Открыты 40-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   03 ноября 2020

Каталог составила скульптура Pata, Андрея Бисти, Наталии Вяткиной, Михаила Дронова, Кирилла Протопопова, Сергея Смурова, Елены Суровцевой, Олега Цхурбаева

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 354 и 40-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

О современной скульптуре в начале 2000-х образно писал С.И. Орлов: «Со времени первого тридцатилетия XX века — периода подъема европейской пластики — пластика стала “многомерным“ фантастическим существом со множеством свободно соединенных «тел“» (цит. по: cyberleninka.ru).

«Возникает парадокс: чем формы кажутся более простыми, тем более загадочной становится личность скульптора. В свое время Дмитрий Плавинский обозначил этот процесс следующим образом: “Стихия искусства не в познании мира и его отражении, а в создании неведомых духовных пейзажей... Принято думать, что художник раскрывает себя в своих произведениях. Совсем обратное — художник шифрует свое «Я» системой иероглифов. Прочесть их дано не каждому, и последний из символов прочтению не поддается”» (Е.О.Романова, cyberleninka.ru).

Pata. Синяя птичка. 2020

Автор композиции из стали «Синяя птичка» (2020) — скульптор Паата Мерабович Мерабишвили, Маленькая синяя птичка легко опустилась в нежные женские руки — и все вокруг осветилось, заиграло яркими веселыми красками, детали скульптуры как будто ожили и начали двигаться. Вот такой символ счастья открывает наш сегодняшний каталог.

«Паата Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а её внутреннюю составляющую, её изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов.

Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объёмы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивные, динамичные, полные метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве» (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Андрей Бисти. Пипирсинг. 2010

«В детстве мечталось о чем-то героическом, поэтому хотелось сначала стать пограничной собакой, потом пожарником и носить до блеска начищенную каску… Не сложилось. Недалеко от дома находилось ремесленное училище, во дворе которого стоял ящик с отходами производства. В нем среди металлической стружки было много разных железных штучек, которые постепенно перекочевывали ко мне под кровать. Так началась любовь к металлу, которая впоследствии превратилась в занятия офортом и сварной, кованой скульптурой. Это не металлолом, это любовно зовется “железяки восемнадцатого века”. Мне всегда было странно, что такие вот вещи валяются просто как мусор. Старая ржавая вещь наполнена внутренней историей. Ее “вторая жизнь” в современном интерьере, в новых пространствах, совершенно оправданна, на мой взгляд… Это антиквариат, но антиквариат другого рода, другого свойства. В небольших вещах важна тактильная память, ее накопление во времени: кузнец, хозяин-другой, ржавчина — как прикосновение времени, потом я…» (Андрей Бисти, gallerykino.ru).

«Я нахожу старые, использованные, ненужные предметы и делаю их элементом скульптурной композиции. Так у меня совершенно неожиданно вещи получают новое прочтение. Таким образом, я даю никому не нужному предмету новую жизнь. Но вдруг, соединяя его с чем-то ещё, рождается доселе не существовавшее. И формально, и литературно, и по смыслу.

Материал, в данном случае — металл, тебе сопротивляется, а ты его режешь, будто масло. Приятное ощущение. Но если б сейчас настоящий сварщик увидел эту экспозицию, он бы поставил мне двойку. С точки зрения соблюдения технологии я делаю всё наоборот: люблю брызги, специально чиркаю металл электродами. Но зато добиваюсь нужной мне фактуры. Что сказать — у меня художественный, а не утилитарный подход к сварке, и это единственное моё оправдание» (Андрей Бисти, lpgzt.ru).

«Удача вольной комбинации капустной сечки с дверной петлей вовсе не в том, что когда-то в какую-то избу забрели Пересвет с Ослябей и умяли там целую бочку кислой капусты, чтобы набраться богатырских сил перед Куликовской битвой, а в том, что сообща эти две бытовые крестьянские железяки изумительным образом напоминают первые в истории человечества изображения атлетических мужских фигур. Если композицию “Пипирсинг” выставить в любом археологическом музее мира, она там будет смотреться как родная. Широко распространенный обычай подвешивать кольца к различным частям тела у всех народов мира имеет вполне определенную благопожелательную цель. Как и всякая окружность, кольцо является универсальным символом бесконечности и в этом смысле ничем не отличается ни от божественного нимба, ни от простецкого бублика» (Андрей Бисти).

Наталия Вяткина. Сидящая. 2016

«Наконец, я поняла, что важно как сделать, а не что. Темы — вечны: материнство, любовь, дружба, ненависть… А вот как сделать, чтобы произведение было оригинальным, „задевало“ зрителя? Произведение должно быть как выстрел, как гром…» (Наталия Вяткина, цит. по: cyberleninka.ru).

Наталия Вяткина «известна в художественном сообществе как мастер, наиболее ярко продолжающая традицию модернизма в современном искусстве. Наследница Наума Габо и Александра Архипенко, Жака Липшица и Осипа Цадкина, отчасти — и Вадима Сидура, Вяткина в своем искусстве при этом сохраняет приверженность и классической традиции, что позволяет ей говорить на незаурядном, глубоко метафорическом языке пластики.

В скульптуре Наталии Вяткиной находит отражение триада, о которой говорил Жак Липшиц: “Я считаю скульптуру законченной, когда она включает три основания: философское, пластическое и изобразительное. Ни одно произведение искусства, не соответствующее этому правилу, не сможет достичь полноты. Поскольку философское основание есть наша моральная пища, пластическое — питает наши чувства, а изображение есть тот проводник, который вместе с пластикой служит выражению философии произведения, его Эстетики, если хотите...”» (Е.О.Романова, cyberleninka.ru).

«Искусство всегда стремилось к условности, буквальность не несет выразительности, эмоций» (Наталия Вяткина, цит. по: cyberleninka.ru).

«Пластика Наталии Вяткиной отличается изяществом, поэтичностью, музыкальностью, певучестью. Линии чаще всего мягкие, округлые. В тех работах, где появляются элементы геометричности, они не диссонируют с доминирующим пластическим решением и звучат гармонично благодаря вдумчиво выбранному материалу.

Движение, ритм, внутренняя энергия, динамика — еще одна отличительная особенность ее работ. <…> В тех же произведениях, которые, казалось бы, должны тяготеть к статике… явно чувствуется внутренний нерв, “внутреннее движение” героя, которые автор передает наклоном головы, руки, музыкального инструмента, изгибом линии тела. При этом пластика отличается изысканностью формы, являя редкий симбиоз внешней, кажущейся легкости и внутренней глубины, философской насыщенности, таящейся во внушительной массивности ряда работ» (Е.О.Романова, cyberleninka.ru).

Михаил Дронов. Шарманщик. 2000 / Похмелье. 1992

«Михаила Дронова называют художником отточенной формы и скульптором-экспериментатором. В его творчестве присутствуют и классическая традиция, и пластическая новация. А фантастический мир его героев насыщен яркими символами — от античности до современности.

Творчество Михаила Дронова — это вымышленная планета со своими причудливыми персонажами. Почерк этого самобытного автора не спутаешь ни с кем из других современных скульпторов.

Михаилу Дронову было всего 25, когда на него обратили внимание критики. Его первую работу Третьяковская галерея приобрела еще в середине 1980-х. С тех самых пор скульптор начал создавать свой пластический мир, насыщенный аллегориями и символами. Но за всей этой метафоричностью — кропотливый труд.

“Мне нравится работать, это трудоемкий процесс, не просто вылепил все и забыл. Если не работать, то вдохновение тоже улетучивается. Если каждый день как пианисты, танцоры не работать, это все куда-то уходит” (Михаил Дронов).

В своей работе художник обращается к самым разным стилям. В одних угадывается язык средневековой скульптуры, другие отсылают к реализму 1950-х, третьи — к античности» (tvkultura.ru).

Кирилл Протопопов. Бык у воды. 2016 / Человек в золотом. 2008

«Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.

Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая» (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).

В скульптуре Кирилла Протопопова образы быка и человека дополнены бронзовыми подвесками — кинетическим элементом, который в разных формах нередко встречается у автора. «Мне кажется, что эти подвески добавляют скульптуре больше декоративности, изящества, легкости. Поскольку я заканчивал дизайн, эти элементы мне очень близки и понятны» (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).

«Малая пластика — вид скульптуры, подчиняющийся особым законам, несущий в себе среди прочих главный признак — стремление к психологизму и обобщению. В то же время скульптура малых форм тесно примыкает к декоративно-прикладному искусству. Создается психологическая связь между автором и зрителем, ощущение, что работа сделана для того, кто внимательно ее рассматривает. К интеллекту зрителя обращены талант и мастерство художника. Средством смыслового общения в этом случае выступает знак с его возможностями представлять, фиксировать определённые свойства и характеристики скульптуры.

Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством» (Екатерина Шмакова, искусствовед).

Сергей Смуров. Балет. 1992

«Как Природа за миллионы лет создавала свои красивейшие ландшафты и уголки нашей планеты, так и Художник, пропуская через свою душу современный мир, накопленный опыт предыдущих поколений художников и природную красоту, при помощи формы, пространства и пластики, создает свой внутренний глубоко индивидуальный мир» (Сергей Смуров). 

«Для меня главным в скульптуре является архитектоническая конструкция человеческого тела. Скульптура напрямую происходит от формы человеческого тела, будь то кикладский идол, архаический курос или модернистский тотем. Я всегда стремлюсь к обобщению и абстрагированию, метафоричности, монументальности образа. <…>  Глаз и ум художника не забывают ничего. Древняя Греция, этрусская бронза, романское искусство — все подспудно живет и питает нас, незаметно, ненавязчиво, но неизбывно» (Сергей Смуров).

Елена Суровцева. Фигура из проекта «Стоящие на снегу» (Девушка с шарфом). 2018–2019

«Так сложилось, что вокруг меня всё время женщины были! Наш отец всегда был занят, его никогда дома не было. Мама, соседки, подружки, сестры — какой-то женский мир был всё время в детстве. И когда я начала лепить — тоже всё время это были почему-то женщины. Я делала то, что я хорошо знаю. Потом я поняла, что это правильно. Потому что мужчину я могу начать лепить, но не так уж хорошо я всё это знаю и чувствую — эту фигуру, её внутреннее состояние. Мне проще создать женскую фигуру, потому что я изнутри что-то чувствую, делаю это в адекватной форме. Вот так вот, почему-то занимаюсь фигурой женской. Портретом тоже.

Я люблю мирное искусство, гармонию в нём, которая воспитывает. Человек, который вырастает рядом с таким искусством, не может убить, врать» (Елена Суровцева, rah.ru).

«Елена Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека. Своеобразно художник подходит и к жанру портрета. В скульптурных портретах она пытается выразить свои размышления о непостижимости природы, одиночестве человека перед лицом времени» (по материалам В. Пацюкова, rah.ru).

«Мне кажется самое главное — это зрелость души. Для художника это важно очень, он может язык не знать, машину не водить, в компьютере не разбираться, но вот это — важно. Особенно в русском искусстве» (Елена Суровцева, rah.ru).

Олег Цхурбаев. Застольная песня. 2003

«Мое кредо — создание художественного образа, доведенного до знаковости, при сохранении четкой фигуративной направленности. Основываюсь на продолжении и творческом переосмыслении традиции осетинского искусства, кобанской бронзы» (Олег Цхурбаев).

«Олег Цхурбаев — художник, умеющий мечтать. Он опирается в своем творчестве на огромный опыт мировой скульптуры и богатые традиции древнего искусства своего народа. Архитектоничность и одновременно интуитивная целостность — особенность его стиля, а интерпретация образов адресует к древним произведениям сарматских и аланских мастеров. Работы Цхурбаева, по стилистике глубоко самобытные, отличаются разнообразием персонажей, в которых есть и глубокое религиозное чувство, и юмор, и мечта. При этом они наполнены высокой образностью и чувством времени.

Свободно владея пластикой различных материалов, Олег Цхурбаев предпочитает работать в бронзе.

Произведения Олега Цхурбаева национальны не столько по развитию определенной тематики, сколько по духу, по образному строю. Скульптуре Цхурбаева присущи символизм и знаковость, суровая торжественность и мужественная простота. Черты архаики проявляются и в композиционном, и в образном решении работ: автор часто отдает предпочтение фронтальной постановке фигур, что характерно для древнего народного искусства. В них нет драматизма, внутренней экспрессии, нет повествовательности, литературно развернутого сюжета, но есть ясно найденный силуэт, организующий работу в пространстве (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI