Открыты 45-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   08 декабря 2020

Каталог составили работы Светланы Атахановой, Константина Батынкова, Василия Власова, Наталии Жерновской, Александра Захарова, Олега Кулика, Алексея Орловского, Ксении Пархоменко, Екатерины Сысоевой, Максима Татаринцева

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 359 и 45-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание аукциона: в пятницу, 11 декабря, в 12:00.

Светлана Атаханова. Намасте. 2013

Намасте!

Намасте — это приветствие в Юго-Восточной Азии, Индии, Шри-Ланке и Непале.

Когда человек произносит это приветствие, он складывает руки, соединяя ладошки на уровне сердца и горла, обращая взгляд внутрь себя и улыбаясь. Буквально это означает: «Я приветствую в тебе Бога». Это не просто приветствие, это обращение к другому человеку от Сердца к Сердцу, т. е. я кланяюсь проявлению Божественного в тебе, прославляя Всевышнего, частичкой которого являемся я и ты, как и любой другой человек. Не важно, КТО ТЫ здесь и сейчас, КАКОЙ ТЫ. В этом приветствии Высшая любовь и уважение к человеку, так как все живое, все сущее священно. Все есть Бог.

В нашем мире, мне кажется, этого не хватает. Давайте более бережно с любовью и уважением относиться ко Всем и Всему, что нас окружает, — нашим ближним и дальним, меняя прежде всего себя (Светлана Атаханова, museum.ru).

Словно руководствуясь известным высказыванием Валентина Серова, она хочет писать отрадное и находит его везде и во всем.

Планета Земля, ее горы, деревья, дома и, конечно же, люди — вот главные герои ее жизнеутверждающих произведений. Поэтому пейзаж, населенный людьми, — излюбленный жанр художницы. Мощные деревья, полные витальной силы, так или иначе присутствуют практически в каждой работе Светланы. Они будто олицетворяют собой энергию жизни. На первый взгляд кажется удивительным, что как такового Таджикистана нет в ее произведениях. Но он присутствует в контрастах цвета, в сочетаниях малиново-красного и фиолетового, сине-зеленого и охристо-желтого, напоминающих о знаменитых среднеазиатских абровых тканях (museum.ru).

Работы Светланы Атахановой монументальны, а формы — предельно обобщены и лаконичны. По словам художницы, ей «не интересно писать зеркальное отражение Природы. Достаточно зарисовки цветовых отношений, так как многие детали не важны — важна суть». Экспрессивный, насыщенный колорит полотен отражает увлечение ориентализмом, проходящее красной нитью через все творчество Светланы Атахановой. Вместе с тем этой активности и плотности художница зачастую достигает при помощи акварели, пластические возможности которой выражают ностальгию по естественной, «природной» жизни и отражают главную идею творчества мастера — идею открытого, яркого мира (Тамара Карюк).

Люблю акварель с ее прозрачностью, текучестью, возможностью импровизации. Для меня акварель — живопись, пусть на бумаге. У акварели колоссальный потенциал, который еще не раскрыт полностью, несмотря на многовековую историю.

Эта техника требует внутренней собранности, умения быстро и четко организовать отношения цветовых пятен, сохранив при этом свежесть и красоту живописи. Мне нравится allaprima, потом можно усиливать лессировками цветовые акценты, создавая пространство цвета и света, как мозаичное поле. Для того чтобы образ был более выразителен, я использую масляную пастель (Светлана Атаханова, cultobzor.ru).

Она постоянно исследует природу цвета, придавая ему большее значение, чем отражению реальности. Ее палитра включает и богатый фиолетовый спектр, от нежно-сиреневого до насыщенного пурпурного, и небесно-голубые, и нежно-бежевые оттенки.

За всем буйством красок и обжигающей красотой экзотических ландшафтов, несомненно, ощущается главный посыл автора: стремление к единению души и тела, гармонии на всех уровнях человеческого бытия, поиск всех оттенков радости, которые может даровать жизнь открытому сердцу (quartagallery.ru).

Константин Батынков. Из серии «Дорога». 2010

Сюжет, графика, цвет, манера, антураж — на первый взгляд всё узнаваемо в акриле Константина Александровича Батынкова «Из серии “Дорога”» (2010), но это не совсем так. Автор в подобных деревенских композициях нередко разделяет статичную земную и динамичную небесную части работы. Однако в этот раз движется все — земля и небо: дорога, дома, деревья вдоль деревенской улицы, люди, вертолеты в небе. Более того, все люди оторваны от земли: на велосипедах, на лошади, на столбах, даже на проводах — все в воздухе. И сама дорога, несущаяся к горизонту, встречается с небом. Исключительно динамичная вещь.

***

Фирменная монохромная палитра и излюбленная тематика — разнообразные летательные аппараты и прочие «мегаобъекты», подавляющие своей мощью муравьиного размера людишек. Работы Батынкова так же далеки от воинственности, как игра в солдатики от апологии милитаризма. Эти композиции будто пришли из сна. Своей зыбкостью, какой-то нездешностью они напоминают творения любимцев Батынкова из числа современников — Валерия Кошлякова и Питера Дойга (Peter Doig). (artinvestment.ru).

Константин Батынков — настоящий маэстро рисунка. Рисуя черным по белому, рисуя быстро, неважно чем — тушью, углем, маслом, он создает живые и законченные сюжеты. Иногда художник ухитряется сформулировать полноценный сюжет в одном предмете. Манера Батынкова всегда узнаваема, истории — всегда трогательны и парадоксальны. <…> На монохромных поверхностях он живописует некую «провинциальную» антиутопию, пасторальный мир, в котором нет места искусственному многоцветью, лакированным автомобилям и пластмассовым красавицам (kommersant.ru).

Читайте об авторе на AI: «Художник недели: Константин Батынков».

Василий Власов. Из серии «Птицы и люди». 2008

Был момент, меня пригласили поучаствовать в выставке «Письма Булгакова», но с опозданием. Через 2 дня выставка. Что я могу успеть за 2 дня?! У меня были какие-то документы, какая-то подборка. Я все это взял и на больших листах прошил. С этого момента все началось. Мне понравилось! Если клеить, все коробится, а с нитками получается все идеально ровно. И я решил, что буду создавать коллажи, сшивая их нитками.

Сам материал диктует как себя вести. Если бы я просто рисовал, это было бы одно. А когда я знаю, что будут какие вставки-акценты, и кажется, что ничего не произошло. На самом деле очень многое произошло, я пространство нарушил, и оно смотрится немножко двояко. Мне это нравится! (Василий Власов, rewizor.ru/museums-exhibitions).

Имя Василия Власова не связано ни с художественными группами, ни с определенно обозначенными концепциями. Кто-то увидит в его творчестве эстетизм или абстракционизм, интеллектуализм, декоративизм, постмодернизм, даже сюрреализм… Элементы разных «измов» словно сплавляются в некоем горниле, чтобы создать особый, глубоко оригинальный и хорошо узнаваемый власовский изобразительный язык.

Василий Власов — в первую очередь график, художник книги; своему ремеслу он учился более 15 лет — сначала в художественном училище в Алма-Ате, потом — в Московском полиграфическом институте (сначала как студент, а затем там же в должности преподавателя). Он оформил более сотни книг, многие из них были отмечены дипломами и премиями престижных профессиональных конкурсов. Однако его творческий дар оказался шире, он не вмещается в цеховые рамки: поиски адекватного изобразительного языка для выражения насущного опыта вели его к созданию собственного стиля.

Власов ищет универсальный синтез, в котором и музыкальные ритмы, и литературные аллюзии, и структуры классической поэзии, и восточная традиционная орнаменталистика обрели бы некий изобразительный, знаковый эквивалент.

В графике и живописи Власова существует особое пространство, построенное на изысканных колористических сочетаниях, в котором и происходит встреча с таинственным и подлинным. Словно Власов освобождает изображение от всего подробного, сюжетного, легко читаемого, с тем, чтобы зафиксировать некий внутренний образ, родившийся в нем от соприкосновения с темой, мелодией, мыслью… (Анна Чудецкая, ведущий научный сотрудник ГМИИ им. А.С.Пушкина).

Наталия Жерновская. Прогулки Короля Людовика XIV. 2001–2020

«Наталия Жерновская художник известный. <…> И всякий раз, как верный последователь заветов Тимура Новикова и его Новой Академии изящных искусств (была основана в 1989 году), Наташа делает нам прививку Прекрасного.

Поначалу… это прекрасное было черно-белым. Затем начал появляться цвет… а в прелестных картинках “Прогулки короля Людовика XIV”… где королем-солнцем был сам Владик Мамышев-Монро (а кто бы смог еще?), Наташин соратник по академии и преданный приятель, она окончательно пришла к своему видению этого Прекрасного. Оно стало разноцветным. И хотя Наташа по-прежнему делает фотографии своим Nikon’ом, ее все больше и больше начинает занимать возможность изменения объективной реальности, данной нам в фотографии. Для чего она печатает снимки на акварельной бумаге разного формата. Затем ретуширует и раскрашивает пастелью и акварельными карандашами. Причем делает это в много слоев, каждый из которых покрывается лаком» (Юлия Логинова, foto-video.ru).

«Говоря более точно, рисует поверх фотографии, как живописец поверх карандашной прорисовки. Наталия может изменить цвет, контуры, добавить недостающие детали или убрать лишнее.

Жерновская работает в этой технике с 2000 года. Научилась она ей у Георгия Гурьянова. Раньше ее работы всегда были монохромные, в этой серии работ Наталья впервые использует различные цвета. Важно отметить, что мотивом к созданию “Прогулок короля Людовика XIV” послужила одноименная серия живописных картин Александра Бенуа. Интерес вызывает тот факт, что Бенуа и другие художники из круга “Голубой Розы” и “Мира искусства” создавали свои произведения, заимствуя образы из классических работ. Таким образом, они приближали ушедшую эпоху. Людовик XIV жил в XVII веке. Бенуа нарисовал свою серию в начале ХХ века. И вновь, в начале XXI века, Наталья Жерновская возвращается к теме Людовика XIV.

Более того, роль короля для данной серии фотографий играет Владислав Мамышев-Монро. Бесспорно, Монро обладает уникальным талантом перевоплощения. Его умение передать эпоху и интонацию монарха придало проекту убедительность. Несмотря на многовековую историю сюжета, художнице в этой серии работ удалось воссоздать эпоху барокко» (club.foto.ru).

«Мы все, рожденные в искусстве конца восьмидесятых — начала девяностых, воспитанные возможностью доверия идеалу в Академии Тимура Новикова, влюбленные в себя, и друг в друга, и в окружающий мир, полный сокровищ искусства и духа, остались бы навсегда простыми изваяниями той уходящей постепенно эпохи, но стиль и невесомое дыхание фотографии в произведениях и проектах Наталии Жерновской сохраняют биение жизни в мраморном сердце статуи нашего эстетического представлениях о месте человека во дворце, театре и возле огромного металлического корабля. И так далее...» (Елизавета Плавинская, искусствовед).

Александр Захаров. Охота на шмеля. 2020

В живописи Александр Захаров, начинавший много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре. «У его работ есть еще одно важное свойство — “сверхплотность” поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров» (triumph.gallery).

Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).

Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде «негатива» для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький «негатив» я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая “доска”, с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю “разглядеть” пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати» (Александр Захаров, cumir.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Олег Кулик. Затмение II. Из проекта «Русское». 1999–2009

Проект «Русское» Олега Кулика — узнаваемый по характерным для его творчества сюжетам и по обилию собак (в 1990-х в России, Европе и США художник прославился перфомансами в образе «человека-собаки»). Символика русского представлена в новом проекте Кулика известным набором — Красная площадь, Мавзолей, Храм Христа Спасителя, много промозглого снежного простора. При этом очевидные штампы служат фоном для невероятных историй. Кулик венчается то ли с дамой, то ли с собачкой. Доит бульдога, размером с корову. Уворачивается от прицельного огня двух милиционеров и человека, похожего на Набокова. С красным знаменем в руках и возбужденными псами в ногах зовет к стылому горизонту. Воет на небо, затянутое американским флагом, в кругу «европейского сообщества».

При этом сквозь серую нейтральность черно-белой фотографии, призванной узаконить, документировать фантасмагорические картины вдруг проступает цвет. Вернее три цвета — красный, синий, белый. Триколор. Иногда обильная позолота. «Русское» Олега Кулика (с очередным посвящением Льву Толстому) насквозь литературно, пронизано откровенным морализаторством и черным юмором. Все это было бы смешно, когда бы не было так холодно. Неизбывный экзистенциальный российский холод — главная находка Кулика в этом проекте.

В «Русском» нет привычного для Олега Кулика накала животных страстей. Похоже, Кулику удалось по капле выдавить из себя собаку. Теперь она бегает рядом. Невооруженным глазом видно, что главный персонаж «Русского» не Олег Кулик, а его alter ego — бульдог Клэр Куильти. Резонный вопрос — с чего бы это России, вслед за Куликом, доверять свое представительство английскому бульдогу? Однако некоторые основания есть. Всему русскому — искусству, образу жизни, парламентерству и т.д. — традиционно необходим взгляд со стороны. Взгляд Другого. Как правило, это взгляд из-за границы. Взгляд из-за границы другого биологического вида кажется идеальным в системе ценностей Олега Кулика.

Генеральная линия русского изобразительного искусства XIX века (литературность) была прервана в начале XX века авангардом, который помимо страсти к формотворчеству привнес в искусство страсть к социальному ангажементу. В этом смысле в России мало таких традиционных художников, как Олег Кулик. Проект «Русское» — с его объявленной любовью к рассказыванию историй в духе позднего Льва Толстого, эстетике художников-передвижников и одновременно формальным изыскам — предлагает рассмотреть потенции обеих прерванных русских традиций, привлекая современные изобразительные возможности (Мила Бредихина, 1999, vladey.net).

Алексей Орловский. Кирова 24-102. 2001

Творческой изобретательности актуального художника Алексея Орловского нет предела. Он умудрился поработать во всех известных искусствознанию техниках (включая ксилографию, литографию и шелкографию), а также изобрести несколько новых. Творчество мастера воистину народно. В большинстве случаев в его работах фигурируют хорошо знакомые зрителю, но видоизмененные предметы и детали архитектуры.

Подчас главными героями очередного шедевра становятся выцветшие фотографии из домашнего альбома, упаковки чая и кофе, почтовые ящики, морские сигнальные флаги и даже витрины знаменитого чайного магазина на улице Кирова. Красок Орловский не жалеет, используя самые интенсивные, вызывающие и кричащие цвета. Удивительно, как при таком темпераментном исполнении изображенное художником не теряет достоверности (vashdosug.ru).

Алексей Орловский предельно реалистичен: все, что он создает в листах, является хорошо знакомым, пережитым, прочувствованным, тем, к чему его память неустанно возвращается, используя разные уровни фиксаций — от документального ряда до образно-цветового. В какофонии цвета и крупном формате работ Орловского находит свое выражение живописный темперамент художника, выражающий отношение к жизни (museum.ru).)

Работы Алексея Орловского находятся в собраниях Третьяковской Государственной галереи, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Екатеринбургской, Курганской, Тюменской государственных картинных галерей, Нижнетагильского музея изобразительных искусств, ГЦСИ Владикавказа, а также в частных собраниях. В Зверевском центре современного искусства состоялись три персональных выставки А. Орловского (2000, 2003, 2008) и две выставки совместно с Петром Перевезенцевым и Виктором Николаевым (2008, 2009) (zverevcenter.ru).

Ксения Пархоменко. Пейзаж № 1. Из серии «Тихий пейзаж». 2020

Ксения Пархоменко окончила театральное отделение МГАХУ памяти 1905 года и  ВГИК им. С. А. Герасимова (художественный факультет, мастерская художника кино и ТВ по костюму). Работает в разных сферах искусства — кино, театре, анимации, книжной иллюстрации, рекламе. Занимается живописью и графикой. Сотрудничает со студиями, занимающимися кино и анимацией, и с художественными галереями.

***

Мысль о том, что образ жизни художника, композитора или писателя в изоляции практически не отличается от обычного, звучала не раз. И я с этим абсолютно согласна. Мне было даже как-то спокойнее — ушла суета и лишняя беготня. И как-то сами собой появились эти работы, процесс создания которых был своеобразной медитацией.

Это просто воображаемые пейзажи, не отягощённые дополнительной информацией, по которым я мысленно бродила целыми днями напролёт… Я буду рада, если зритель, находясь на моей выставке <«Тихий пейзаж»>, не будет чувствовать себя обязанным искать какие-то скрытые смыслы, не будет ставить вопросы и искать ответы. А просто отдохнёт, помолчит и прогуляется вместе со мной по вымышленным ландшафтам, поймав волну тихого созерцания и умиротворения, на которой была я, когда рисовала эту серию (Ксения Пархоменко, solyanka.org).

Екатерина Сысоева. Восточная коллекция. 2020

«…Творчество для меня — это непрерывный процесс, способ общения с собой и миром!

В акварели меня привлекает всё! Лёгкость и сложность, импровизация и планирование, задумывание, придумывание и внезапные сюрпризы! (Екатерина Сысоева, openklub.ru).

Меня привлекает утончённость, хрупкость и одновременно некая изюминка в предметах, природе и человеке. Я отталкиваюсь от импульса, полученного извне, и отражаю его в «водной стихии» (акварель, тушь, чернила и т.д.).

В моей последней серии «Коллекции туфель» я воплощаю такие разные темы, как супрематизм, национальное прикладное искусство, последние тенденции фэшн-индустрии (Екатерина Сысоева).

Максим Татаринцев. Три листа из проекта «Сегодня». 2020

Максим Татаринцев — российский художник, создающий видео, инсталляции, произведения живописи и графики, а также реализующий свои проекты в формате паблик-арта. Проект «Сегодня» отчасти продолжает собой многолетний групповой социально-художественный проект «Другая атмосфера», в котором Максим Татаринцев участвовал вместе с другими художниками современного искусства. В детских больницах художники проводили своеобразную арт-терапию: помогали детям сломать стереотипы и изменить грустный больничный воздух на позитивный, с хорошим настроением, наполняя пространство больницы творчеством и включая детей в процесс создания актуального искусства, стараясь научить их делать из привычных вещей уникальные, думать и чувствовать на все 100 %, поменять атмосферу в душе (fondartproject.ru).

В проекте «Сегодня» Максим Татаринцев вновь обращается к медицине, он рассказывает о врачах 2020 года.

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!