Искусство и технологии. Хроника исторического союза
ARTinvestment.RU   04 февраля 2020

Первый материал рубрики «Искусство и технологии» дает нашему читателю историческую ретроспективу и краткую оценку сегодняшней ситуации на рынке ArtTech

История искусства неотделима от истории развития технологий. Открытия в физике и механике сперва нередко проходили адаптацию театральными подмостками — так, прежде чем начать служить обществу, винт Архимеда помог изобразить битву при Саламине в римском амфитеатре, а достижения театральной машинерии в Средневековье и сейчас составляют серьезную долю технологий в постановках бродвейских мюзиклов.

Неудивительно, что одними из главных адептов технологий в визуальном искусстве становились художники: в их природе находиться в авангарде прогресса, применяя научные достижения для лучшего донесения своих идей. Появление печатного станка дало толчок развитию гравюры — Альбрехт Дюрер, никому не доверяя и части трудоемкого процесса, лично и делал резьбу, и печатая эстампы.

По одной из версий, появление импрессионизма стало прямым следствием изобретения фотоаппарата: художники настолько испугались «конкурента», что пытались перенять даже формальные детали первых фотографий — размытый фон и нечеткие детали. Затем Моне и компания сели на паровоз — еще одно недавнее изобретение — и стали выезжать на этюды. Кстати, часто изображаемый паровоз в картинах импрессионистов — следствие признание величия и уважения прогресса: в тот период он был самым высокотехнологичным изобретением.

В 1921 году в Берлине венгерский художник Ласло Мохой-Надь представил публике «телефонные картины», в создании которых лично участия не принимал: распоряжения относительно компоновки элементов, размера и цветов Надь передавал на производство по телефону. В тех же 1920-х впервые использовал телефон для приема заказов Sotheby’s, десятилетием ранее он же адаптировал для схожих задач телеграф. Уже в 1960-х Sotheby’s, первым среди аукционных домов, проведет торги, принимая ставки по спутниковой связи в онлайн-режиме.

В тех же 1960-х в США Энди Уорхол начал экспериментировать с портативной кинокамерой, предопределив развитие сразу двух культурных феноменов — видеоарта и музыкального видео. В это же время в Берлине экспериментировал с электромагнитами и кинескопами корейский художник Нам Джун Пайк (позже основателем видеоарта назовут именно его). Косвенно работал с технологиями и Александр Колдер, доказывая созданиями своих скульптур-мобилей, что кинетическое искусство в движении остается искусством.

Появление сети Интернет и массовое использование социальных сетей сделали главными адептами технологий музеи и выставочные площадки. С конца 2000-х музейные мобильные приложения были призваны «продлить» экспозицию в карманном устройстве посетителя, покидающего музей, и передать информацию другим. Слоган «познавать — значит делиться» стал главным маркетинговым инструментом по привлечению новых посетителей в последующее десятилетие.

При этом Google Art Project, оцифровавший в 2010 году собрания 17 ведущих мировых музеев, поначалу подвергся обструкции со стороны официального музейного сообщества: музеям казалось, что доступность собраний приведет к падению посещаемости. Однако уже в 2011 году статистика посещений показала: музеи из «пробного пула» Google в среднем увеличили приток посетителей на 8 %! Более подробные исследования выявили прямую связь между просмотром коллекций в Интернете и желанием увидеть их воочию. Спустя год в очередь к Google Art Project записались уже более тысячи международных музеев.

Музейные маркетологи ускорили внедрение и двух других технологий, поначалу создаваемых для игровой индустрии: AR (augmented reality, дополненная реальность) и VR (virtual reality, виртуальная реальность). С помощью AR, в частности, была создана уникальная экспозиция Museum of London, совмещающая исторические фотографии Лондона с сегодняшним городским пейзажем, а также показаны украденные картины из собрания Бостонского художественного музея: мобильное приложение «вернуло» работы на стены музея.

VR же приобрела популярность среди частных коллекционеров, давая возможность устраивать выставки и презентации собрания без перемещения самих предметов: виртуальные копии коллекций, в комплекте со шлемами для просмотра, стали частными гостями на международных ярмарках (например, собрание китайского современного искусства французского коллекционера Сильвена Леви, показанное в Сеуле в 2017 году). Точно так же технология VR способна выгодно представить предметы искусства, полноценное создание которых влечет за собой существенные затраты: в 2018 году на ярмарке Kyiv Art Fair группа украинских скульпторов презентовала виртуальную галерею работ в 3D. Позже, когда коллекционеры сделали заказы и оплатили их, часть работ была воплощена в материале.

С конца 2000-х началась экспансия на рынок искусства цифровых галерей. Первой платформой, прошедшей путь от идеи до регулярных покупателей, стала Saatchi Online (2009, позднее переименована в Saatchi Art). Платформа предоставляла возможность художникам открыть личный кабинет и надеяться на чудо в лице коллекционера, случайно выбравшего его страницу среди тысяч других. Следует признать, чудеса стали случаться, и довольно часто — это повлекло стремительный рост числа подобных проектов. Платформа Artsy (2010, полноценный запуск в 2012) решила играть уже не с художниками, а с галереями, получившими в режиме подписки свое онлайн-представительство.

Появились и специализированные аукционные дома, работающие исключительно в онлайн-режиме, — Paddle8 (2011) и Auctionata (2012). Свой электронный аукцион открыла и старейшая из аналитических компаний на рынке искусства Artnet (2013). Наконец, к целесообразности введения отдельных онлайн-торгов пришли Sotheby’s и Christie’s (2014). К тому моменту рынок стал стремительно меняться: постепенно уходило старое поколение коллекционеров, поколение «миллениалов» с деньгами и гаджетами проявляло осторожность. Технологии стали связующим звеном, призванным открыть рынок искусства человеку, привыкшему делать покупки с планшета. Согласно Art Basel and UBS Report 2019, с 2013 по 2018 год объем онлайн-продаж предметов искусства вырос с $3,1 млн до $6 млн и составил в 2018 году 9 % оборота мировых продаж (прирост +11 % в год).

Большинство читателей ждет, когда же в тексте появится блокчейн. Появится он именно сейчас, однако хронологически он был создан еще в 2008 году, в качестве системы записи для регистрации криптовалютных платежей. И первыми его разглядели и взяли на вооружение именно художники! В 2016 году, еще до повсеместного бума, связанного с токенизацией и ICO, в США свет увидела книжка «Художники переосмысливают блокчейн». В ней, языком на стыке академического искусствоведения и технологического анализа, были поданы наглядные примеры адаптации художниками в своем творчестве идей блокчейна о децентрализации и трансграничности информации.

В 2017 году произошло разделение сторонников блокчейна в искусстве на «социалистов» (в первую очередь для фиксации цепочек транзакций и провенанса) и «капиталистов» (сторонников долевого владения предметами искусства, эмитированного в виде токенов — цифровых аналогов акций). Первые — такие, как Artory и Codex, — сегодня убеждают коллекционеров в важности хранения, исследования и пополнения провенанса, вторые — в их числе Maecenas и Look Lateral — преодолевают законодательные преграды, не особо желающие впускать цифровые активы в набор привычных финансовых инструментов. О собственном блокчейн-проекте, находящемся в разработке, в октябре 2019 года объявила и Инна Баженова, издатель The Art Newspaper.

Влияние цифровых технологий на рынок искусства было признано на самом высоком уровне: последние отчеты Deloitte Art & Finance посвятили им целые разделы, а в 2019 году Deloitte включил целое исследование рынка стартапов в области ArtTech (искусства и технологий), созданное совместно с Fuelarts. Из отчета следует, что в последние 10 лет молодые компании, работающие на стыке искусства и технологий, получили суммарные инвестиции на сумму $680 млн и имеют показатели выживаемости в 4 раза выше, чем у стартапов в других сферах.

Мы начали сегодняшний рассказ с художников — ими и завершим. Сегодня количество творческих единиц, исследующих цифровое искусство, исчисляется десятками тысяч. Это художники, создающие работы на планшетах, в VR-шлемах, включающие в изобразительный язык кодировку блокчейн, заставляющие рисовать цифровые сигналы, магнитные излучения и радиоволны. Словом, пропускающие свой голос и мысли через телефонную связь (технологии), как это делал Мохой-Надь в далеком 1922 году. Только связь эта стала современнее и разнообразнее и дает обширную палитру для арт-технологической деятельности.

Естественно, что на следующем этапе развития технологий встанет вопрос об академическом признании цифрового искусства для включения его в культурный контекст (не говоря уже о приобретениях работ музеями, для которых важно признание со стороны официального искусствоведения). И такая работа уже ведется: галерея Kate Vass в Цюрихе, работающая с цифровым искусством, регулярно выпускает сборники статей, соединяя технологии и академическую критику.

В следующих материалах рубрики «Искусство и технологии» мы подробно остановимся на каждом направлении ArtTech.

Денис Белькевич, AI