Открыт 117-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Рубена Апресяна, Нисо Атахановой, Сергея Базилева, Антона Богатова, Анастасии Вахненко, Анатолия Горяинова, Михаила Ермолова, Евгения Зевина, Андрея Марца, Андрея Молчановского, Такаси Мураками, Владимира Чибисова, Марии Шалито
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 431 и 117-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
В составе аукциона 13 лотов — шесть живописных произведений, два листа оригинальной и один — печатной графики, три скульптуры и одна работа в смешанной технике.
Рубен Апресян. Абстрактная композиция. 2012
Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.
На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».
Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).
Пластическое чувство Рубена Апресяна, подчиняясь образным состояниям нашей реальности, превращается в органический инструмент, «скрепляющий» его собственные интуитивные переходы, взрывы и озарения со стилистикой исторического сознания, скрещивая художественные языки и раскрывая стратегические коды живописных технологий (Виталий Пацюков, искусствовед, armmuseum.ru).
Рубен Апресян (1963) развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к беспредметному искусству. Переосмысляя достижения русского авангарда, он исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания. Художник создает работы, близкие к минимализму, и эмоционально заряженные беспредметные композиции, где основную смысловую нагрузку несет цвет.
«Абстрактная композиция» (2012) тяготеет по своему воплощению к лирической абстракции. На нем не найти привычных для большинства беспредметных работ Апресяна геометрических фигур, сплетающихся в причудливые мозаичные узоры, — на весь холст простирается эффектная черно-белая молниеобразная линия, окаймленная черной декоративной рамой. В колористическом строе полотна преобладают вариации серых оттенков. Большое внимание автор уделяет живописной поверхности работы, которая отличается богатым разнообразием. Сама линия сформирована фактурными красочными массами, что сближает визуально картину с рельефом. Абстрактный серый фон также трактован мелкими пастозными мазками, усиливающими осязательность произведения. Несмотря на кажущуюся простоту, эта нефигуративная композиция отличается гармоничностью, выверенностью и ритмикой. Ограниченная цветовая гамма, редукция традиционных средств художественной выразительности и акцентирование тактильных свойств полотна производят в итоге живое впечатление на зрителя, а сама картина совмещает в себе как живописные, так и пластические характеристики (Мария Беликова).
Нисо Атаханова. За драпировкой. 2022
В абстрактной работе появился узнаваемый предмет — драпировка.
Способ драпирования в образных искусствах изменялся сообразно их состоянию в различные исторические эпохи и у разных народов. От древних греков и египтян до наших дней драпировка появляется в произведениях искусства.
В этой картине драпировка становится частью абстрактной работы, за которой открывается «абстрактный натюрморт». Что это? Образы и цвета, собранные вместе, для каждого зрителя будут иметь свое воздействие и цепочку ассоциаций (Нисо Атаханова).
Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник-монументалист.
Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.
“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).
Сергей Базилев. Селёдка. 1998
Я очень не люблю обобщений. Мне кажется, что, когда человек обобщает, он просто уходит от ответственности. Мне всегда нужна конкретика. Я люблю уточнения (Сергей Базилев, gallerix.ru).
Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.
Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских «гиперов» картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.
Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.
Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).
Антон Богатов. Зеленые женщины. 2019
Антон Богатов — сценограф и живописец, известный прежде всего как пейзажист, автор огромного ряда произведений, созданных в России и в многочисленных зарубежных путешествиях. «Антон — яркий представитель московской школы живописи, с характерной для нее культурой крепких цветовых замесов, умением обращаться с колерами и валерами. Плотная, насыщенная по цвету и фактуре поверхность холстов своей материальностью и убедительностью подкупает зрителя. В своем творчестве Антон собирает декоративность цветовой гаммы театральной живописи и сюжетность станковой. Художник не скупится, нанося мощный красочный слой, тем самым выстраивает грубыми мазками эмоциональную составляющую картины» (artanum.ru).
В конце 2019 года на открытии персональной выставки «Иной» художник сказал: «Я ухожу от классической живописи». Экспозицию выставки составили произведения 2018–2019 годов, знаменующие собой творческий поиск художника в новых для него жанрах и направлениях.
Антон Богатов родился в Москве 3 марта 1989. Окончил МГАХИ им. Сурикова, театрально-декорационную мастерскую под руководством народного художника Российской Федерации М. М. Курилко-Рюмина (2014).
Прошел стажировку в творческих мастерских Российской Академии Художеств под руководством народного художника РФ Б. А. Мессерера (2015–2017).
Лауреат премии Санкт-Петербургской Академии Художеств имени И. Е. Репина (2012), получил Золотую медаль Российской Академии Художеств (РАХ) за успехи в учебе (2012).
Член Московского Союза Художников (2014).
Провел более 15 персональных выставок, в т.ч. персональную выставку в Словакии (2017), участник около 100 выставок Московского союза художников и пяти выставок Российского союза художников, а также участник около 100 различных творческих проектов.
Последняя персональная выставка прошла в галерее «ТНК Арт» (Электрогорск) в декабре 2019 года.
Постоянный участник театральных выставок «Магия театра и кино», «Твой Шанс».
Работы находятся в государственных художественных музеях России, в частных коллекциях и галереях России, Европы, Азии, Объединенных Арабских Эмиратов, Гонконга.
Анастасия Вахненко. Зимнее солнце. Из серии «Санкт-Петербург». 2021
Уникальная атмосфера Петербурга неоднократно вдохновляла отечественных графиков прошлого и настоящего на создание циклов работ, посвященных видам Северной столицы. Не обошла стороной тему Петербурга и Вахненко: в графической серии «Санкт-Петербург» нашел отражение ее оригинальный авторский взгляд на зимний город.
Лист «Зимнее солнце» (2021) — рисунок Казанского собора в необычном ракурсе — свидетельствует о свободном владении автором всеми пластическими элементами изображения, равно как и широким арсеналом графических средств. Произведение отличается выраженным линеарным началом, основанным на четкости и ясности рисунка. Выверенная архитектоника композиции, акцентированная пространственная глубина и ритмичная организация элементов являются характерными чертами рассматриваемой работы.
Автор преобразует натурный мотив за счет использования приемов декоративности и стилизации. Произведение строится на игре точно выверенных архитектурных форм собора и обобщенно трактованных элементов пейзажа — кустов, сведенных к овалам, облаков, изображенных в виде нависающих друг за другом полусфер, и небесного пространства в целом, представленного в экспрессивной манере. Изящные тени, отбрасываемые деревьями, находящимися за рамками рисунка, выразительно выделяются на белом снегу и задают композиции особый ритм. Вахненко создает эффектный городской пейзаж, который пополняет коллекцию видов Петербурга, передавая его дух и свойственную только ему атмосферу (Мария Беликова).
Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
Анатолий Горяинов. Бабье лето. 2019
Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).
Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это всегда наполненные воздухом и одновременно плотные работы: взгляд мастера не терпит пустоты, и даже если половину кадра занимает небо, то композиционно это совершенно оправданно. Московские фотографы — люди очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейший вид ночной улицы в огнях.
Однако по образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова. Живописью Горяинов занимается давно и серьезно, развивая в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.
«Бабье лето» (2019) Анатолия Горяинова перекликается с крестьянской серией Казимира Малевича, хотя перекличка эта, пожалуй, по большей части случайна: в работе ярко проявляется узнаваемая творческая манера художника.
Каждый год мы ждем бабье лето — осеннюю неделю теплой летней погоды, хотя выражение это «имеет разные интерпретации. Одна из них гласит, что бабье лето названо по тонкой, легкой паутине, летающей по полям и лесам и предвещающей сухую осень. Эта паутина ассоциируется с едва заметными седыми прядями волос у женщины, а время теплых, погожих дней — с возрастом, который предшествует пожилому и характеризуется относительным расцветом. Выражение также связано с тем периодом в жизни крестьян, когда заканчивались полевые работы и женщины принимались за “собственные свои работы”: мочили лен, трепали его, ткали. Бабье лето продолжалось одну неделю — с 1-го или с 8-го сентября.
В германской культуре летящие паутинки связывали с пряжей, которую ткут эльфы. А женщины, по мифологическим представлениям, обладали волшебной силой “возвращать” времена года (например, могли вернуть летнее тепло осенью) и в общем влиять на погоду. Поэтому в языке и закрепились эти названия. Такая интерпретация выражения “бабье лето” основана на сопоставлении явлений природы (осенняя паутина, отлет птиц, теплая погода) с мифами и с конкретными хозяйственными аспектами жизни (земледелием и ткачеством).
Так что изначально выражение “бабье лето” обозначало период женских полевых работ, а позже стало соотноситься с определенной погодой» (Валерий Мокиенко, culture.ru).
Окрашенные легкой иронией и юмором, работы Анатолия Горяинова очень интересно разглядывать. Глядя на них, зритель с удивлением обнаруживает в этих радостных, веселых, нежных, трепетных, обращенных к наивному искусству произведениях такие смысловые неоднозначности, которые заставляют его не просто задуматься, а мысленно не раз к ним вернуться. Художник дает работе название, но как его понять? Это просто лето и бабы торопятся убрать сено до дождя? А может, картина совсем о другом — о яркой, но недолгой, под надвигающимися тучами, поре в жизни женщины? А может, о нескольких теплых осенних днях? А может, о летящей паутине?..
Михаил Ермолов. Лебедь. 2016–2017
Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха».
«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).
В изображении старой, но еще изящной и благородной игрушки кто-то из зрителей наверняка узнает белого лебедя на колесиках из своего детства. Предмет словно проступает на фоне дымчатой живописной поверхности, проявляется из далекого прошлого. Фактура работы имитирует утраты красочного слоя, содержит потертости, царапины, пятна и разводы — следы, оставленные временем на холсте, словно забытом где-то на десятки лет. Так и в жизни: ребенок вырос — старую игрушку отдали другим детям или забросили в кладовку.
«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).
«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня, и будут ли они? Время покажет, но пусть в них будет хоть немного тех простых, чистых детских радостей, тех детских восторгов, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова.
Евгений Зевин. Бутылка и чайник. 2014
Главное — не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).
В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).
Евгений Зевин остро чувствует закономерности композиционных и декоративных решений; обычные, вроде бы каждодневно виденные предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму в сопоставлении объема, цвета, внутреннего движения или покоя.
Он всегда в процессе исканий, особенно в области цвета, один из самых тонких и культурных наших мастеров. В настоящее время едва ли можно говорить о нем, как о представителе крайних левых направлений. Натюрморты Зевина — это всегда картины, в которых есть глубочайшее содержание, действие, интрига, тайна, мгновение, год, эпоха, соотносящие смысл их живописной фактуры с духом современности. Картина двухмерна, и задачей художника является перевести эту условную двухмерность в трехмерное пространство внешнего мира. Он хочет, чтобы картину можно было читать как книгу.
Продуманные включения в натюрморт тех или иных предметов делаются художником не ради повышенной декоративности или в поисках новых цветовых созвучий как таковых: цельность остается главным качеством его произведений. Работу над картиной Евгений Зевин начинает обычно с рисунка углем, причем это очень длительный процесс по доведению линии до совершенства, с использованием закона силовых линий авангардистов 1920-х годов. В каждом рисунке или композиции уже ничего нельзя менять. Изображаемые предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму. Они близки к построению музыкального произведения…
На всех этапах своего творчества художник не терял собственного лица. Овладев формой путем опытов над ее разложением, он пришел к упрощенному, но вместе с тем материальному построению картины.
Его произведения всегда напоминают людям о вечных ценностях и утверждают красоту окружающей нас предметной среды и жизни (Нина Лапина, zevin.ru).
Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека, и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же, на месте, оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).
Андрей Марц. Носорог стоящий. Начало 1980-х
Отточить образ до символа, найти для каждого зверя его пластическую формулу можно лишь при хорошем знании натуры. Художник-анималист должен попытаться понять сущность животного, не очеловечивая его. Мне дорого само животное, характерность того или иного вида. Когда мне удается это передать — создаваемый мною образ становится, как мне кажется, более убедительным и органичным (Андрей Марц, marz12.narod.ru).
Андрей Марц обладал редким даром воплощать в изображениях животных, зачастую камерных, масштаб огромного культурного пространства. Его острое, цепкое видение, подпитанное раскованным воображением и тонким чувствованием возможностей скульптурного материала, соединяло непосредственные реальные впечатления с глубокими познаниями истории мировой анималистики — от первобытных памятников и искусства кельтов до образов, знаков и символов, созданных изобразительной традицией народов Ближнего и Дальнего Востока, Китая, Индии и Северной Африки.
Так возникала новая скульптурная «живность», очень выразительная по формотворческим решениям, сочная по лепке характеров, живущая по каким-то своим особым законам, созданным для нее одним из тишайших созерцателей природы, скульптором Андреем Марцем. Жирафы, похожие на ажурные затейливые башенные конструкции, антилопы, чьи полетные грации изящно подчеркнуты остроумным кроем объема из единого медного листа, носороги с монументальными панцирными телами, уподобленными доспехам средневековых рыцарей, рыбы, словно вылепленные по неведомым древним магическим рецептам, разнообразнейшие птицы, то танцующие, то хлопочущие по своим «житейским» надобностям, то трагически надломленные, в литьевой лепке которых угадываются следы экологических катастроф...
… Образы животных — лиричные и трагикомичные, монументальные и игровые, архетипные и конструктивно-декоративные — все они были отмечены печатью таланта их создателя и неповторимой марцевской любовью к жизни (Л. Ю. Исаева, artmuseumtomsk.ru).
Творчество Андрея Марца, по общему признанию, совершенно особое, уникальное явление в современном анималистическом искусстве. Его работы, острые и точные по образному решению, поражают неожиданностью и декоративностью, остроумными находками в использовании свойств материала, современностью пластического мышления. А между тем Марц — убежденный наследник классической школы отечественной пластики, считающий ее основой, опорой для искусства современного с его подчеркнутым вниманием к форме.
Что касается скульптурного материала, то Марц сделал свой выбор в самом начале творческого пути, раз навсегда определив для себя металл как наиболее подходящий для реализации его пластических замыслов. Металл — подлинная стихия Марца. Не знающий аналогов оригинальный метод мастера, изобретенный им способ металлического отлива с введением проволоки, сочетание плотных масс и сквозных ажурных конструкций, контраст объемов и пустот позволили Марцу создать свой собственный, ставший уже классическим канон, безукоризненно работающий через раскрытие свойств материала на образ, характер изображаемого животного (Марина Юргенс, ГТГ, marz12.narod.ru).
Андрей Марц принадлежит к числу выдающихся скульпторов-анималистов. В его творчестве счастливо соединились качества скульптора, мыслящего пластическими формами, органично чувствующего выразительность и физические возможности материала, обладающего остроумной изобретательностью в решении задач, и человека, очарованного бесконечным многообразием живого мира, не устающим удивляться перед гением Творца…. (gallerynazarov.ru).
Андрей Молчановский. Одеяло. 2021
Девиз скульптуры «Одеяло» — «Одеяло — щит и парус для влюблённых». В скульптуре автор представляет одеяло как символ интимных отношений, любви, как латы, преграду, защиту влюблённой пары от внешнего агрессивного пространства, очерчивая территорию мира только для двоих.
Одновременно одеяло создает образ паруса, наполненного силой любви, такого ощущения взаимного счастья, которое объединяет и дает силу для движения и жизни. С лицевой стороны мы видим гладкий квадрат одеяла — стабильную мощную форму, объединенную силу. С обратной стороны сторона с обнаженными фигурами и фактурная поверхность трепетных отношений, полных эмоций (Андрей Молчановский).
Андрей Молчановский много лет увлеченно работает с оптическим стеклом, с простыми, часто геометрически абстрактными «камнями стекла». Сознательный уход от фигуратива в композициях из стекла обусловлен как способом прочтения материала на выбранном языке пластики, так и потребностью автора в поиске архетипов, знаковых позиций, выражению сути и смысла сущего. В «Одеяле» (2021) он обращается к бронзе и фигуративной композиции. Его удлиненные человеческие фигуры, практически лишенные плотской тяжести (и своей истонченностью отчасти напоминающие пластические формы А. Джакометти), вписаны в выразительную трехмерную композицию, изящно сочетающую два перпендикулярных ракурса, что в действительности невозможно.
Андрей Молчановский (1971) — скульптор, мастер художественного стекла, член-корреспондент Российской академии художеств (2019). Окончил отделение скульптуры Одесского художественного училища им. М. Б. Грекова (1992), а также Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица (1999). Участник многочисленных выставок и скульптурных симпозиумов как в России, так и за рубежом. Работы художника представлены в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Центрального выставочного зала «Манеж» (Санкт-Петербург), Государственного музея стекла и хрусталя (Никольск, Пензенская обл.), а также в многочисленных отечественных и зарубежных частных коллекциях. Скульптор успешно работает в различных материалах: бронзе, мраморе, граните, нержавеющей стали, терракоте. Большой ряд произведений выполнен из оптического стекла.
Такаси Мураками. Skulls Rock. 2004
Такаси Мураками — японский художник, скульптор и дизайнер. Родился в Токио в 1962 году, окончил Токийский национальный университет изящных искусств и музыки. Один из наиболее известных в мире японских художников в стиле нео-поп.
Творчество Такаси Мураками — это оригинальный симбиоз современной поп-культуры и «высокого» искусства. В его работах прослеживается влияние популярных в Японии мультфильмов аниме и комиксов манга.
Визитной карточной автора на протяжении уже многих лет являются рожицы-цветочки, изображающие весь спектр эмоций — улыбающиеся, веселые, грустные, злые, испуганные.
Помимо них, Такаси изображает героев аниме и манги, создает скульптуру, одна из которых, «Мой одинокий ковбой» (My Lonesome Cowboy) (1998), была продана на Sotheby's 14 мая 2008 года за $15,2 млн.
Мураками занимается не только написанием картин, но и создает предметы одежды, всевозможные аксессуары с изображением своих произведений — от сумок до диванных подушек и ковриков для компьютерной мыши. Он сотрудничает с Марком Джейкобсом, креативным директором известной марки Louis Vouitton, и создал для бренда коллекцию сумок Cosmic Blossom.
В 2002 году Такаси стал куратором выставки современных японских художников и скульпторов Superflat. Название выставки, которое переводится как «суперплоский», художник придумал сам и назвал этим термином все современное японское искусство, сочетающее в себе продукты индустрии развлечений (аниме, манга), поп-культуры и изящных искусств. Автор задается вопросом, в чем различие между живописью европейских и японских художников, и приходит к выводу, что в Японии изобразительное искусство создает ощущение «плоскости» из-за отсутствия трехмерного изображения. Таким образом, Такаси Мураками выделяет современное японское искусство в отдельный «феномен», тем самым привлекая к нему внимание и способствуя его развитию на мировом рынке.
Творения Такаси Мураками — одновременно яркие, развлекательные и глубоко философские. Сам Такаси определяет свою творческую деятельность как критику японского общества. В современной Японии, по мнению художника, живопись, скульптура, игры, комиксы и дизайнерская одежда слились в одно целое, и уже нет разницы между высоким искусством и продуктами потребления (artuzel.com).
Один из самых известных художников послевоенной Азии, Такаси Мураками известен своей фирменной эстетикой «Суперплоскости»: красочным двухмерным стилем, который стирает границы между изобразительным искусством и поп-культурой, поскольку объединяет элементы аниме, японской живописи нихонга и гравюры на дереве укиё-э. Общие мотивы в творчестве Мураками, которое охватывает картины, скульптуру, печатную графику и многое другое, включают улыбающиеся цветы, медведей и персонажа, вдохновленного Микки-Маусом, мистера Доба. Они также появляются на товарах и предметахколлекционирования, созданных Мураками.
Мураками выставлялся в Музее Гуггенхайма в Бильбао, MoMA PS1, Художественном музее Мори, Музее современного искусства «Гараж», Бруклинском музее, Музее современного искусства в Чикаго. Его работы продаются за миллионы на вторичном рынке. Мураками также управляет крупной компанией по производству произведений искусства, токийской Kaikai Kiki Co (artsy.net).
На конец 2022 года намечен запуск NFT-проекта Murakami.Flowers, о котором художник заявил еще в прошлом году. Он должен был состоять более чем из 100 токенов размером 24 × 24 пикселя с узнаваемыми образами улыбающихся цветков. Однако впоследствии работа над коллекцией была приостановлена, так как художнику, по его собственным словам, потребовалось более глубоко изучить процессы продвижения и продажи NFT. В начале этого года стало известно, что Мураками, получивший опыт совместной работы со студией RTFKT над проектом CLONE X, наконец-то готов к запуску нового проекта (artinvestment.ru).
Владимир Чибисов. Бычок. 2016
Главный мой герой — это скульптурный материал.
Меняется пространство и время, жизнь может предложить любые темы и сюжеты, но материал в скульптуре всегда во главе угла, всегда источник поиска и открытий.
Камень — а с ним я более всего работаю последние годы — это собеседник, не терпящий суетных движений. Ему не навяжешь свою волю. Природа камня откроется лишь в созерцании и терпении, лишь в неторопливом диалоге.
Металл — мир нагреваний и остываний, перетеканий и деформаций — это совсем другая история, где конечный результат нужно предположить заранее, тогда откроется улыбка перевоплощений.
Керамика — нежна и вероломна, ее женственная природа бесконечно изменчива и иронична.
Дерево — самый теплый и живой собеседник, всегда готовый к взаимодействию формы и цвета.
Процесс работы с деревом — вершина земного наслаждения.
Материал скульптуры — это всегда и открытие и загадка. Как поведёт он себя в работе? А в пространстве? А в диалоге с формой? Но есть еще и тайна сочетания материалов друг с другом, есть еще тайна встречи объема с цветом и графикой. И чем дольше к материалу прикасаешься, тем безбрежнее поле его возможностей и новых загадок.
Сочетание материалов — это всегда риск и ответственность.
Но и возможности здесь особые и конечно же ещё неизведанные (Владимир Чибисов).
Часто, по словам художника, он берет «бросовый» камень и выявляет скрытую в нем художественную форму, превращая его в реальных и фантастических животных, объединяет разные материалы, добавляя к основному объему детали из металла и поделочных камней. Еще один прием, который использует мастер, — это цвет, акцентирующий детали и делающий скульптуру, когда это соответствует замыслу автора, более декоративной (njerusalem.ru).
Мария Шалито. Ботинки. 2012
Задача создания пространства по сей день остается главной в каждой моей работе. Когда-то моим учителем стал добровольный затвор в мастерской, где я работала в уединении годами, с благоговением перелистывая альбомы художников Возрождения, собранные моим отцом — архитектором. Потребность расслышать себя была первостепенной моей задачей в начале творческого пути, столь же важной она остается и сейчас. <Потребность> чувствовать, слышать во время работы как бы все сразу, целиком, заставляет меня снова и снова искать средства выражения. Работы остаются как бы незавершенными, и это хорошо, потому что я не делаю картину, а просто, рисуя, не умираю (Мария Шалито).
Невозмутимая, неодушевленная красота одиноких предметов в работах Марии Шалито завораживает магией аскетизма, порой приводит в замешательство…
Мария Шалито самозабвенно занялась живописью в начале 1990-х после окончания Московского архитектурного института. Изображая в своих работах обыденные вещи, она передает нечто потустороннее, архитектонически идеальное. Будучи наследницей метафизического направления в искусстве прошлого столетия, она ориентирует зрителя на интеллектуальное прочтение своих работ, используя при этом осознанную, почти академическую манеру живописи. Оперируя чистыми предметами, она наделяет их таинственной душой и метафорическим содержанием (Андрей Ефимов, cargocollective.com).
Желаем удачи на 117-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220523_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220523_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
