Открыт 147-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Семёна Агроскина, Леонида Варушкина, Дмитрия Воронина, Михаила Ермолова, Марины Колдобской, Андрея Марца, Жоана Миро, Шамиля Надрова, Леонида Ракова, Рустама Рахматулина, Екатерины Сысоевой, Ольги Фадейкиной, Марка Шагала
Каталог AI Аукциона № 461 и 147-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 23 декабря, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 6 живописных произведений, 3 работы в смешанной технике, 2 скульптуры и два листа печатной графики.
Семён Агроскин. Документы 1. Из серии «Архив». 2020
Семён Агроскин занимает какое-то совсем особое место в современном художественном процессе. Он парадоксален, и это отличает его и от «левых» и от «правых», от авангардистов и традиционалистов. Стремление к предметной изобразительности, возрождение «старых» жанров, таких как натюрморт, портрет, автопортрет, пейзаж, интерьер, глубина и серьезность самой позиции художника по отношению к миру, — что это, как не безнадежная в глазах многих архаика? Но при этом живопись Агроскина производит впечатление очень современной: в ней схвачен живой повседневный нерв, ритм, пульсация города и человека, порой возникает неожиданный угол зрения на предметы, лица, жесты и движения.
Работы Семёна Агроскина наполнены тишиной, молчанием, одиночеством. Это ощущение достигается точным выбором сюжета, композиционным решением: окно, за которым просто темнота или неуютное отчужденное пространство, либо предмет интерьера, выступающий из пустоты (Вера Чайковская).
В работах Агроскина ничего не происходит, нет никакой развернутой фабулы, все находится в состоянии статики, но они притягивают внимание зрителей своей неоднозначностью и глубинным подтекстом, скрывающимся за кажущейся простотой. Многозначительность молчания заставляет задуматься о серьезном, почувствовать себя вовлеченным в образный ряд автора.
Прямой взгляд на явление — из окна ли, из внутреннего ли пространства личности, которое тоже есть «окно», какая-то рамка, мировоззренческая или физическая, — исключает, казалось бы, разомкнутость и многосмысленность самого явления (так бывало в работах Михаила Рогинского).
Всё превращается, скорее, в некоторые внутренние формулы постижения внешнего мира, это столь же явления, сколь и мысли о явлениях (Вера Калмыкова, cultobzor.ru).
«Мы знаем, какие радости и страдания заключены в арке ворот, в каком-нибудь уголке улицы, между стен комнаты или в пространстве ящика», — писал де Кирико.
Это «пространство ящика», его содержимое, вещи, снятые с антресоли или вынутые из старых чемоданов... Коробки ждут переезда или смены содержимого или окажутся на помойке в ближайшее время.
Лишенные реального цвета предметы, вынутые автором из воображаемых коробок и чемоданов, «разговаривают» друг с другом. Автор предоставляет зрителям возможность вспомнить свои «кладовки и антресоли».
Ассоциативный ряд появляется у каждого свой, в чем-то биографический. Некоторые предметы не вполне понятного или забытого назначения соседствуют с обычными предметами обихода и отдыха. Оболочка предметов отсылает к событиям жизни, дачного детства, походам и увлечениям юности зрителя. Вещи в роли свидетелей сами рассказывают о нас (Семён Агроскин, cultobzor.ru)
Холст «Документы 1» из серии «Архив» (2020) хронологически и по смыслу продолжает собой серию «Распаковка», о которой рассказывает художник. В папках и ящиках лежат старые бумаги и документы — дипломы, справки, свидетельства об окончании разных курсов, членские книжки всяких почивших организаций. В отличие от старых вещей, которых в один прекрасный день мы все-таки заставляем покинуть «налёженные» места, разобрать архивы и выбросить ненужные документы всякий раз рука не поднимается. Лежат, бесполезные, ждут, когда мы решимся навести порядок в корочках и книжечках, задокументировавших наше прошлое.
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Леонид Варушкин. Разрушение. 2020
Автор холста «Разрушение» (2020) Леонид Варушкин родился в 1995 в Ульяновске. Окончил Челябинское художественное училище (ныне ЮУрГИИ им. П. И. Чайковского, 2015). Учится (2017) в Академии художеств имени Ильи Репина на живописном отделении (мастерская станковой живописи под руководством заслуженного художника РФ Х. В. Савкуева).
«Разрушение» (2020) выполнено в той же стилистике, что и работа «Мост», после которой «в серии своих картин я начал работать с пространством, цветом и формой, — говорит художник. — Сюжет в этих произведениях как таковой отсутствует, главенствующей темой является состояние или ощущение в работах. На них показаны отрывки, вырванные из чьей-то жизни; отрывки, которые несут в себе ощущение от состояния изображённого момента» (rakovbaget.ru).
Художник выбирает преимущественно крупноформатные холсты (не составляет исключения и наша сегодняшняя полутораметровая работа): «Формат — это часть произведения, которая помогает раскрыться работе и показать себя в нужном ключе. Смотрю свои работы на выставках и прихожу к выводу, что в больших пространствах они для меня размера “самое то”» (rakovbaget.ru).
«Стиль мой ещё формируется, — рассказывает художник. — <…> Стиль, если и изменится, будет зависеть от новых поставленных задач. Он сформируется и устаканится, если делать работы, главное — найти то, что хочется художественно выразить» (rakovbaget.ru).
Дмитрий Воронин. Кролик. 2022
В преддверии наступающего года Кролика по восточному календарю мы пригласили в наш каталог этого забавного ушастого гостя, созданного замечательным скульптором-анималистом Дмитрием Борисовичем Ворониным.
Дмитрий Воронин работает в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства. Умело сочетая материалы, различающиеся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре, Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерные размеры, его скульптурные композиции характеризуются тенденцией к монументальности (Мария Беликова).
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Михаил Ермолов. На катке. 2022
Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха». Автор воспроизводит на своих листах и полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие холсты, созданные в середине прошлого века.
«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).
«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).
Катки — любимое место зимнего отдыха москвичей всех возрастов — во времена детства художника открывались, как и сейчас, незадолго до Нового Года. На катке сияли разноцветные лампочки, играла музыка, вокруг были веселые люди, конечно, стояла наряженная новогодняя елка.
Картины Михаила Ермолова нередко посвящены единственному образу, очень точному в деталях и не обремененному антуражем, — именно так художнику удается передать не только внешний облик, но и внутреннее состояние героя. В холсте «На катке» (2022) ключевой образ, от которого разворачивается весь сюжет, — коньки. Новенькие, первые в жизни, такие белые и красивые! Короткие штанишки ребенка — очевидный художественный вымысел: под длинными штанами, в которые родители одевали своих детей, сохраняя их от мороза и падений, коньки не так хорошо были бы видны. Ребенок нетвердо стоит на коньках, у него испуганный взгляд, широко и довольно неуклюже расставлены руки, он просто не замечает окружающих, стараясь удержаться на ногах. Он еще только хочет сделать первый шаг, еще будут синяки на коленках, и слезы будут, но они скоро забудутся, у малыша все обязательно получится, он научится кататься на коньках, любоваться разноцветными фонариками и слышать музыку.
«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой.
Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня, кого не научили удивляться и радоваться тому, что происходит рядом с ними? Время покажет, но пусть в этих воспоминаниях будет хоть немного настоящего — искреннего чувства, простых, чистых детских радостей, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова.
Марина Колдобская. Birthday rose (Роза на день рождения). Из серии «Розы для меня» проекта «По дороге в Рай». 2017
Писать цветы современному художнику неприлично. Писать их — значит, взять на себя риск быть обвиненным в буржуазности, сентиментальности и легкомыслии. В стремлении к бездумной декоративности и легкому коммерческому успеху. Писать цветы сегодня — значит, идти против течения, нарушать профессиональную конвенцию и рисковать репутацией серьезного автора.
Марина Колдобская принимает риск — она пишет цветы сериями, десятками, покрывая пачки бумаги и рулоны холстов букетами, клумбами и целыми полями. Выставленные вместе, эти работы превращают мастерскую художника или зал галереи в подобие райского сада, тропических зарослей, плантаций дурмана.
Цветочная серия — еще один шаг художницы на пути к истокам, утраченному раю, простоте, чистоте, самозабвенному наслаждению творческим актом. К тому, что отвергнуто, утрачено и почти забыто современным искусством.
Цветы Колдобской написаны просто — кажется, проще некуда. Несколько энергичных линий, несколько ярких пятен, решенный несколькими широкими мазками фон. Несколько плакатных цветов.
Черный-белый-красный, синий-золотой — геральдическая лаконичность палитры.
Один цветок, три цветка, много цветов — архаическая элементарность счисления.
Прямоугольник, треугольник, круг, овал – математическая ясность композиции.
Назвать картины Колдобской примитивистскими невозможно — в этой выверенной простоте внимательный зритель просматривает жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессию тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов (marinakoldobskaya.net).
Марина Колдобская (1961) — санкт-петербургская художница, дизайнер, арт-критик и куратор выставочных проектов. На полотнах Колдобской запечатлены, как правило, простые и понятные каждому зрителю образы, в трактовке которых обнаруживается влияние стилистики неоэкспрессионизма, примитивизма, а также детского рисунка. Палитра полотен художницы состоит из нескольких насыщенных локальных цветов, контраст которых формирует эстетическую привлекательность ее произведений.
Колдобская намеренно прибегает к упрощению форм, работает локальными цветами, оставляет следы потеков — создается впечатление, что перед нами переведенный в монументальный формат детский рисунок. В авторской интерпретации изображение цветка совершенно не воспринимается как натюрморт, а уподобляется скорее некоему символу (Мария Беликова).
Андрей Марц. Марабу стоящий. 1980-е
В своей работе я исхожу не из психологии животного, не из его зоологического строения или особенностей поведения и характера, как это часто бывает в анималистической скульптуре. То, что меня интересует, это «пластический мотив» или «формовый смысл», что ли, который раскрывает характер животного в той или иной пластической форме.
Отточить образ до символа, найти для каждого зверя его пластическую формулу можно лишь при хорошем знании натуры. Художник-анималист должен попытаться понять сущность животного, не очеловечивая его. Мне дорого само животное, характерность того или иного вида. Когда мне удается это передать — создаваемый мною образ становится, как мне кажется, более убедительным и органичным (Андрей Марц, oms.ru, marz12.narod.ru).
Андрей Марц обладал редким даром воплощать в изображениях животных, зачастую камерных, масштаб огромного культурного пространства. Его острое, цепкое видение, подпитанное раскованным воображением и тонким чувствованием возможностей скульптурного материала, соединяло непосредственные реальные впечатления с глубокими познаниями истории мировой анималистики — от первобытных памятников и искусства кельтов до образов, знаков и символов, созданных изобразительной традицией народов Ближнего и Дальнего Востока, Китая, Индии и Северной Африки.
Так возникала новая скульптурная «живность», очень выразительная по формотворческим решениям, сочная по лепке характеров, живущая по каким-то своим особым законам, созданным для нее одним из тишайших созерцателей природы, скульптором Андреем Марцем. Жирафы, похожие на ажурные затейливые башенные конструкции, антилопы, чьи полетные грации изящно подчеркнуты остроумным кроем объема из единого медного листа, носороги с монументальными панцирными телами, уподобленными доспехам средневековых рыцарей, рыбы, словно вылепленные по неведомым древним магическим рецептам, разнообразнейшие птицы, то танцующие, то хлопочущие по своим «житейским» надобностям, то трагически надломленные, в литьевой лепке которых угадываются следы экологических катастроф...
… Образы животных — лиричные и трагикомичные, монументальные и игровые, архетипные и конструктивно-декоративные — все они были отмечены печатью таланта их создателя и неповторимой марцевской любовью к жизни (Л. Ю. Исаева, artmuseumtomsk.ru).
Творчество Андрея Марца, по общему признанию, совершенно особое, уникальное явление в современном анималистическом искусстве. Его работы, острые и точные по образному решению, поражают неожиданностью и декоративностью, остроумными находками в использовании свойств материала, современностью пластического мышления. А между тем Марц — убежденный наследник классической школы отечественной пластики, считающий ее основой, опорой для искусства современного с его подчеркнутым вниманием к форме.
Что касается скульптурного материала, то Марц сделал свой выбор в самом начале творческого пути, раз навсегда определив для себя металл как наиболее подходящий для реализации его пластических замыслов. Металл — подлинная стихия Марца. Не знающий аналогов оригинальный метод мастера, изобретенный им способ металлического отлива с введением проволоки, сочетание плотных масс и сквозных ажурных конструкций, контраст объемов и пустот позволили Марцу создать свой собственный, ставший уже классическим канон, безукоризненно работающий через раскрытие свойств материала на образ, характер изображаемого животного (Марина Юргенс, ГТГ, marz12.narod.ru).
Андрей Марц принадлежит к числу выдающихся скульпторов-анималистов. В его творчестве счастливо соединились качества скульптора, мыслящего пластическими формами, органично чувствующего выразительность и физические возможности материала, обладающего остроумной изобретательностью в решении задач, и человека, очарованного бесконечным многообразием живого мира, не устающим удивляться перед гением Творца…. (gallerynazarov.ru).
Жоан Миро. Hommage à Georges Braque (Посвящение Жоржу Браку). Лист из журнала Derrière le miroir. № 144–146. 1964
Литографии каталонского живописца Жоана Миро, много работавшего в жанре livre d'artiste, украсили ряд книжных изданий. С художником сотрудничали ведущие послевоенные европейские издатели — Э. Териад, Э. Маэг, Л. Бродер, Ж. Крамер, И. Зданевич. Миро оформил более двадцати книг, большая часть которых была издана в 1940–70-е годы. Среди изданий, над которыми работал художник, особенно выделяются поэтические сборники: Тристан Тцара «Дерево путешественников» (1930), «Говорить одному» (1948–1949); Ж. Превер «Адонис» (1975–1978); П. Элюар «Испытание выдержав» (1958); М. Лейрис «Багатели» (1956), «Трещины» (1972), Р. Кревель «Кольцо Авроры» (1957), И. Боннефой «Анти-Платон» (1962), А. Бретон «Созвездия» (1959), П. Неруда «Оставшийся в живых посещает птиц» (1972) и др. Миро также проиллюстрировал собственную поэму «Ящерица с золотыми перьями» (1971).
Художник, старавшийся избегать всяческой прямолинейности и любивший оперировать иносказаниями, ассоциациями и символами, создавал работы, которые рассчитаны в большей степени на интуитивное, нежели на логично-рассудочное понимание. Полуфигуративные образы Миро, вдохновленные детским творчеством и отдаленно напоминающие объекты реального мира, апеллируют в первую очередь к подсознанию зрителя, способствуя рождению у него собственных ассоциаций (Мария Беликова).
Derrière le Miroir — знаменитое художественное издание, выпускавшееся во Франции в период с 1946-го по 1982-й годы Эме Маэгом, основателем, редактором и издателем журнала. Журнал был создан в октябре 1946 года (№ 1) и выходил без перерыва вплоть до 1982 года (№ 253). Издание включало много великолепных текстов и превосходных иллюстраций (в основном это были цветные литографии художников, работы которых выставлялись в галерее Маэга. Среди них: Анри-Жорж Адам, Пьер Алешинский, Жан Базен, Жорж Брак, Поль Бери, Александр Колдер, Марк Шагал, Альберто Джакометти, Василий Кандинский, Эллсуорт Келли, Фернан Леже, Анри Матисс, Жоан Миро, Жак Монори и другие). Авторы, печатавшие свои тексты в Derrière le Miroir, — виднейшие поэты и литераторы своего времени: Гийом Аполлинер, Марсель Арлан, Андре Бретон и многие другие.
Творчеству Миро издатели журнала Derrière le miroir посвятили сразу несколько номеров — например, № 14–15 (1948), № 29–30 (1950), № 57–59 (1953) и другие, на его страницах напечатано множество оригинальных литографий мастера.
Шамиль Надров. Встреча. Идол. 2022
В своем творчестве я пытаюсь изобразить мир, который похож или отражает «действительность». И все же это другой мир. В нем присутствуют все реалии действительности, существующие во все времена, кипят те же страсти, волнения, желания, мечты. Театр, в котором участвуют маски, персонажи с определенными характерами. Театр, где постановщик играет с куклами, пытаясь в игре найти ответ на волнующие многих проблемы (Шамиль Надров).
Шамиль Надров создает удивительный мир, полный тайн и секретов, и так неожиданно похожий на наш. Этот мир — заповедная область жизни маленьких странных человечков-кукол или новых подвигов уже утвержденных в искусстве изображений. Художник легко и свободно строит композицию сюжетов, захватывая нас оригинальной трактовкой персонажей: ироничных и простоватых. Именно в композиции закладывается интрига, по драматургии аналогичная театральной. Нельзя не отметить само письмо Шамиля Надрова, разнообразие цветовых и пластических форм. Кисть то строго движется по плоскости холста, упруго вдавливая мазок в поверхность, то определяет заметно строгий ряд ритмических акцентов, то беспорядочно замешивает мазки в общем пятне, одинаково существующем с другими, подобными ему. Это придает картинам одно явно выраженное качество театральности происходящего, ощущаемого через показ эффектов иллюзии и фейерверка. Отсюда можно сделать вполне традиционный вывод о параллельности миров яви и вымысла, мира театральных действ и нашего действительного абсурдного существования... (И. Ермолаев, persona.rin.ru).
Леонид Раков. Граммофон. 2018
Творчество Леонида Ракова — яркий пример обостренно эмоционального визуального повторения реальности. Его работы — прекрасны! Их беспредметность дает возможность окунуться в чувственные глубины собственного «Я».
Яркие, позитивные, гармонично и сложно сбалансированные по цвету абстракции Леонида Ракова радуют глаз, успокаивают нервы, будоражат воображение. В этом суть и творческая задача художника (cultobzor.ru).
Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и «измов», он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).
В живописных работах, составляющих заметную часть творческого наследия Леонида Ракова, видны отсылки к кубизму, конструктивизму, ар-деко, геометрической абстракции. Вместе с Алексеем Сперанским и Глебом Скубачевским Раков организовал арт-группу «Треугольник» — «уникальный феномен, собравший абстракционистов разных поколений, родившихся в 30-е, 60-е, 90-е годы, между которыми выстроилась связь учитель — ученик» (news.rambler.ru).
Холст «Граммофон» (2018) написан в последний творческий период мастера. Работа балансирует на грани фигуративного и абстрактного искусства. Беря за основу изобразительный мотив граммофона, художник, подобно кубистам, «деконструирует» его на составные части, уподобляя каждую из них геометрическому элементу. Однако в отличие от кубистов Раков не прибегает к приему дробления форм на мелкие грани, создающие эффект калейдоскопического изображения. Радикально абстрагируясь от натурного видения, автор создает знаковый образ, в котором зритель лишь отдаленно узнает граммофон. Композиция характеризуется плоскостностью, и создается впечатление, что работа написана не маслом, а выполнена в технике аппликации или коллажа. Автор средствами живописи имитирует наложение на живописную поверхность ярких геометрических фигур. Спиралевидная воронка в центре работы, отсылающая к вращающейся пластинке, задает композиции динамичное движение. Насыщенная палитра полотна опирается на разработанную Раковым теорию «свечения цвета» (Мария Беликова).
Роман Рахматулин. Ночная Нева. 2016
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
***
Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).
Художник Роман Рахматулин обладает умением деликатно преображать самые узнаваемые городские пейзажи, и в этом преображении свет и вода играют ключевую роль. Свет ночных фонарей или утреннего солнца, свет автомобильных фар или городской иллюминации создает образ города. А вода — поверхность реки, дождевые потоки, лужи на мокром асфальте, морось, туман — рассеивает лучи света, отражает его, разбивает на тысячи новых разноцветных источников и придает ореол волшебства и тайны даже самым знакомым местам.
Ленинградец по рождению, Рахматулин видит родной город особым взглядом. Его необычные питерские пейзажи отличаются от столь же необычных московских — не архитектурой, это было бы слишком просто, а эмоциональной насыщенностью, настроением и еще чем-то, что каждый зритель определяет для себя сам.
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Екатерина Сысоева. Закон сохранения энергии. Из серии «Авиация превращений». 2022
Работа над серией «Авиация превращений» стала для меня ответом на неопределённость реальности. Перевёрнутые смыслы и понятия подтолкнули меня к разговору на языке абсурда. Ещё будучи подростком, я прочитала сборник Даниила Хармса «Авиация превращений», многое в буквальном смысле не было мне понятно, но именно эта непонятность была мне очень созвучна. Поэтому серию работ назвала по одноименному стихотворению Хармса. Именно его «бессмыслица» наиболее точно для меня описывает окружающее. Ритм и звучание его стихов, «случаев», поэм и рассказов помогают мне сформулировать свои собственные графические рифмы.
Своё высказывание я разворачиваю на стыке сознательного и бессознательного, выстраиваю нарративы в эстетике близкой к сюрреализму. Одним из самых важных для меня является Рене Магритт, впечатление от его мира помогает мне сориентироваться в «мире» моём.
В ситуации, когда многие человеческие законы перестали работать, законы науки становятся для меня самыми верными. Порой мантра Е= МС2 удерживает меня от полного отчаянья.
Я выстраиваю новые истории, приглашаю зрителя в свои собственные визуальные миры, где возможен синтез чуда человеческих возможностей и чудес науки. Часто я чувствую себя в роли «лазутчика», собирая информацию на границе двух областей знания и обнаруживая новые взаимоотношения искусства и науки. Ведомая любопытством, я часто погружаюсь в неизведанные области, толком не зная, как именно это произошло.
Одним из путей развития серии «Авиация превращений» стали несколько работ об утешении («Закон сохранения энергии» и «Поступательное движение»).
В широком смысле слова первая из наук, приходящих на помощь человеку в трудных ситуациях, это психология. В работах я использую фрагменты из справочника практического психолога.
Самое важное сейчас, на мой взгляд, не споры и обвинения, а сочувствие понимание и утешение.
Об этом мои работы (Екатерина Сысоева).
Ольга Фадейкина. Розовая дама. Из серии «Дамы». 2021
Вся серия картин «Дамы», состоящая на данный момент из 5 картин, начиналась с «Дамы в золотом», именно после написания этой картины, появилась идея создать серию работ.
На всех холстах этой серии — изображение женских образов. «ДАМЫ», какие они? Загадочные, яркие, задумчивые, неземные, динамичные, вдохновляющие. Я старалась показать внутренний мир женщины и конечно ее внешнюю красоту, пластику и грацию.
Всю серию объединяет единый графический прием конструктивно-аналитического рисунка, яркие цветовые и тоновые контрасты помогают добавить динамики всему изображению на холсте и конечно выразить характер каждой из «Дам». Мне очень нравится анализировать форму, дробить ее, объединять или подчеркивать, думать цветом. Создавать смелые образы, цветовые сочетания, контрасты.
Композиционные решения каждого холста тоже выбрано не случайно. В каждой своей работе, я с большим пристрастием выбираю композицию на холсте и совершенно сознательно «режу» фигуру, выбирая интересные ракурсы и пластику.
Мне нравится экспериментировать, нравиться быть смелой! В серии «Дамы» я объединила, мою любовь к аналитическому рисунку и декоративной живописи (Ольга Фадейкина).
Художник работает в стиле и традициях художников-конструктивистов, таких как Сафронова, Степанова, Удальцова. Изучая «предмет», автор раскладывает его на плоскости, выстраивает формы, оперируя объемами и пространствами, линией и цветом. Обнаженная модель — как матрица времени и действия, в коей время и эпоха всегда современны и актуальны (Галина Быстрицкая, художник).
Ольга Фадейкина родилась 24 сентября 1982 года в Краснодаре. Окончила отделение театрально-декорационной живописи Краснодарского художественного училища, СПБГХА им. А. Л. Штиглица, факультет монументального искусства, кафедру художественного текстиля (2008).
Марк Шагал. Арлекин и дама в красном. Лист из журнала Derrière le miroir : Chagall. № 147. 1964
Когда я брал литографский камень или медную доску, мне чудилось, что у меня в руках талисман. Мне казалось, что я смогу поместить на них все мои печали и радости... Все, что наполняло мою жизнь: рождения, смерти, свадьбы, цветы, животных, птиц, бедных рабочих, родителей, влюбленных в ночи, библейских пророков на улице, в храме и на небе. И с возрастом — трагедию жизни в нас и вокруг нас (Марк Шагал, m-chagall.ru).
Печатная графика составляет существенную часть творческого наследия Марка Шагала. Как художник-колорист, он высоко ценил литографию за достоверное воспроизведение цветовых отношений его красочных работ, где цвет играет ключевую роль в восприятии художественных образов.
Шагал создавал оригинальные литографии в том числе и для тиражных изданий, среди которых особенную значимость представляет журнал «Derriere le Miroir» («За зеркалом»). Литография «Арлекин и дама в красном» была опубликована в 1964 году в 147-м номере издания, полностью посвященном творчеству Шагала.
Образ клоуна, или арлекина, встречается во многих живописных и графических произведениях художника. Шагал воспринимал его, как правило, в качестве собственного альтер-эго, придавал ему автопортретные черты. Влюбленный арлекин, ожидающий у двери свою даму сердца, представлен фрагментарно в правом краю листа. В трактовке тела героини в красном платье, готовящейся, по всей видимости, в комнате к свиданию, подчеркнута женственность и акцентированы ее округлые чувственные формы. Еще один персонаж рисунка — женщина, выглядывающая из окна, — возможно, мать Дамы в красном. Композиция произведения окаймлена в декоративную черную рамку, ритмизированную орнаментом. Работу отличает свободная и динамичная манера рисунка, отсылающая к наивному искусству и детскому творчеству. Повышенная эмоциональность образов достигается за счет локального использования насыщенного красного, желтого, голубого и зеленого цвета. При этом Шагал намеренно оставляет отдельные участки композиции незакрашенными, играя на черно-белых и цветных контрастах в колористическом строе произведения. Таким образом, литография содержит ключевые характеристики шагаловского стиля, и в ней реализован типичный для творчества автора мотив влюбленных (Мария Беликова).
Желаем удачи на 147-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20221219_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20221219_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
