркестре, она управляет цветовыми потоками, создавая яркие и эмоциональные образы. Коллаж, при всей очевидной свободе выражения, едва ли не более живописи не терпит небрежности: колорит исходных материалов, формы и текстура деталей сливаются в гармоничном звучании, и, как в музыке, единственная фальшивая нота создает диссонанс, так и в коллаже единственная ошибка может все испортить. «Гортензии и флоксы» (2018) — роскошный цветочный натюрморт, с крупными кистями гортензий и мощными соцветиями флоксов — коллажами, созданными самой природой. Летние краски и формы в работе Галины Быстрицкой — точной, яркой — звучат чистым мощным аккордом.
Диана Воуба. Царская башня. Из серии «Красная Москва». 2006
Мне не нравится однообразие, но работая над какой-либо темой, ограничиваю её цветом, размером, чтобы наиболее полно выразить суть. Часто художник находит свой особенный стиль в молодости, начинает работать в нем, а потом уже боится что-то менять. Но тогда он в своем стиле должен развиваться как Джорджо Моранди, например. Мне ближе путь Пикассо или Матисса — от фигуратива до вибрирующей линии. Мне нравится переключаться. Я думаю, что существует какое-то общее поле, а художник, как существо тонко чувствующее, считывает информацию. Время диктует, в каком жанре работать или что вообще делать в данный момент. И это происходит в режиме нон-стоп, я даже не успеваю реализовывать все идеи, которые мне приходят в голову... (Диана Воуба).
Диана Воуба выражает свои эмоциональные и интуитивные переживания, связанные с понятием времени, познания себя и мира, через цвет, форму, линию и пространство, свободно манипулируя с фактурами. В непрерывном творческом процессе, балансируя на грани идеи и материи, художница создает линию, по одну сторону которой находится субъективное, а по другую — внешнее. Диана проникается достоинством и величием даже самой малой вещи на свете (Наталья Колодзей, куратор, искусствовед, директор Kolodzei Art Foundation, США). Подробнее о художнике на AI: «Персона недели: Диана Воуба».
Наталия Вяткина. Женская фигура со спины. 2019
Наталия Вяткина — скульптор, художник монументально-декоративного искусства, график, живописец.
Главная тема творческих исканий Н. Вяткиной — человек как мера всех вещей, человек в его разнообразных ипостасях, эмоциональных проявлениях, душевных движениях и духовной устремленности. Скульптурные портреты, многофигурные композиции, графические листы, живописные произведения составляют обширную галерею образов и пластических интерпретаций целой сферы понятий, лежащих в основе человеческого бытия. Мир музыки, театра, поэзии — круг ее художественных приоритетов и пластических исканий (rah.ru).
В скульптуре и графике Наталии Вяткиной (за исключением некоторых сознательно натурных портретов, фигур и фарфоровой пластики) выражается некая внутренняя идея образа, богатство личных авторских ощущений и ассоциативных, пульсирующих драгоценными оттенками, образов и фантазий. В скульптурных композициях подчеркивается экспрессия поз, сложная смысловая траектория общей динамики, удлиненность, метафорическая расщепленность и энергетическая напряженность пропорций, благородная красота линий и форм. Все это сообщает произведениям драматическую остроту, вневременность переживаемых состояний, своеобразную театрализацию сюжета. В ее работах нет внутреннего конфликта формы. Как сообщающиеся сосуды существуют ее скульптура и живописно-графические композиции, в пластике ощущается чеканная контурность хорошего рисовальщика, а в акварелях и гуашах — органичная и безупречная логика формы (Никита Иванов, artanum.ru).
Анатолий Горяинов. Встреча. 2020
Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это удивительно плотные работы — взгляд мастера не терпит пустоты. Московские фотографы — люди очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейший вид ночной улицы в огнях.
Однако по образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.
«Встреча» (2020) относится к числу самых удивительных работ художника. Персонажи погружены в первые мгновения общения, в тишину отстранения от всего, что окружает, в молчание, не нарушаемое даже дыханием. Взгляд зрителя притягивают лица — исходящая от них невероятная нежность заливает собой все пространство картины. Зритель, как и персонажи, замирает, захваченный трепетом соприкасающихся лиц, и только когда разомкнутся объятия или персонажи сольются в поцелуе, начнут двигаться или заговорят, зритель обратит внимание на пейзаж за окном, натюрморт на столе, цветовое решение, композицию… Но все это будет после…
Дубосарский и Виноградов. Барби. 2004
Работы Виноградова и Дубосарского подчас обладают галлюциногенным эффектом: чистые яркие цвета, жизнерадостный живописный стиль, переплетающиеся фигуры, полные эротических подробностей сцены, знаки почитания массовой культуры и панорамные многосоставные холсты. Художники делают все, чтобы создать вокруг зрителя атмосферу необарокко: впечатляющие сюжеты наполнены солнечным светом и блеском (Валентин Дьяконов, sxn.io).
Их картины стали отражением целых эпох — постсоветских 1990-х и гламурных 2000-х. Совмещая российские и западные медийные образы, используя цитаты из соцреалистической живописи, Виноградов&Дубосарский создавали ироничные, театральные сюжеты, напоминающие условную «русскую фантазию». В 2010-х художники вернулись к реальности: обратились к повседневным уличным сюжетам (vladey.net).
Галина Дулькина. Электроконтрабасист. 2007
Автор холста «Электроконтрабасист» (2007) Галина Борисовна Дулькина известна и признана не только в России, но и в мире как крупный современный художник-фарфорист. Ее работа в первую очередь связана с этим хрупким, но необъятным в плане творческих возможностей материалом.
Вместе с тем Дулькина — серьезный живописец, автор блестящих коллажей, и все, что сказал о ее фарфоре Морис Барюш, искусствовед, коллекционер и последний директор парижской галереи Popoff & Cie, — всё это в полной мере относится к ее живописному творчеству: «Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественной метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.
Мы видим ее творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчеркнуто равноправно.
<…> Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник».
Живописная композиция «Электроконтрабасист» (2007) продолжает собой «музыкальную» серию художницы: «Контрабасист» (2004), «Скрипач» (2004), «Трубач» (2006)… Все перечисленные произведения созданы чистыми цветами в сдержанной холодной сине-голубой гамме простыми динамичными линиями, тогда как в «Электроконтрабасисте» главенствует песочная гамма палитры. Лаконичными средствами художник виртуозно создает очевидно фигуративные и почти супрематические образы музыкантов.
Илья Евдокимов. Революция. Феминизм (Минск). Из серии «История будущего». 2020
Материалом к созданию работ проекта [Ильи Евдокимова] «История будущего» послужило декоративно-прикладное и монументальное искусство позднесоветского периода, которое окружало каждого человека той поры в его повседневной жизни. Через основную тему работ подается современный взгляд художника на окружающий мир с точки зрения преломления собственного опыта. Художник использует эстетику и достижения первых «революционных» творцов, таких как Петр Вильямс, Александр Дейнека, Александр Лабас, Юрий Пименов и другие участники объединения ОСТ.
Авторская любовь к фактурам наглядно просматривается в сочетании разных материалов, подчас кажущихся несовместимыми. В серии декоративно-живописных панно основной фактурной доминантой является холст, который используется с неожиданной в этом сочетании фактурой серебряной потали, характерной для традиции оклада.
Тематически полотна обращают внимание зрителей на то, что сегодня, когда техника развивается семимильными шагами, властвует культ человека, который утерял свои человеческие качества в погоне за самореализацией и всевозможными достижениями. Человек как таковой воспринимается, скорее, как часть архитектуры, здания, быстротекущего потока времени, в котором не заметен сам человек, его индивидуальность, его естественные чувства и потребности (museum.ru).
Евдокимов в очередной раз прибегает к излюбленному формату декоративно-живописного панно и создает своего рода полиптих, в котором осмысляет текущие социально-политические проблемы постсоветского пространства. В частности, он обращается к недавнему кризису власти в Беларуси и протестному движению, в котором значительную роль сыграли женщины. Обращение к стилистике раннесоветской живописи здесь вновь оправдано, ведь вопрос гендерного равноправия был актуален и сто лет назад — недаром именно советские женщины одними из первых в мире получили множество свобод, закрепленных в законодательных актах.
В серии «История будущего» художник использует серебряную поталь и тем самым придает холстам характерную светло-коричневую тональную гамму, схожую с эффектом сепии. В работе ощущаются отсылки к эстетике раннесоветской фотографии и фотомонтажа 1920–30-х годов, на которых запечатлены массовые мероприятия. В верхней части работы Евдокимов помещает монументальное строение — стадион или дворец спорта позднесоветского периода, — способное вместить многотысячные толпы зрителей. В нижнем ярусе Евдокимов пишет то, что немецкий философ З. Кракауэр, наблюдавший за массовыми шествиями, спортивными мероприятиями и танцевальными шоу 1920-х годов, называл «орнаментом масс»: симметрично и ритмизированно обнаженные женщины стоят на площади, держа в руках пустые флагштоки. Одинаковые фигуры в одинаковых позах отбрасывают одинаковые тени. Их нагие тела вызывают ассоциацию с персонажами полотен Дейнеки или Самохвалова — спортивными советскими девушками, сильными телом и бодрыми духом.
Евдокимова явно вдохновила активная вовлеченность женщин в современный политический процесс, при этом одинаковость персонажей рождает неоднозначные мысли. С одной стороны, этот выразительный прием может служить метафорой единства душевного порыва героинь в решимости к переменам, а с другой — символизировать конформизм, ситуацию, когда политическая акция уподобляется флешмобу, на который приходят, чтобы занять свободное время и сделать фото для соцсетей. Окончательные выводы, вероятно, должен сделать для себя сам зритель, в то время как Евдокимов лишь в очередной раз нам показывает, что спустя столетие мы по-прежнему живем в полном противоречий и парадоксов массовом обществе, в котором женщины стали реальной политической силой, с которой нельзя не считаться (Мария Беликова).
Николай Иванов. Круг. 2011
В творческой биографии художника из Бузулука Николая Николаевича Иванова есть две важнейшие вехи — учеба в ЗНУИ (1971–1980) у Михаила Рогинского и многолетнее участие в неформальном творческом объединении «Академия Садки», собравшем талантливые силы художников Оренбурга и других городов.
Французский искусствовед К. Робер писал: «Художники создали группу, которая войдет в историю под названием “Академия Садки”, где работали вместе, как в прекрасные времена импрессионизма, выковывая общий стиль и духовность. Метаморфозы и единство — так можно охарактеризовать творчество художников, кующих общий язык. Редко подобная общность в письме и чувствах обнаруживалась в истории искусств» (orenlib.ru).
Илья Комов. Последние лучи солнца. 2020
Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.
…Художник точен в своих наблюдениях, он «снимает виды» конкретных ландшафтов и архитектурных сооружений. Между тем натура, хотя и вызывает у мастера несомненное доверие, является скорее поводом, позволяющим углубиться в колористические и композиционные штудии. Пространство в работах Ильи Комова не глубоко, но любимый мастером синий цвет, подменяя собой законы прямой перспективы, уводит взгляд зрителя вдаль. Действие, если таковое существует, разворачивается на переднем плане картины, как правило, это неспешный провинциально-дачный быт, медленно протекающий перед глазами зрителя. Описание это весьма условно, как, впрочем, условен и сам жанровый момент в пейзажах художника. Их прочитываешь скорее как череду символов, нежели как бытовые зарисовки. Лаконизм, тщательный отбор деталей позволяет усматривать в пейзажах сцены, не привязанные жестко к определенным географическим координатам.
Вневременные пейзажи художника становятся декорациями некоего эпического театрального действия. Тот фантастический мир окрашивает равенство всех всем: люди здесь уподоблены кронам деревьев, монастырским колокольням, стогам сена. Их очертания повторяют друг друга, пробуждая мифологические воспоминания о первоначальной гармонии всего живущего.
Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов».
Ирина Корсакова. Натюрморт с оливкой. 2015
Я расскажу о том, что я люблю.
Покой и созерцание.
Свет и тень.
Ясность.
Трепет и окаменение.
Вибрации души, тона, цвета.
Предмет.
Фактуры материалов.
Фронтальную композицию.
Поверхность холста и физическое ощущение прикосновения к нему кисти.
Картину как проявленное.
Искать смыслы.
Когда я начинаю, я не думаю, о чем будет работа. Думаю о форме и об ощущении. А еще об ответственности за каждый сантиметр холста. Понимание смыслов приходит к завершению. И я здесь на той же позиции, что и зритель. Чему я могу его учить? Каждый видит свое, и это правильно. А я уже все сказала на холсте, и нужно так говорить, чтоб не нужно было вербальных пояснений (Ирина Корсакова).
Андрей Криволапов. Обещал приехать. 2016
В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла Андрей Криволапов достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. «В своих работах я стараюсь повторить и воссоздать природу стекла, добавляя в стекло окислы металлов, составляя шихту для отливов в форму», — рассказывает мастер о своем творческом методе.
Многочастные серии Андрея Криволапова не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии.
В композиции «Обещал приехать» заметен диалог со средневековой готической храмовой скульптурой, от эстетики и пластики которой отталкивается автор. Готический спиритуализм проявляется в повышенном внимании скульптора к душевному состоянию своих персонажей, подчеркиванию эмоциональной выразительности их образов. Несколько наивная трактовка фигур (совсем как в деревянных скульптурах наивных народных художников) сочетается с одновременным вниманием к передаче мимики, жестов и поз персонажей. Сложная, разнородная и полупрозрачная фактура скульптуры содержит потертости, имитирующие следы времени, что является характерной чертой многих произведений Криволапова. Здесь ощущается стремление автора не просто внести элемент декоративности в представленные образы, но в первую очередь подчеркнуть, что чувства, которые они испытывают, понятны и близки каждому человеку (Мария Беликова).
Юлия Мамонтова. Цапли. Птицы Посейдона. 2020
Энкаустика — это техника живописи восковыми красками с горячими инструментами, незаслуженно забытая в наши дни. Секреты этой древней техники были почти утеряны в XII веке. Восстановить их и вдохнуть новую жизнь удалось советскому художнику Василию Хвостенко в 1935–1985. Сейчас энкаустика опять незаслуженно забыта и не так известна, как за рубежом.
Спустя два тысячелетия я возрождаю древнюю традицию энкаустической живописи мастеров Эллады, чьи произведения прекрасно сохранились до наших дней и являются жемчужинами коллекций лучших музеев мира.
При нанесении восковых красок горячим способом, воск застывает почти мгновенно, рождая необычную многослойную фактуру, создавая рельеф цвета. Фактура является наиболее мощным выразительным инструментом в живописи, поскольку традиционно реалистическое искусство создаёт иллюзию глубины пространства, а изображение не выступает над поверхностью стены, холста или доски.
Мои произведения выполнены в стиле энкаустического импрессионизма. Идея, которой был одержим Михаил Врубель, — «возвести кусок жизни в перл создания» — интересовала меня всегда, потому что я вижу в каждом натюрморте, цветке или пейзаже отзвук вечной красоты и гармонии, хочу передать это ощущение в своих работах (Юлия Мамонтова, celebritytv.ru).
Это сложный, трудоемкий и дорогой метод, несмотря на то, что современные достижения сделали его проще (например, не нужно разогревать воск огнем, его заменили электрические приборы, и появился огромный выбор сопровождающих материалов, красок и прочее). Воск, в частности пчелиный, непростой материал для работы. Он требует от художника особого мастерства, тщательности, трудолюбия, поскольку застывает очень быстро, зато сохраняет цвет, прозрачность, живость на века (Юлия Мамонтова, artifex.ru).
Энкаустика как сама жизнь: древняя, натуральная, яркая, быстрая… живая. Она способна передавать тончайшие, незримые нюансы того, что я пишу: не важно, портрет ли это человека с сильной энергетикой, эмоциональная абстракция или что-то другое. Сам процесс работы очень трудоемкий, медитативный требует полной отдачи и глубочайшего погружения — ведь восковые краски очень быстро застывают. Но для меня энкаустика идеальна: практически волшебным образом можно остановить мгновение (не зря пчелиный воск используется в магических культурах мира) или передать то, что хочется, поделиться живыми эмоциями и сделать мир через свое творчество немного лучше и светлее (Юлия Мамонтова, iskusstvo.pro).
Леонид Раков. Ольга. 1986
Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и «измов», он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).
Желаем удачи на 74-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210713_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210713_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
