Открыт 72-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 386 и 72-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты 72-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 10 лотов — девять живописных произведений (один лот содержит три работы маслом) и три работы в смешанной технике.
Дополнительный стринг — пять живописных композиций Ирины Раковой, чья выставка «Сага о стуле в 15 частях» до 30 июня открыта в галерее ARTinvestment.RU «21-й век».
Мария Буртова. Самоизоляция 5. 2020
У всех художников бывают наиболее продуктивные периоды. У Марии Буртовой этот период случился в нелегкие времена пандемии.
День за днем она работала, творила и создавала образы самоизоляции. Ее взгляд был обращён к пейзажу, сюжетным сценам в метро, были и детские игрушки, да и просто все мы, погруженные в страх и трепет неизвестности завтрашнего дня и системы запретов.
Подобные темы захлестнули большинство авторов в то время, но у Маши масочно-пандемийные сюжеты приобрели иной характер. Поэтически философский. Образы — это рефлексия человеческого ума. Ума, который призывает зрителя к соразмышлению.
Рассматривание работ Марии Буртовой — это диалог.
Диалог с художником.
Художники всегда на карантине и в самоизоляции. Что помогает им создавать (текст предоставлен М. Буртовой).
Валерий Газукин. Вечерний портрет. 1992
Ценность живописи создается не фактурной плоскостью, а цветовой: она рождается от цветовой плоскости и от цветовой массы. Именно цветовые массы строят на плоскости живописное цветовое пространство… Температура, размеры и фактура цветовых масс зависят от накала чувств творца и чистоты его восприятия (Валерий Газукин).
Валерий Газукин, автор живописной работы «Вечерний портрет» (1992), был… настоящим мыслителем цвета, исследованию которого он посвятил всю свою жизнь. Его искусство зарождалось из восторга перед соединением цвета, света и пространства. В своей модели мира он устранил все лишнее, оставив там свое понимание гармонии (ria56.ru).
Газукин тяготел в своем творчестве к абстракционизму, вступая в диалог с произведениями К. Малевича, В. Кандинского. Центральное место в художественной системе Газукина занимала проблема реализации цвета. «Идея цвета не только точка отсчета, но и результат цветовых видения и мышления. Цветовые структуры призваны изобразить и выразить духовную субстанцию творчества, его личностные стилистику и мировоззрение», — был убежден художник.
«Вечерний портрет» Газукина содержит отсылки ко второму крестьянскому циклу Малевича конца 1920-х — начала 1930-х годов, в котором художник создал знаменитую серию отвлеченно-фигуративных изображений, воплощая идею «супрематизма в контуре человеческой фигуры» (k-malevich.ru). Газукин пытается решить, по сути, те же художественные задачи, что и Малевич, а именно: выразить содержание через очищенные форму и цвет (Мария Беликова).
Юрий Григорьев. Поселок у моря. 2006
«Природа не просто пейзаж или среда обитания, природа — часть нас самих, и я не знаю, какая она объективно, и никто не знает. Я знаю природу только через свое восприятие: изображая ее, я изображаю себя, свои настроения, чувства…» (Юрий Григорьев, gallerypst.com).
В творчестве Григорьева продолжают жить достижения европейского модернизма первой трети ХХ века, французского фовизма, немецкого экспрессионизма, живописи мастеров круга «Бубнового валета», хотя Григорьев не ведет ни с кем из художников прямого диалога. Его также привлекает колористическая составляющая работ Эль Греко. Работы Григорьева отличаются свободной лепкой живописных форм, где цвет является одной из главных составляющих изобразительного языка (Мария Беликова).
Александр Захаров. Русалка. 2012
На картинах Александра Геннадьевича Захарова запечатлены «не люди, не определенные люди, не определенные личности, — говорит художник о своих работах, — я не пишу портреты». «Русалка» (2012) — это тоже собирательный образ.
В современном искусстве существует довольно четкое противопоставление чувственности, отстраненного восприятия пластической формы в изображении женского тела и агрессивной сексуальности. В «Русалке» (2012) художник, для которого взаимоотношение мужского и женского начал — одна из магистральных творческих тем, явно находится на полюсе провокативной сексуальности.
В «Русалке» Захаров мастерски наделяет композицию двумя смысловыми центрами — внешним и внутренним. Выстраивая образ цветовыми массами, художник делает внешним смысловым центром композиции изображение обнаженного бедра женщины, подчеркнутого бликами света, и ненавязчиво, но аккуратно, очень графично выделяет золотой краской наиболее значимые для понимания сути образа линии: ожерелье, край корсета на груди, изгиб талии, кружевную отделку верхней части чулка и даже тонкий двойной браслет на ноге — фривольный знак первых жриц любви и куртизанок.
Подобные образы Захаров не наделяет лицами: отворачивает их от зрителя, закрывает рукой или уводит в глубокую тень, но в этой картине он использует поразительный по силе воздействия на зрителя прием — покрывает лицо лежащей женщины явственно видной русалочьей чешуей! Жемчужно-серой переливающейся чешуей! Единственное, что могло бы хоть что-то рассказать о внутреннем мире или хотя бы об эмоциях изображенной женщины — о ее усталости или недовольстве, расслабленности, злости, огорчении, — лицо. Скрыв лицо под чешуей, художник организует внутренний центр композиции: эта чешуя рассказывает о характере женщины куда больше, чем рассказало бы открытое лицо: холодная, безжалостная, циничная профессионалка. Но такая резкая и категоричная характеристика вызывает у зрителя неожиданный отклик: ну должно же в ней быть хоть что-то человеческое! И зритель начинает искать, размышлять, придумывать историю, характер, примеряя к ней то или иное положительное качество.
В этом и проявляется талант художника. А его техническое мастерство — яркая, но при этом лаконичная цветовая гамма, неоднородная фактурная поверхность, проработанная кистью, мастихином, процарапыванием, — только подчеркивает выразительность образа.
Владимир Ковальчук. Пафос. 2012
«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.
Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.
Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.
Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.
В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.
Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).
В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.
Александр Курилов. Веток треск. 2001
В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).
Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).
Роман Рахматулин. Ночь Кутузовского проспекта. 2020
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Художник Роман Рахматулин искренне любит Москву, а его авторская манера деликатно преображает самые узнаваемые московские пейзажи: оставляя «в фокусе» единственный, самый значимый и выразительный объект, художник скрывает в потоках дождя, отсветах фонарей, наплывах тумана фрагменты городского пейзажа, легким намеком сообщая об их присутствии. Разбегающиеся в разные стороны автомобили сообщают всей композиции дополнительную естественную динамику. Дождь, свет, машины — все движется, и тем большее внимание зрителя сосредотачивается на «фокусном» объекте. Зритель любящим взглядом вглядывается в преображенный вид и знакомится с ним заново.
***
Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Александр Савко. Там, на неведомых дорожках. Из серии «Билибин. Новые технологии». 2019
…Я считаю, что самым главным оружием художника является его ирония.
Да, мне о многом хочется высказаться. Но… это должно, прежде всего, привлечь изящностью высказывания. Здесь важен не столько смысл, сколько форма подачи. Именно формой художник может привлечь к себе внимание.
Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием.
Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резинка, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.
Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил (Александр Савко, cultobzor.ru).
Автор работает с поэтикой абсурдизма, оперируя образами массовой культуры, медийного мусора, мультяшного мира, где все герои — супер.
Его работы — это своего рода визуальные оксюмороны, в которых сталкиваются несовместимые образы: Микки-Маус, Шрек, Симпсоны и другие, уже захватившие медийное пространство, вторгаются в поле традиционной культуры, внедряясь в композиции известных картин.
В своих парадоксальных и, казалось бы, комедийных работах художник выступает скорее как иронический свидетель современности: он говорит о беспрецедентной агрессии массовой культуры, нашествии «гламурятины», диагностирует запредельную эклектичность современного сознания (nanoart.fiop.site).
В серии «Билибин. Новые технологии» художник обращается к иллюстрациям великого русского сказочника не впервые. Предыдущие работы были связаны с экономическими темами и с темой современного искусства. Серия «Новые технологии» связана с наукой, которая в глазах непосвященных всегда сродни сказке. На картине Савко, как и в иллюстрации Билибина, Царь делает открытие. Художник поясняет: «Вы видите некоего господина, который в кафтане XVII века бродит по своим весям в поисках какой-то отдушины, какого-то развлечения. Потому что то, что срежиссировала ему его челядь, ему уже надоело. И вдруг он натыкается на каких-то необыкновенных существ, которые занимаются совершенно необыкновенными делами. Из-под рук, которых выходят какие-то цветные облака, и которые рисуют прямо в воздухе. Это его просто так завораживает. Он видит, что это гораздо выше всех тех развлечений, которые ему дома его домашние слуги подготовили и пытались его убаюкать. То, что он видит перед собой, конечно, он не понимает, что это наука, он воспринимает это как сказку» (Александр Савко, nanoart.fiop.site).
С одной стороны, это ирония, ею и уникален творческий язык художника. В оригинале на иллюстрации присутствует братец Иванушка в образе козленочка, который жалобно взывает к Аленушке. Именно за ним пришел Царь к берегу моря, и именно в этот момент ему открылась тайна. С другой, как говорит сам автор: «Я призываю всех как бы открыть дорогу себе в этот мир, где так много возможностей и так много неизвестного. И человек только-только, в кажущейся пресыщенности еще только-только подступает к настоящим свершениям и к настоящему рукотворному волшебству. Поэтому добро пожаловать в этот мир» (Александр Савко, nanoart.fiop.site).
Янина Ческидова. Душа поет. Из серии «Жители». 2002
В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.
С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь.
Наши животные тоже всегда в кадре.
Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное — не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).
Лилия Якупова. Три пейзажа из серии «Горизонты». 2020–2021
Я пишу масляными красками на холстах. Основной стиль, в котором я работаю, называю Абстрактный импрессионизм, если необходимо дать словесное название. Люблю цвет и фактуру краски. Все больше ухожу в сторону беспредметных форм и сложных образов, изучаю неизведанное (Лилия Якупова, lilyyakupova.tilda.ws).
Живопись Ирины Раковой
До 30 июня в галерее ARTinvestment.RU «21-й век» открыта выставка «Сага о стуле в 15 частях» Ирины Леонидовны Раковой. Мы включили в каталог аукциона 5 полотен художницы.
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com ).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова» .
Желаем удачи на 72-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210628_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210628_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
