Открыт 126-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   25 июля 2022

В каталоге — произведения Ромео Авагяна, Яна Антонышева, Константина Батынкова, Андрея Бисти, Дмитрия Воронина, Дениса Егельского, Владимира Ковальчука, Бориса Марковникова, Юрия Метельского, Валерия Мишина, Александра Пучко, Svetlana (Светланы Плотко), Бориса Смотрова

Каталог AI Аукциона № 440 и 126-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 29 июля, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, две скульптуры и один лист оригинальной графики.

Ромео Авагян. Без названия (Обнаженная в шляпе). 2016

Открывает каталог живописная композиция современного армянского художника Ромео Авагяна.

Ромео Авагян родился 22 июля 1973 в Ереване. Там же окончил художественную школу имени Акопа Коджояна (1984–1988), Художественное училище имени Ф. Терлемезяна, отделение живописи (1989–1993).

Член Союза художников Армении (2010).

Картины представлены в галереях и частных коллекциях Армении, России, США, Канады, Австралии, Франции, Германии и т.д.

Ян Антонышев. Башня. Из серии «Таро Питера». 2013

Эту колокольню хотели построить в Петербурге у Смольного собора лет 10 назад. В нашем городе еще со времен Петра I была высотная доминанта, выше которой ничего строить нельзя. Колокольня нарушила бы всю гармонию.

Я специально нарисовал ее, чтобы она осталась только в проекте и на картине. Самое интересное, что сейчас они снова хотят ее построить… (Ян Антонышев).

В 1981 году Ян Антонышев вместе с друзьями основал группу «Старый Город». Девиз коллектива — внимательно всматриваться в городской ландшафт, чувствовать пульс его жизни и сохранять историческую старину Петербурга — если не в реальном пространстве, то в своих работах. Главным героем картин Яна становится город, предстающий живым существом.

Ян Антонышев родился в 1965 году в Санкт-Петербурге.

В 1985 году окончил отделение реставрации Художественного училища имени В. Серова (теперь имени Н. Рериха), получил мастерскую от Союза Художников.

Участник выставок с 1990, в том числе в России, Италии, Германии, Франции.

Работы выставлены в Новой Пинакотеке в Мюнхене, находятся в собраниях Министерства культуры РФ, музеев и галерей России, а также в частных собраниях России, Швеции, Германии, Шотландии, Франции, Южной Кореи, США, Италии, Норвегии, Канады и др.

Работает в области фигуративной графики, в авторской пастельной технике: использует пастель, картон, обработанный особым образом, и реставраторский скальпель — для проработки деталей.

Несмотря на то, что Ян как художник формировался в среде неформальных ленинградских тусовок 1980-х (Сайгон, рок-клуб и т.д.), в его работах больше всего заметно влияние традиционной академической культуры с ее вечными сюжетами и символами.

Главный герой работ Яна — Петербург, который становится его альтер эго и предстает в его работах живым существом.

У художника есть своя система символов и знаков: красно-белая оградительная ленточка становится оберегом; рыбы — отсылкой одновременно к библейским сюжетам и к личной жизни; трехцветный мячик — неизменный атрибут работ Яна — отсылает к фильмам Андрея Тарковского, который оказал большое влияние на художника. В коллекции Тарковских хранится несколько работ Антонышева.

Ян — активный участник градозащитного движения Петербурга, призванного защитить исторические здания от уничтожения (yanantonyshev.com).

Константин Батынков. Масоны. 2011

Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет своей точностью к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству «Общества художников-станковистов», участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками – военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, popoffart.com).

Творчество Батынкова воплощает собой городскую атмосферу нового века, среду, в которой жизнь и энергия пульсируют на каждом уровне. Работы художника транслируют состояние человеческого сообщества и пространства, в котором оно существует.

Работа Батынкова абсолютно узнаваема: фирменная сдержанная, но при этом яркая палитра и излюбленная тематика — в данном случае городской пейзаж древнего, но живого города, в котором сочетаются здания и архитектурные сооружения многих веков, их окружают муравьиного размера люди, а в небе видны разнообразные летательные аппараты. Эта композиция, как и многие другие батынковские вещи с его излюбленными объектами и образами, будто пришла из сна. «Своей зыбкостью, какой-то нездешностью все они напоминают творения любимцев Батынкова из числа современников — Валерия Кошлякова и Питера Дойга (Peter Doig). Декоративные картины словно проецируют какую-то отстраненную ностальгию вперемешку с чувством абсурдного» (artinvestment.ru).

К масонской теме Константин Батынков обращается не впервые. В 2000 году на свет появилась целая серия черно-белых тушевых комиксов, объединенных темой влияния масонов на современное российское общество. В отличие от комиксов, лист «Масоны» (2011) выполнен в цвете, в манере, близкой его сериям последних лет, с вертолетиками и подводными лодками. Стилистика работы и ее сюжет отчасти отсылают к «паническому реализму» Петра Беленока, с его неизвестным, но неумолимым космическим злом, однако в данном случае это зло видится управляемым — и управляет им центральный персонаж картины в остроконечном капюшоне.

Андрей Бисти. Стрелец. 2015

В детстве мечталось о чем-то героическом, поэтому хотелось сначала стать пограничной собакой, потом пожарником и носить до блеска начищенную каску… Не сложилось. Недалеко от дома находилось ремесленное училище, во дворе которого стоял ящик с отходами производства. В нем среди металлической стружки было много разных железных штучек, которые постепенно перекочевывали ко мне под кровать. Так началась любовь к металлу, которая впоследствии превратилась в занятия офортом и сварной, кованой скульптурой. Это не металлолом, это любовно зовется «железяки восемнадцатого века». Мне всегда было странно, что такие вот вещи валяются просто как мусор. Старая ржавая вещь наполнена внутренней историей. Ее «вторая жизнь» в современном интерьере, в новых пространствах, совершенно оправданна, на мой взгляд… Это антиквариат, но антиквариат другого рода, другого свойства. В небольших вещах важна тактильная память, ее накопление во времени: кузнец, хозяин-другой, ржавчина — как прикосновение времени, потом я… (Андрей Бисти, gallerykino.ru).

Я нахожу старые, использованные, ненужные предметы и делаю их элементом скульптурной композиции. Так у меня совершенно неожиданно вещи получают новое прочтение. Таким образом, я даю никому не нужному предмету новую жизнь. Но вдруг, соединяя его с чем-то ещё, рождается доселе не существовавшее. И формально, и литературно, и по смыслу.
<…>
Материал, в данном случае — металл, тебе сопротивляется, а ты его режешь, будто масло. Приятное ощущение. Но если б сейчас настоящий сварщик увидел эту экспозицию, он бы поставил мне двойку. С точки зрения соблюдения технологии я делаю всё наоборот: люблю брызги, специально чиркаю металл электродами. Но зато добиваюсь нужной мне фактуры. Что сказать — у меня художественный, а не утилитарный подход к сварке, и это единственное моё оправдание (Андрей Бисти, lpgzt.ru).

Творчество Андрея в хорошем смысле провокативно: оно возбуждает даже у опытных посетителей художественных экспозиций освежающий чувства, почти по-детски непосредственный интерес (Константин Победин, cultobzor.ru).

«Стрелец» (2015) — одна из многих скульптур «топорного» происхождения. В данном случае фигуру воина образует тесло — инструмент для выборки пазов, лезвие с поперечным расположением режущей части, по сути крупной стамески, насаженной на топорище (Андрей Бисти).

Дмитрий Воронин. Кот. 2015

Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.

Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com

Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.

Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин создает яркие, острохарактерные образы животных, в которых узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).

«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.

С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.

По мастерству обращения с материалом ему нет равных…

К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.

В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.

Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.

Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).

Денис Егельский. Любовь и коварство. 1991

Автор холста «Любовь и коварство» (1991) Денис Евгеньевич Егельский родился в 1963 году в Ленинграде. Учился в Хореографической академии им. А. Я. Вагановой в Ленинграде (1973–1977). В 1978 начал заниматься изобразительным искусством в студии Игоря Тюльпанова, редкого профессионала в среде «неофициальных художников», ставших известными после выставки в ДК «Невский». В конце 1980-х вошел в «Клуб друзей Маяковского». Один из основателей Новой Академии Изящных Искусств (len-sovet.ru).

Денис Егельский, хотя был на рубеже 1980–90-х профессором рисунка и живописи в Новой Академии Изящных Искусств, учеником и последователем Тимура Новикова никогда не являлся. Живописи он учился у ленинградского художника Игоря Тюльпанова, своим искусством выпадавшего даже из круга нонконформистов 1960–70-х. Именно в его «школе» стоит искать истоки творчества Егельского. То есть ещё до знакомства с Новиковым в 1980 году он писал так называемые «неоакадемические» картины, с присущими им возвышенными образами и изысканными фактурами (vladey.net).

Владимир Ковальчук. Натюрморт. 2022

«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.

Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.

Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.

Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.

В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.

Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).

В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.

«Натюрморт» (2022) — метафизическая композиция, в которой металлизированным и сухим цветам противостоит живое начало — яблоко. Этот контраст, говорит художник, вызывает тревогу, беспокойство и созвучен сегодняшней ситуации.

Борис Марковников. Три работы из серии «Здравствуй, королева». 2000

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.

Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник (Никита Махов).

«Мои нефигуративные работы — это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную», — говорит художник. Три работы каталога, входят в серию «Здравствуй, королева!», в которых он осмысляет судьбу станковой живописи, претерпевшей за последние столетия радикальные трансформации. Называя ее королевой (что отсылает к известному тезису о том, что «живопись — царица всех искусств») и приветствуя, Марковников остается, с одной стороны, верен традиционному станковому формату, а с другой — продолжает эксперименты с живописной техникой в рамках абстрактного искусства.

На полотнах пересекаются под разными углами многочисленные решетчатые структуры, расположенные в трехмерном пространстве. В этих бесконечно множащихся образованиях сложно отделить одно от другого и выявить, где их начало и конец. Тонкой работой с цветом Марковников в свойственной ему манере добивается свечения, исходящего будто бы из глубины живописной поверхности. Ритмика формальных элементов, усиливаемая лаконичной палитрой, строящейся на сочетании всего двух цветов, является главным объектом эстетического переживания как для автора, так и для его зрителя (Мария Беликова).

Юрий Метельский. Иоанн Предтеча. 1991

В 1991 году написан холст «Иоанн Предтеча» Юрия Метельского.

Валерий Мишин. За каждым кто-нибудь следит. 2007

Художник Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.

В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).

Лист «За каждым кто-нибудь следит» (2007) входит в своеобразную серию работ художника, по технике исполнения, стилевым характеристикам и колористической насыщенности близких абстрактному экспрессионизму. Каждая из них имеет замысловатое название, до конца понятное порой только самому автору. Мишин экспериментирует с техникой, работает акрилом на бумаге, и потому работа находится на стыке графики и живописи.

Композиционная структура произведения состоит из двух «слоев». Первый слой включает в себя пересекающиеся толстые дугообразные линии, окрашенные яркими локальными цветами, что по своему воплощению отсылает к стилистике минимализма и геометрической абстракции. Второй слой представляет собой паутину, сотканную из тонких линий, которые, хаотично переплетаясь, накладываются на основное изображение. В их трактовке ярко подчеркнута спонтанность творческого процесса, этот слой отмечен потеками краски; и в отличие от основной композиции, выглядящей статично, здесь преобладает импровизационное начало. Подобная манера письма вызывает ассоциации с произведениями американского художника Дж. Поллока — спонтанное нанесение краски на холст (так называемая «живопись действия») отражало работу подсознания напрямую, без ментального посредничества. Яркая палитра работы, состоящая из желтых, красных, синих, зеленых и фиолетовых оттенков, несет в себе основной посыл, непосредственно воздействуя на эмоциональное состояние зрителя (Мария Беликова).

Валерий Андреевич Мишин родился в 1939 в Симферополе. Живет и работает в Санкт-Петербурге.

Окончил Свердловское художественное училище (1962), ЛВХПУ им. В. И. Мухиной, отделение монументально-декоративной живописи (1968). В 1960–70-х годах посещал ЛИТО при газете «Смена» в Ленинграде, ЛИТО Татьяны Гнедич в г. Пушкине

Почетный член Российской академии художеств (2014), член Союза художников России, член Международной федерации художников ЮНЕСКО, член Международной федерации русских писателей.

Участник более 300 выставок в России и за рубежом, в том числе более 30 персональных (с 1966). Занимается живописью, объектом, инсталляцией, станковой и книжной графикой и скульптурой, пишет стихи и прозу.

Работы представлены в собраниях: ГМИИ им. А. С. Пушкина, Московского музея современного искусства; Государственного Эрмитажа; Государственного Русского музея; Всероссийского музея А. С. Пушкина; Музея истории Санкт-Петербурга; Музея городской скульптуры Санкт-Петербурга; Калининградской государственной художественной галереи; Museum and Art Gallery, Bristol; Zimmerly Art Museum, New Brunswick, New Jersy; Gutenberg-Museum, Mainz; Museum of the House of Humor and Satire, Gabrovo; Cremona Civic Museum и др., а также в частных коллекциях (rah.ru).

Александр Пучко. Натюрморт. 2011

Современный художник, находясь под огромным давлением «атмосферного столба» различных направлений, школ, стилей, течений, эпох в искусстве, черпая из накопленной сокровищницы ценности знания, решает сложнейшие творческие задачи генерации собственной художественной системы. Чрезвычайно трудно отчетливо зазвучать, найти свою стилистику и, основываясь на знании предыдущих творческих опытов, избежать прямого цитирования, найти своего зрителя и разговаривать с ним на одном языке понимания и сочувствия.

Автор, поставив перед собой задачу уйти от унылых, искусственных правил целесообразной эстетики, экспериментирует, иногда связывая воедино абстракционизм и модерн, создавая изображение зачастую интуитивно. Иногда его охватывают настроения, подвигающие на высказывания языком символизма.

Всё это попытки смотреть на мир непредвзятым взглядом, очищенным от опыта рационального восприятия.

Постоянный поиск новой лексики выражения обогащает творчество автора различными приемами, позволяющими подобрать оригинальные пути и модели оживления восприятия. Иногда в этом процессе ясность формы сменяется бурным ниспровержением скучного перечисления деталей.

Избегая свойственного современности эгоцентризма, автор пытается перекинуть мостик между предметом выражения и зрителем. Путь к собеседнику без преград, не обремененный навязанными банальными идеями и равнодушием посредственного опыта.

Искреннюю попытку избежать шаблонности и линейного взгляда, порыв, возможно наивный, в стремлении общаться со зрителем можно расценить как приглашение к игре, где образ выводится из-под автоматизма восприятия, и предлагается на чувственном уровне получить ощущение «увиденного», а не узнавание знакомого образа (Александр Пучко).

Александр Александрович Пучко родился в 1961 году в Москве. В 1983 году окончил МХУ имени 1905 года, по специальности художник-реставратор. Много лет работал реставратором монументальной и станковой живописи в ГТГ, «Союзреставрации», Всесоюзном НИИ реставрации. Принимал участие в восстановлении Новоспасского монастыря в Москве, Николо-Перервенского монастырского комплекса, церкви Николы в Кожевниках, церкви Михаила и Фёдора Черниговских, Симонова монастыря в Москве, Новгородского Кремля. Занимаясь реставрацией станковой живописи более 35 лет, сохранил и восстановил не одну сотню произведений русской и европейской живописи. Помимо этого, увлечен проектированием и строительством жилых домов, дизайном мебели и интерьеров. Большая часть творческого процесса посвящена созданию собственных живописных и графических работ. С 2007 года — член Московского объединения художников Международного Художественного Фонда. Работы находятся в частных собраниях России, Чехии, Польши, Германии, Швеции, Нидерландов, Канады и США (litfund.ru).

Svetlana (Светлана Плотко). Без названия (Язык). 1990. 2020

Svetlana (Плотко Светлана Ивановна) — художница из Санкт-Петербурга, выставляется с 1991. Первая персональная выставка состоялась в 1991 в Ярославском художественном музее. В 2009 состоялась персональная выставка «Интерпретации: живопись, графика, тексты» в Московском музее современного искусства (ММСИ, Петровка, 25). В 2014 участвовала в коллективной выставке картин в Agora Gallery (Нью-Йорк). Работы находятся в коллекции Ярославского художественного музея (живопись, графика) и в коллекции ММСИ.

У художницы формируются две коллекции: «Символические абстракции» и «Живописные импровизации».

«Tongue (Язык)» относится к «Символическим абстракциям». Данная форма — это стремление выразить эмоцию минимальными средствами. Работа была представлена на всех вышеупомянутых выставках и воспроизведена на баннере и пригласительном билете выставки в ММСИ (2009).

Борис Смотров. Русь. 1996

Если мы возьмем обозримое культурное пространство, которое мы сейчас знаем — от пещерного искусства до нашего времени, то на протяжении всего этого развития существуют две ясно различимые линии: есть дневные художники и есть ночные художники.

И под дневными художниками надо понимать радость свету, солнцу, жизни. А противоположная сторона — это всякие ритуалы, мистика, это гробы, потусторонность… Так вот эти две линии —  они существуют от пещер до сегодняшнего дня. И вот этот мой всплеск — это один из тех всплесков той мощной жизнеутверждающей силы, которая заложена в нас от самого начала.

… Мои поиски — это может быть некий антитренд сейчас, ведь сегодняшняя культура развернута в сторону крематория и разрушения. Мне хотят внушить что чёрное — это белое, но я, извините, ведь могу еще различить, что белое и что чёрное.

Поэтому в моих работах задействован весь здоровый пласт, начиная с крестьянского примитивного искусства, обязательно иконопись. Потом авангард. И реализм прошлого и настоящего, лучшие образцы — Венецианов, Абрам Архипов, Борис Кустодиев …

Понимаете, живопись ведь познается не то, как мы махнем кистью, а как мы к ней вернемся, то есть живописью надо жить. В моём понятии живопись — это не какой-то акт, не какой-то перформанс, а та часть какого-то пространства, зафиксированного на плоскости, которое вы можете допустить к себе и жить с ним долго. Надеюсь, что моя живопись — продолжительное звучание. Я стараюсь делать так, чтобы кистью больше негде было ткнуть, стараюсь делать классику, выдавить из себя всё до предела (Борис Смотров, cultobzor.ru).

Борис Смотров любит упрощенную, как в традиционной культуре, форму, пластикой которой он легко владеет, локальные цвета и их сочетания, завораживающие своей открытостью.

Удивительно, что в изобразительных высказываниях этого мастера начала XXI века сохраняется чистота и непосредственность, незамутненная холодными постмодернистскими изысками и искусами, ироничным цитированием, свойственным большинству его современников.

И все же его живопись и есть порождение постмодернизма, поскольку в ней переплавились и слились воедино многие явления искусства разных времен, которые художник умело апроприировал, сделав их частью своего пластического метода (cultobzor.ru).

Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Борис Смотров».

Желаем удачи на 126-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI