Открыт 133-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   12 сентября 2022

В каталоге — произведения Сергея Базилева, Дмитрия Воронина, Елены Гориной, Дениса Егельского, Николая Жатова, Наталии Жерновской, Отари Кандаурова, Сергея Кривцова, Александра Курилова, Pata (Пааты Мерабишвили), Вячеслава Михайлова, Валерия Мишина, Андрея Молчановского

Каталог AI Аукциона № 447 и 133-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 16 сентября, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — 9 живописных произведений, три скульптуры и один лист оригинальной графики

Сергей Базилев. Алупка. 2020

Сергей Николаевич Базилев — один из основоположников гиперреализма в СССР, организатор и участник первых выставок художников-гиперреалистов, отталкивавшихся в своем творчестве от фотографического видения.

В настоящее время художник много работает с эстетикой смартфонных фотографий, мгновенно создающихся путем одного прикосновения к экрану телефона, а затем заполоняющих соцсети. Так, Базилев обращается в том числе и к феномену массового сознания, которое ярко проявляется в типичных фото, сделанных, например, туристами во время отпусков. Художник выстраивает сложную многоуровневую живописную игру: использует в качестве отправной точки подобный фотографический снимок и обыгрывает его в полистилистике постмодернизма.

Алупка — курортный городок в Крыму, который за последние два пандемийных года переполнен отечественными туристами. На полотне легко узнается небольшой искусственный прудик в Воронцовском дворцово-парковом комплексе, который очень любят фотографировать туристы. Базилев изображает небольшой кусочек этого пруда с кувшинками и красными рыбками, в нем отражается часть каменной постройки с решетчатыми окнами и зубцами, венчающими стену здания.

«В картинах Базилева фотография парадоксальным образом умирает в ритме живописных мазков, и её смерть в первую очередь связана с потерей документальной основы», — отмечает К. Светляков (sergeybazilev.ru).

Образ на холсте также удаляется от фотоснимка: резкость и четкие контуры, свойственные оригиналу, размываются за счет внедрения эффектов импрессионизма и имитации пленэрной живописи, очертания объектов становятся более плавными.

Таким образом, фотографический снимок, пропущенный через мнимое натурное видение, обретает живописные качества и превращается в полноценную станковую картину, бросающую вызов первоисточнику — фотографии. Базилев, как всегда, ведет здесь очень тонкую игру, философски осмысляя новые медиа и их неизбежное влияние на традиционную живопись. Что не менее важно, своим полотном он демонстрирует, как сама живопись адаптируется к современным реалиям, в которых цифровая визуальная составляющая определяет в значительной степени мышление художника (Мария Беликова).

Дмитрий Воронин. Тетрадон. 2019

Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.

Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.

Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин создает яркие, острохарактерные образы животных, в которых узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).


Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com

«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.

С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.

По мастерству обращения с материалом ему нет равных…

К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.

В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.

Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.

Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).

Род тетродонов получил свое название от двух греческих слов tetra — четыре и odous — зуб и указывает на уникальный признак представителей рода: наличие на челюстях костных пластин, похожих на 4 зуба. В спокойном состоянии это забавная на вид рыбка длиной в зависимости от вида от 3 до 67 см: яйцеобразное тело с непропорциональной головой и крупными глазами, отсутствие брюшных плавников, зачастую пятнистая окраска и постоянно «улыбающийся» рот. Дмитрий Воронин изображает тетрадона в момент опасности — тетрадон раздувается в шар, его размеры резко увеличиваются, и в естественной среде хищники, как правило, считают за лучшее с ним не связываться. И правильно делают: тетрадон — типичный хищник (один из дайверов образно окрестил его «злобной подводной мясорубкой»), в аквариуме от него нет покоя никому. Мало того, тетрадон — родственник ядовитой рыбы-фугу, некоторые его виды ядовиты. У некоторых видов на концах чешуек имеются мелкие колючки, также защищающие рыб от поедания (blog.tetra.net). Вот такую симпатичную рыбку избрал в качестве модели Дмитрий Воронин и сделал великолепную скульптуру в своей авторской технике — очень сложной, очень трудоемкой, потому и получилась такая эмоциональная и выразительная работа.

Елена Горина. Белые тюльпаны. 2018

«Белые тюльпаны» (2018) Елены Ивановны Гориной — одна из самых светоносных работ каталога. Нашим участникам давно полюбились чистые, наполненные воздухом и всегда немного таинственные работы художника.

***

Свет и Тьма для меня — состояния мира, человека. Внутри нас и вокруг нас. Они материальны вполне.

Тьма — это не ночь, это отсутствие… во тьме всё пропадает. Есть свет — мы чувствуем и видим. Можем даже увидеть меру радости или горя. Видим цвет и форму. Настроение — холодное или тёплое. Свет земной и свет небесный, природный и человеческий пересекаются, взаимодействуют.

Постепенно и в живописи и в графике нашлись способы выражения поставленной задачи. Тема Света неисчерпаема, и каждый следующий день может принести новое открытие (Елена Горина).

Пишу не предмет и не пейзаж, а чувство, которое переживаю, — то, что трогает и восхищает в происходящем. Может, поэтому мою живопись называют чувственной. Это мой «таинственный сад» (Елена Горина, vne-art.narod.ru).

Главное в живописном и графическом языке Елены — трепетное ощущение цвета, тончайших его оттенков, сочетаний тонов, когда, кажется, один рождается из другого, но уже со множеством переходов, образуя удивительную цветовую гамму, к которой подчас трудно подобрать какое-либо исчерпывающее определение. Цвет и колорит, гармония, построенная на согласии и контрастах цветовых пятен, виртуозная многослойная техника живописи, чувственная пластика рисунка позволяют ей создавать сложную свето-воздушную среду, в которой цвет — понятие, а форма — образ. Ее картины несут в себе энергию напряжения, неожиданную гармонию противоположностей. Они воспринимаются как образ нашего бытия (Софья Владимирова, vne-art.narod.ru).

Денис Егельский. Борцы. 1989

Автор холста «Любовь и коварство» (1991) Денис Евгеньевич Егельский родился в 1963 году в Ленинграде. Учился в Хореографической академии им. А. Я. Вагановой в Ленинграде (1973–1977). В 1978 начал заниматься изобразительным искусством в студии Игоря Тюльпанова, редкого профессионала в среде «неофициальных художников», ставших известными после выставки в ДК «Невский». В конце 1980-х вошел в «Клуб друзей Маяковского». Один из основателей Новой Академии Изящных Искусств (len-sovet.ru).

Денис Егельский, хотя был на рубеже 1980–90-х профессором рисунка и живописи в Новой Академии Изящных Искусств, учеником и последователем Тимура Новикова никогда не являлся. Живописи он учился у ленинградского художника Игоря Тюльпанова, своим искусством выпадавшего даже из круга нонконформистов 1960–70-х. Именно в его «школе» стоит искать истоки творчества Егельского. То есть ещё до знакомства с Новиковым в 1980 году он писал так называемые «неоакадемические» картины, с присущими им возвышенными образами и изысканными фактурами (vladey.net).

Николай Жатов. Дискоболка. 2020

Нашим участникам знакомы разные композиции Николая Владимировича Жатова — архитектурные фантазии, натюрморты, жанровые композиции. В работе «Дискоболка» (2020) автор обращается к теме спорта.

Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000) (orel-sh.ru, vrnguide.ru).

Наталья Жерновская. Из серии «Одиссей». 2021

Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Художницу привлекает красивое в классическом понимании, она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Вдохновение часто находит в фотографиях, особенно советского довоенного периода, поясняя: «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать». Выхватывая выразительный жест или красноречивую позу, Жерновская создает эффектные образы, которые хочется снова и снова рассматривать (vladey.net).

Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).

Отари Кандауров. Богоматерь. 1969–1970

Отари Кандауров — российский художник, культуролог, эзотерик, автор книг по проблемам духовной культуры, по основным темам эзотерики и философии искусства.

О художнике читайте на kandaurov.aquarius-eso.ru.

Сергей Кривцов. Битва гигантов. 2007

Животный мир, его бесконечное разнообразие привлекали меня с детства. Мне нравилось рисовать и лепить животных. И я сделал свой выбор, став художником-анималистом. Еще студентом посчастливилось познакомиться с удивительным мастером, мэтром отечественной анималистики скульптором Андреем Валериановичем Марцем. Он был моим наставником в освоении этого сложного, интереснейшего жанра.

В своих работах стремлюсь передать динамику и экспрессию. Люблю показывать зверей в момент борьбы, напряжения всех сил, когда исход схватки неясен и накал достигает апогея (Сергей Кривцов, academy-andriaka.ru).

Он может причудливо изогнуть и закрутить форму, казалось бы, невероятным образом. Но при этом пластика сохранит естественность и будет точна.

Для него конкретное наблюдение — отправная точка создания художественного образа. Анималистика — один из самых трудных жанров, ведь главный источник вдохновения здесь — природа. А она, как известно, изучения требует длительного и тщательного. Художник-анималист самостоятельно постигает анатомические особенности разных животных, наблюдает их, становясь настоящим натуралистом.

Однако природу недостаточно просто скопировать. Чтобы бронза «ожила», нужно вдохнуть в нее свою энергию. Сергей Кривцов уверен: «Скульптура – не застывший металл, это механизм, имеющий невидимые внутренние пружины и рычаги, нужно только суметь их правильно найти и заложить». Художник, как и писатель, должен сродниться со своим героем, «влезть в шкуру» каждого зверя, чтобы понять его образ.

«Момент истины» — общее название композиций, посвященных схваткам могучих животных. Момент истины — момент апогея борьбы за существование, когда напряжены все силы сражающихся сторон, и зритель сам может предположить, кто станет победителем. Художник ненавязчиво, подспудно передает свои наблюдения и эмоции нам, зрителям. И остается только насладиться «остановленным мгновением», удивиться волнообразному изгибу хвоста крокодила перед ударом или изящному взмаху крыльев совы. Тема такого противоборства давно и последовательно развивается художником, и, пожалуй, в этом отношении не имеет в анималистическом жанре аналогов.

У Сергея, однако, нет ни одного обращения к теме охоты. Художника интересует не психология травли, не отношения «хищник — жертва», а миг противостояния, столкновения двух сил, ошеломляющее сочетание скорости и мощи, молниеносность броска, напряжение мускулов (academy-andriaka.ru).

Александр Курилов. Веток треск. 2001

В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).

Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).

Pata. Птичка в клетке. 2006

Любовь к женской фигуре — это в первую очередь уважение и дань красоте. Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество — скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно (Паата Мерабишвили).

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.

«Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры» (Нана Шервашидзе, искусствовед).

Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, переносится художником и в сферу живописи и становится центральной художественной задачей. В частности, в изображении главной героини картины «Птичка в клетке» (2006) — лежащей обнаженной — заметно выраженное стремление акцентировать объёмы фигуры, в результате чего наблюдается «лепка» живописной формы, желание добиться максимальной осязательности образа. В отказе от натуроподобия, в упрощенной трактовке тела, подчеркивании удлиненных и непропорциональных конечностей женского персонажа заметно влияние наивного искусства в духе А. Руссо и Н. Пиросмани. Художник создает чувственный женственный образ (Мария Беликова).

Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.

В творчестве Pata образы птиц не редкость. Это и роскошный разноцветный «Петушок» (2017), написанный акрилом на фактурной искусственной коже, и изящная скульптурная «Синяя птичка» (2020), которая вот-вот вспорхнет в небо. Центральный персонаж нашей картины — обнаженная красавица с сигаретой в руке, на столе рядом с ней стоит бутылка вина и бокал. Слишком чувственная и слишком свободная… Но похоже, что маленькая желтая птичка в клетке — единственная близкая ей живая душа.

Вячеслав Михайлов. Готика. 1999

Я уверен, что кроме воды и хлеба есть такое важное понятие, как духовность. Особенно оно важно для русского человека. Правда, сам я не очень люблю это слово и не до конца понимаю, что за ним стоит: то ли это икона, то ли храм, то ли сам человек. Но склоняюсь скорее к последнему. Я думаю, что духовность — это живой озабоченный человек. Помните, как Лев Толстой говорил: «Делай что должно, и будь что будет!» (Вячеслав Михайлов, spbdnevnik.ru).

Специфика моих работ — поверхность. Бывает, что без поверхности картина совсем не воспринимается. Мне не нравится, когда видна работа художника. Но если это концептуально, как, например, у Клода Моне, то движение кисти оправдано. А я всегда хотел, чтобы не понятен был путь делания картин, чтобы не было ощущения краски, а была поверхность, возникающая сама по себе, как в природе: кора дерева, лист.

Меня привлекает мистерия самой живописи, формы. Художник должен вторгаться в мир, как Бог, творить собственную форму, но не задирать при этом нос. Соревноваться с Богом — неверный путь. Я называю Богом солнце, холмы, реки, деревья… Когда смотришь цветок или жука, то видишь, что ничего не стоишь. И тебе к этому не приблизиться, не сделать такого, настолько форма сложная.

Художник не должен ничему себя противопоставлять. Он должен быть органичен. Органика — единственное точное ощущение, которое не позволит тебе соврать. Органика, как дар любви, — божественный дар. Не все им наделены (Вячеслав Михайлов, ru.wikipedia.org).

Основой творчества Вячеслава Михайлова является переосмысление классической художественной традиции средствами, близкими языку беспредметной живописи. Преувеличенная экспрессия манеры исполнения, акцентирование рельефной фактуры красочного слоя позволяет художнику органично сочетать в своих полотнах реальное и условное, которые неизменно дополняют и усиливают друг друга (web.archive.org).

Михайлову посчастливилось найти свой выразительный язык, делающий работы узнаваемыми и вызывающими неподдельный интерес. В его произведениях смысл и символика вызывают не меньший интерес, нежели художественные средства выразительности. Михайлов смело обращается с формой и материалом, не боится экспериментировать и отклоняться от созданной ранее и признанной зрителем манеры. Велик диапазон сюжетов, к которым обращается мастер: в его галерее образов соседствуют библейские мотивы, жанровые сцены, сложные многофигурные композиции. <…> Михайлов работает сериями, продолжительно осмысляя ту или иную тему. Художник признается, что для него важна память, ощущение включенности в мир, где есть не только сегодняшний день, но и прошлое. Творчество Михайлова не скандально и не злободневно (ru.wikipedia.org).

«Готика» (1999) входит в серию работ, выполненных Михайловым в 1980–90-е годы, когда он исследовал возможности беспредметного искусства для передачи условных образов-символов. «Произведения, формально относящиеся к абстрактным, по мнению самого художника, таковыми не являются в полной мере: иногда он видит в них “опознавательные знаки человеческого духа, времени, сути жизни”, “символы человеческого бытия”. Но в любом случае, это показ реальности, принимающей различные формы», — пишет искусствовед Е. Станюкович-Денисова (dspace.spbu.ru).

Образ, вызывающий ассоциации с куском ткани, балансирует на грани фигуративности и абстракции. Все внимание Михайлова сосредоточено на живописной фактуре, которая традиционно отличается у него богатым разнообразием и является для автора и вслед за ним для зрителя главным объектом эстетического переживания. Фактурные красочные массы создают рельефную выразительную поверхность, испещренную разнообразными «кратерами» и «впадинами». Изображение посредством особой авторской техники обретает пластическую мощь и силу. Декоративная рама, процарапанная поверх живописного слоя, окаймляет таинственный объект, запечатленный Михайловым, создавая впечатление, что перед нами какой-то уцелевший артефакт из прошлого, сохранивший на себе все следы времени (Мария Беликова).

Валерий Мишин. Я никогда не научусь играть на скрипке, как Пауль Клее, да я и вообще не играю. 2011

Художник Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.

В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).

Акрил на бумаге «Я никогда не научусь играть на скрипке, как Пауль Клее, да я и вообще не играю» (2011) входит в серию работ художника «Прямое высказывание», в которых он средствами абстракции попытался выразить свой внутренний мир — мысли, переживания, воспоминания, ассоциации, а также дать художественное осмысление расхожим фразам, употребляемым людьми в той или иной ситуации («Не будь упрям», «Не о чем нам с тобой разговаривать» и так далее). Каждое из произведений серии имеет замысловатое название, до конца понятное порой только самому автору. По технике и колористической насыщенности эти работы близки эстетике абстрактного экспрессионизма и ташизма. В названии листа фигурирует имя знаменитого немецкого живописца Пауля Клее, однако стилистика и творческий метод работы отсылают скорее к произведениям американского художника Дж. Поллока, практиковавшего дриппинг — спонтанное нанесение краски на холст (так называемую «живопись действия»). Часть линий причудливой паутины хаотично переплетающихся синих линий на абстрактном охристом фоне заходит на черную «раму», окаймляющую композицию, подчеркивая идею того, что созидание не имеет каких-либо границ и пределов. Создается впечатление, что автор запечатлел с высоты птичьего полета витиеватую сеть многочисленных рек, впадающих в озера. Свободная, импровизационная манера письма отражает работу подсознания, очищенную от логически-рассудочного понимания. Яркая палитра произведения несет в себе основной посыл, напрямую воздействуя на эмоциональное состояние зрителя (Мария Беликова).

До 20 сентября 2022 в помещении Москонцерта (Пушечная, 4, стр. 2) проходит выставка живописи Валерия Мишина «Живопись третьей рефлексии», посвященная памяти поэта Славы Лёна.

Андрей Молчановский. Ангел-хранитель. 2015

Андрей Молчановский (1971) — скульптор, мастер художественного стекла, член-корреспондент Российской академии художеств (2019). Окончил отделение скульптуры Одесского художественного училища им. М. Б. Грекова (1992), а также Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица (1999). Участник многочисленных выставок и скульптурных симпозиумов как в России, так и за рубежом. Работы художника представлены в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Центрального выставочного зала «Манеж» (Санкт-Петербург), Государственного музея стекла и хрусталя (Никольск, Пензенская обл.), а также в многочисленных отечественных и зарубежных частных коллекциях. Скульптор успешно работает в различных материалах: бронзе, мраморе, граните, нержавеющей стали, терракоте. Большой ряд произведений выполнен из оптического стекла.

В скульптуре «Ангел-хранитель» (2015) образ канатоходца, оберегаемого ангелом-хранителем, воспринимается как образ человека вообще, по своей ли воле или случайно попавшего в трудную жизненную ситуацию. Канатоходец идет по тонкой нити, помогая себе балансом, он должен дойти до конца. Так и любой человек: в трудную минуту не отчаиваться, не опускать руки, а идти вперед и верить, что ангел всегда рядом, хранит и оберегает!

Желаем удачи на 133-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220912_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220912_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх