Открыт 24-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   13 июля 2020

Совместно с искусствоведом Д. Седовой AI представляет выставочный проект «Метафора» и кураторский аукцион, который явился результатом эксперимента, своего рода художественным экспромтом

Онлайн выставка лотов текущего аукциона AI XXI век.

24-й аукцион проекта «XXI век. Современное российское искусство».

Двенадцать крылатых фраз обрели новую жизнь, став объектом исследования современных художников.

Все решал жребий. Художники: Группа IllS, Katran, Наталия и Мария Арендт, Карина Барабанова, Аладдин Гарунов, Александр Захаров, Марина Кастальская, Герасим Кузнецов, Егор Плотников, Анна Руссова, Сергей Шутов вытягивали фант с цитатой. Каждый художник включился в игру и за месяц создал произведение, явившееся результатом размышления о «крылатой фразе».

Самое главное в этом проекте — ход мыслей художника, его интерпретация известной фразы. Каждый художник представил самостоятельную историю, имеющую начало, кульминацию и развязку. Здесь и сказки с грустным концом, и истории с иронией, и глубокие философские размышления, и тонкие поэтические произведения. Разные художники, разные истории — в этом разнообразии и есть прелесть нашей жизни!

Попросив авторов написать небольшой текст о произведении, мы попробовали приоткрыть дверь в творческую кухню и подыграть литературной тематике.

Закодированная чувственность, цветовые пятна музыки, слова, которые нельзя прочитать, можно только почувствовать, — произведения Illegal scion/s сочетают утонченную эстетику Востока и абстрактную чистоту Запада.

•  
  ILLS Untitled. 2018
•  
  ILLS Untitled. 2018

•  
  ILLS Между сновидением и сном. 2020

ILLEGAL SCION>>S (ILLS)— саморганизованная в 2020 году художественная группа, состоящая из одного молодого художника, за спиной у которого немалый бэкграунд. Ища свой путь, художник порывает с собственным прошлым и не только создает собственное альтер эго, но и объединяет все альтернативные реальности в одной группе, закрепляя их манифестом, а мы, зрители, получаем возможность стать свидетелями зарождения и развития нового.

Katran (1970) — художник-исследователь, работающий над созданием сложносочиненных проектов, включающих скульптуру, видео, звук, текст. Художник, чья практика опирается на актуальные открытия современной науки и техники.

Сегодня в нашем мире с ускоренным темпом жизни, в мире, где правит клиповое мышление, человек хочет получить все и сразу, Сергей играет с границами искусства, свободно перемещаясь от одного медиа к другому, и предлагает интеллектуальный эксперимент. Образы, знаки, символы считываются моментально и интуитом, и знатоком, раскрывая тем самым множество слоев постижения. Каждый проект Сергея серьезная игра разума с каплей абсурда. Сергей всегда ставит перед собой интересные задачи — например, авангардную идею материализации слова в мультимедийном проекте «Пока не исчезнет слово». Значительная часть объектов этого проекта была приобретена в 2017 году у художника для парка Этрета (Les Jardins d’Etretat, Франция, https://etretatgarden.fr/). Они органично вошли в структуру парка и располагаются в его части под названием Jardin Zen, которая олицетворяет гармонию единства человека и природы. На официальном сайте парка о Jardin Zen пишут: «Здесь представлены растения исключительно с белым цветением. У зрителя появляется ощущение девственной чистоты в единении с природой. В саду расположилась звуковая инсталляция как идея пробуждения добра. Она помогает открывать новые способы восприятия окружающего мира через искусство»(https://etretatgarden.fr/jardin-zen/).

• Katran Мультимедийный проект «Пока не исчезнет слово». 2016
  Винзавод. Галерея 21
• Katran Мультимедийный проект «Пока не исчезнет слово». 2016
  Винзавод. Галерея 21

• Katran Мультимедийный проект «Пока не исчезнет слово». 2016
  Винзавод. Галерея 21
• Katran Инсталляция из мультимедийного проекта «Пока не исчезнет слово»
  Парк Этрета (Франция)

Биолог по первому образованию и художник по призванию, Сергей Катран давно решил для себя философский вопрос о том, где искать истину, в научных фактах или искусстве.

Мария Юрьевна (1968) и Наталия Юрьевна (1959) АРЕНДТ — представительницы талантливой династии скульпторов: Ариадны Арендт, Анатолия Григорьева и Меера Айзенштадта. Интеллигентно и тонко продолжая традиции, сестры Арендт находятся в постоянном творческом поиске актуальной на сегодняшний день формы.

• Мария АРЕНДТ Сумерки. 2016
  Ткань, вышивка, смешанная техника. 100 × 120
• Мария АРЕНДТ Верхняя Масловка, 9. 2017
  Ткань, вышивка, смешанная техника. 150 × 120

Произведения Марии Арендт узнаваемы и любимы, будь то живопись или знаменитые работы-вышивки, в каждом произведении читается посыл к основным идеям авангарда 1920–30-х годов, но обязательно с юмором, мгновенно возвращающим нас к культуре постмодернизма.

• Наталия АРЕНДТ Табуретка. 2007
  Дерево, смешанная техника. 55 × 35 × 35
• Наталия АРЕНДТ Белая пиала и инжир. 2015
  Холст, масло, смешанная техника. 90 × 100

• Наталия АРЕНДТ Утварь. 2008
  Холст, масло, объекты. 90 × 110

Наталия Арендт представила на аукцион скульптуру. Обобщение формы, уход от детализации — все это связывает Наталию-скульптора с ее знаменитой бабушкой, Ариадной Арендт. В скульптурном объекте пластика сродни архитектуре, лишенной повествовательности, в нем нет ничего частного, поверхностного, внешне эффектного — одаренность Арендт в глубинном постижении образа, в его цельности и в особом умении пластически воплотить свое внутреннее видение.

Карина Анатольевна БАРАБАНОВА (1967) — автор скечей, набившая руку на глянцевой культуре, она семнадцать лет создавала иллюстрации для российского PLAYBOY и других глянцевых журналов.

• Карина БАРАБАНОВА Поле. Композиция из проекта «Индиана». 2019
  Холст, акрил. 60 × 60
• Карина БАРАБАНОВА Композиция из проекта «С Вами всё ясно». 2017
  Бумага, акрил, карандаш. 96 × 62

• Карина БАРАБАНОВА New Legs. 2019
  Холст, акрил. 60 × 70

Карина создала произведение в традициях классического поп-арта. Художник вступает в иронический диалог с культурой потребления, представив написанный на холсте скриншот страницы крупнейшей в мире платформы электронной коммерции с ярким, узнаваемым образом популярного эмодзи. Знакомый образ, яркий цвет — упрощенные, но действенные маркеры того или иного понятия. Так ли все просто? Концентрируя общие понятия психологии интернет-культуры, Карина подчеркивает неоднозначность столкновения контекстов традиционного наследия и современного мира.

Аладдин Рамазанович ГАРУНОВ (1956) — современный художник, скульптор, график, автор тотальных инсталляций, среди которых проект «Тотальная молитва» — номинант Премии Кандинского в 2012 году. Учился в Дагестанском педагогическом институте, затем в Московском высшем художественно-промышленном училище им. С.Г. Строганова.

• Аладдин ГАРУНОВ Пришельцы. Из серии «ЭТНО-ТЕХНО». 2018
  Холст, акрил, ковер, резина. 200 × 150
• Аладдин ГАРУНОВ Присутствие пейзажа II. 2016
  Холст, акрил, резина, клейкая лента. 120 × 80

• Аладдин ГАРУНОВ Из проекта «Святые». 2009
  Холст, акрил, серебряная нитрокраска, резина. 200 × 150
• Аладдин ГАРУНОВ Без названия. Из серии «Высокая мода». 2015
  Холст, нитрокраска, акрил. 195 × 145

Аладдин органично сочетает в своем творчестве современный постмодернистский взгляд с элементами традиционной культуры Дагестана, где он родился и вырос. Взгляды художника формировались под влиянием русского и европейского авангарда начала XX века, американских художников «Нью-Йоркской школы».

В неожиданных сочетаниях материалов, например резины и фрагментов ковра ручной работы, возникает диалог двух культур, двух миров — технически развитый и быстро меняющийся Запад и консервативный, с глубочайшей философией, Восток. Художник затрагивает такие важные темы, как проблемы глобализации, исчезающие традиции и духовные поиски. Лаконичными, но эффектными художественными приемами Аладдин добивается поразительного эффекта: многие отмечают мощнейшую энергетику произведений.

Александр Витальевич ЗАХАРОВ (1960) — признанный художник, автор фантастических, сказочных, по-детски трогательных картин, где воображаемый игрушечный мир кажется реальностью. Учился Захаров в Московском академическом художественном училище. В конце восьмидесятых эмигрировал в Америку. Сегодня он живет и работает по обе стороны океана — в России (Москва), в Америке (Нью-Йорк), в Европе (Берлин).

Александр ЗАХАРОВ Раздвоение. 2015–2018
Лентикулярная печать с добавлением анимации. 120 × 120

Александр ЗАХАРОВ Без паники. 2015–2018
Лентикулярная печать с добавлением анимации. 120 × 120

Он настоящий мастер миниатюры. Его работы прошлых лет небольшого формата, как правило 20 × 20. Пейзажи — сады или сами цветы, написанные в стиле гиперреализма, — становятся фоном для концептуальной сказки. На контрасте с идиллической красотой персонажи, куклы Barbie и розовые игрушечные мишки, повторяют реалии нашей жизни с её простыми радостями и суровыми уроками. 

В последнее десятилетие художник переосмысливает свое творчество обращением к лентикулярной (стерео) печати. Живописные миниатюры увеличиваются многократно, пространство обретает глубину, а персонажи — движение. Многим эта технология знакома как т. н. «мерцающие картинки», она позволяет представить трехмерное изображение в двухмерном пространстве. Смотря на изображение под разными углами, зритель становится своего рода соучастником, контролируя скорость и последовательность движения. Актуализируя свои прошлые произведения, Александр не только предлагает абсолютно новое по форме и сути произведение — художник обозначает и изучает важнейшие вопросы сохранения искусства в эпоху цифровых технологий.

Марина Александровна КАСТАЛЬСКАЯ (1948) занималась в Художественной школе, где преподавали Табенкин и Рогинский. Их, как своих первых учителей, Марина помнит и ценит, особенно важны для художника-графика уроки Рогинского. Окончила Полиграфический институт, работала в мастерских Союза художников: Челюскинская, Коломенское, Таруса.

Для проекта «Метафора» художница представила литографии из серии «Памятник Цветаевой», выполненные в 1986 году.

1986 — знаковый год для Марины, она называет этот период «романтическим реализмом»: «...в таком счастье и полноте я жила и рисовала то, что больше всего любила: Работу и Природу».

Кастальская всегда работает сериями, особенно в графике. Особенными для нее становятся серии работ, посвященные поэтам: Ахматовой, Бродскому, Мандельштаму, Державину, Пушкину и одному из самых любимых Кастальской поэтов — Цветаевой. Марина формирует высказывание, заключая его в знак, символ. Одним из знаков в графической серии «Памятник Цветаевой» является книга, олицетворение пути, судьбы и стремлений поэта.

• Марина КАСТАЛЬСКАЯ Бродский
  Холст, смешанная техника. 100 × 80
• Марина КАСТАЛЬСКАЯ Мандельштам. 2013–2015
  Холст, бумажная масса. 100 × 80

Точная композиция, выстроенная структура, ощущение веса, и необычайная динамика сочетания тонкой и грубой штриховки — графические листы 1980-х годов находятся в музейных собраниях.

В начале 1990-х опыт работы с графикой трансформировался. Марина нашла свой уникальный путь, создавая произведения из бумажной массы с добавлением различных материалов и нанесением углубленного рисунка. В Русском музее работы этого периода называют «монументальной графикой».

Герасим КУЗНЕЦОВ (1961) — художник и куратор. Выпускник знаменитой Британки (Британская высшая школа искусств и дизайна), Герасим Кузнецов имеет за спиной большое количество выставок, среди которых стоит отметить кураторские проекты «Сыновья Большой Медведицы» (2011), «Одиночное плавание» (2012), «ProНежность» (2013), «Том Первый. Небо» (2015), «Снежинка» (2016) и многие другие. Художник-концептуалист, Герасим Кузнецов рассматривает то или иное явление с разных точек зрения или разворачивает событие во времени. Меняя местами предмет, его изображение или пояснительный текст, художник представляет одновременно несколько смысловых уровней, направляя зрителя к ключевому вопросу, который позволит самостоятельно найти ответы. Некая эмоциональная отстраненность произведений взывает к интеллектуальному осмыслению событий, включение в экспозицию или предмет фрагментов телевизионных новостей или броских заголовков лишь отражает беспомощность подобных эмоций для анализа ситуации.

• Герасим КУЗНЕЦОВ Переправа
  Холст, масло. 75 × 135
• Герасим КУЗНЕЦОВ Орбит
  Холст, масло. 60 × 80

Темы, интересующие художника, необычайно разнообразны: социальные, политические, личностные и общечеловеческие. Пробираясь через гул эмоций, лжи во имя и полуправды, Кузнецов разбивает «непонятное» целое, чтобы из кусочков создать настоящее.

В сущности, каждая работа Герасима — это отдельный проект, а каждый проект настоящая мозаика картин и предметов, складывающаяся в целостное произведение.

Егор Александрович ПЛОТНИКОВ (1980) учился в Вятском художественном училище им. А. А. Рылова (1995–2000), затем в Московском государственном академическом художественном институте имени В. И. Сурикова, в мастерской Павла Никонова — художника, с именем которого связано обновление живописного языка в 1960-х, положившего начало «суровому стилю».

В своем творчестве Егор исследует тему реального пейзажа как социального ландшафта. Являясь продолжателем традиций русской пейзажной живописи, но актуальной, на новом витке её развития, Егор предлагает форму диптиха, где есть «классический» пейзаж и скульптура, которая существует в двух измерениях: она втянута в пространство картины как персонаж и в то же время является частью реального мира, зрителем.

Изображенные пейзажи находятся на грани человеческого обитания и дикой природы, художник редко пишет их с натуры, Егор переносит на холст воспоминания, впечатления, мелькнувшие в окне машины картинки. Может, поэтому они кажутся такими знакомыми, такими родными? Геометрические белые пустоты в пейзаже олицетворяют образ нашей памяти, которая сохраняет лишь фрагмент целого, все остальное — домысливание. 

• Егор ПЛОТНИКОВ Осенний пейзаж. 2020
  Холст, масло. 170 × 250
• Егор ПЛОТНИКОВ Хорошее предложение. 2014
  Холст, масло. 170 × 250
  Объект: папье-маше, акрил, 43 × 10 × 20

Для Егора Плотникова главный герой сам зритель. Увлекая смотрящего в глубь живописных пейзажей, художник ставит вопрос: «возможен ли сегодня прямой контакт зрителя с искусством и человека с реальным пространством?».

 Анна Юрьевна РУССОВА (1974) — художник, начавший свой путь в актуальное искусство с крупного международного фестиваля «АРТКлязьма» в 2004 году, куда ее пригласил Владимир Дубосарский. Выпускница МГОПУ им. Шолохова, по специальности «дизайнер», Анна сознательно балансирует на грани искусства и дизайна, ища художественные компромиссы. Номинант Национальной премии в области современного искусства «Черный квадрат», Анна участвовала в таких проектах, как «ARTерия» (паблик-арт- проект в Морозовской детской больнице, 2016), «Вишня подземная» (2017), «Актуальная Россия. Взрослый выбор» (2019) и других, провела ряд персональных выставок, среди которых можно отметить «Пульт управления» (2016) и «Выставка двух женщин, которые решили, что они художницы» (с Надей Албул, 2018).

• Анна РУССОВА Моя рука
  Керамика, проволока. 22 × 19
• Анна РУССОВА Объект с цветами
  Ткань, вышивка, керамика, 40 × 25

Выводя социальные и психологические темы на первый план, Анна в то же время облекает идею в образы популярные, всегда поданные с юмором. Шаг за шагом, проект за проектом Анна населяет выдуманный мегаполис персонажами — одинокими, размышляющими, иногда беспомощными, но всегда трогательными и всегда любимыми самим автором.

Сергей Алексеевич ШУТОВ (1955) — один из самых ярких художников авангардного направления. Еще в конце 1980-х — 1990-х годах Шутов стал первопроходцем видео-арта, мультимедиа, клубной культуры и диджейства (в легендарном клубе «Птюч»). В 1986 организовал первую персональную выставку «Памяти Даниила Хармса» в Музее Маяковского. Представитель «новой волны», Сергей Шутов принял участие в знаменитой 17-й Молодежной выставке. Здесь будет уместно вспомнить и художественное оформление фильма «Асса», где Шутов выступил не только как художник, но и как исполнитель одной из ролей. А после успеха на первом московском аукционе Sotheby's в 1988 году Сергея Шутова приглашали с персональными проектами разные европейские арт-институции. В 1992 создал первую мультимедийную инсталляцию в России «Чувственные опыты», тогда же основал и возглавил Институт технологии искусства. Несмотря на активные эксперименты с медиа в искусстве, Сергей Шутов никогда не оставлял живопись как технику, талантливо сочетая и то, и другое. Психоделические образы кислотного космоса сочетаются с визуальными постулатами художников авангарда 1910–20-х годов, киберпанковский футуризм — с академическими штудиями, а тонкая метафора соседствует с упрямой наукой, и все прошито крепкими нитками философии — собственный путь художника уникален и узнаваем.

• Сергей ШУТОВ Композиция из проекта «Фосфены и мы». 2011
  Холст, масло. 180 × 140

2001 год был ознаменован несомненным успехом инсталляции «Абак» в русском павильоне на Венецианской биеннале. В 2007 году прошла ретроспективная выставка Сергея Шутова «Необходимое и необязательное» в Московском музее современного искусства (artinvestment.ru).

Дария Седова, специально для AI
Фотографии и описания работ предоставлены авторами