«XXI век. Современное российское искусство» — V
ARTinvestment.RU   02 марта 2020

Представляем творчество 10 художников современной российской арт-сцены: Светланы Атахановой, Наталии Глебовой, Ильи Комова, Ольги Мотовиловой-Комовой, Игоря Неживого, Наталии Толстой, Гоги Тотибадзе, Татьяны Файдыш, Юрия Шабельникова, Марии Шалито

Продолжатели модернизма, с одной стороны, и приверженцы классических традиций, с другой, все эти авторы создают удивительные миры, наполненные различными символами, скрытыми знаками и смысловыми ассоциациями и позволяющие окунуться в атмосферу современной художественной жизни.

Произведения этих художников можно увидеть на AI Аукционе № 319_XXI (2–6 марта 2020 года). Куратор Л. А. Кашук.

В творчестве московской художницы Светланы Владимировны Атахановой (1961) главенствуют пейзаж и натюрморт, она продолжает постимпрессионистическую и авангардную изобразительную традицию. Ее натюрмортные композиции, согласно сезанновскому принципу, — это самостоятельные психологические образы, в которых превалирует внутренняя динамика и открытая, ощутимая эмоция. Работы Светланы Атахановой монументальны, а формы — предельно обобщены и лаконичны. По словам художницы, ей «не интересно писать зеркальное отражение Природы. Достаточно зарисовки цветовых отношений, так как многие детали не важны — важна суть». Экспрессивный, насыщенный колорит полотен отражает увлечение ориентализмом, проходящее красной нитью через все творчество Светланы Атахановой. Вместе с тем этой активности и плотности художница зачастую достигает при помощи акварели, пластические возможности которой выражают ностальгию по естественной, «природной» жизни и отражают главную идею творчества мастера — идею открытого, яркого мира.

Продолжательницей наивного направления в искусстве является московская художница Наталия Васильевна Глебова (1951). В стремлении изобразить поэтичный и возвышенный художественный мир Наталия Глебова выстраивает свою изобразительную систему, в которой наивное, примитивистское начало соединяется с профессиональным мастерством живописца. Несмотря на то, что миры, созданные художницей, кажутся фантастическими, Наталия Глебова сохраняет верность натуре и отталкивается от повседневных сюжетов, пережитых чувств и воспоминаний. На ее полотнах — настоящие люди и пейзажи, живые и искренние, всегда по-детски трогательные и сентиментальные. Художница тем самым переносит нас в свою реальность, в которой предметы словно парят в пространстве, выходя за пределы холста. Наталия Глебова отказывается от плотной, густой живописи, фактурности изображаемых элементов. Наивности и трогательности художница достигает при помощи высвеченного колорита, акварельности и воздушного сфумато, окутывающего ее образы полупрозрачной дымкой, сквозь которую порой пробиваются звенящие лучи света.

В стремлении перевести окружающий мир на язык цвета, Илья Олегович Комов (1965) с раннего творчества использует яркую, насыщенную цветовую гамму, контрастные сочетания цветов. Главным методом Ильи Комова является работа над взаимоотношениями крупных цветовых поверхностей, которая берет истоки не только в искусстве авангарда, но и в многовековой традиции русской монументальной живописи. Его работы подобны иконописным образам, благодаря особой чистоте линии, цвета и формы и одухотворенности, наполняющей его произведения. Искусство Ильи Комова отличает особая поэтичность внутреннего строя, хрупкая лиричность сюжетной основы, яркие цветовые решения и смелая композиция, преображающая знакомые урбанистические мотивы.

Чувство цвета отличает работы и Ольги Игоревны Мотовиловой-Комовой (1969), супруги Ильи Комова, встреча с которым сыграла важную роль в ее творческом становлении. Художница, как и ее супруг, стремится освободить цвет и подчинить ему форму и остальные композиционные элементы. Ольга Мотовилова-Комова так же обращается к древнерусской изобразительной традиции, заимствуя кротость образов, ясную форму и чистый, локальный цвет, лишенный сложных светотеневых переходов и рефлексий. «Своим ярким искусством художница утверждает пластические достоинства живописи, где само построение цветового пространства на картинной плоскости рождает яркий, пронзительный образ. Уникальность редкого таланта Ольги Мотовиловой-Комовой состоит в том, что при построении картинной плоскости по принципам монументальной фрески декоративное цветовое пятно всегда ясно выражает конкретный объем и глубоко проработанное пространство. Видимо, дело в том, что свой творческий путь Ольга начала как скульптор, тем более что талант восприятия формы для нее — генетическое наследие. Ведь ее дед — выдающийся русский скульптор ХХ века Георгий Иванович Мотовилов, автор скульптурного оформления станций метро «Проспект мира», «Смоленская», «Электрозаводская, «Октябрьская», «Парк Культуры». Искусство Ольги Мотовиловой-Комовой удивительным образом сочетает в себе противоположное — мощную волевую монументальность и мягкий лиризм» (Илья Комов, член-корреспондент РАХ, motovilova.com).

Творчество незаслуженно малоизвестного художника Игоря Сергеевича Неживого (1967–2015) апеллирует к неоднозначным философским рассуждениям и разнообразным художественным задачам. В произведениях художника на первый взгляд отсутствует какая-либо сложная сюжетная фабула — его образы очень искренние и наивные, порой излишне декоративные и даже мультипликационные. Тем не менее с их помощью Игорь Неживой решает интересующие его задачи: экспериментирует с формой, деконструируя плоскость своих холстов, раскладывает изображение на грани в соответствии с кубистической формулой, изучает особенности цветовых соотношений и различных техник, обращаясь к опытам то импрессионистов, то авангардистов. Одной из главных проблем, увлекающих художника, становится дефрагментация и пикселизация пространства, являющая зрителю мир таинственных образов, доступных сознанию лишь самого автора. В работах Игоря Неживого завораживает гармония геометрии, тесно сплетающаяся с нарочитой примитивизацией и декоративностью образов, подкупающих своей наивностью и детской простотой.

Наследие авангарда прочитывается в работах московской художницы Наталии Олеговны Толстой (1954), принадлежащей к потомственному роду графов Толстых. Подобно авангардистам, художница начала свой путь с фигуративного искусства, но по мере творческого развития Наталия Толстая отходит от реалистического направления и углубляется в исследование возможностей формы и цвета. Идя по стопам кубистов и дадаистов, художница придерживается коллажного принципа, дополняя холсты различными элементами: фрагментами тканей и фотоснимками, металлическими пластинами, нитями и проволокой. Они оживляют плоскостное изображение и становятся «говорящими» деталями — своеобразными знаками и иллюзорными уловками. Именно они позволяют художнице варьировать пластическое пространство, добавлять объем и осязаемость своим произведениям.

В своих работах Наталия Толстая раскрывает сложные визуальные образы, выражающие художественную эстетику XXI века. Строгость линий и форм ее полотен соседствует с активными монохромными цветовыми сочетаниями и минимализмом изобразительной пластики, благодаря которому произведения приобретают монументальный, величественный характер. С помощью намеренной геометризации, многогранных образов и таинственных символов художница словно играет с подсознанием зрителя, подталкивая его к рефлексиям и философским рассуждениям.

В творчестве Георгия Георгиевича Тотибадзе (1967) важное место занимает пейзаж, интерпретированный им в соответствии с европейской пейзажной традицией. Спокойные, величественные природные мотивы, далекие от конкретики и, скорее, являющие собой некий обобщенный образ, близки к классическим вариациям Пуссена. Подобно французскому художнику, Гоги Тотибадзе выстраивает свой мир — мир идеальной красоты, в котором природа становится воплощением величия и совершенства. Одним из любимых приемов композиционного построения становится вид с высоты птичьего полета, который позволяет художнику изобразить природу и ландшафт в виде геометрической абстракции. Пейзажи Тотибадзе зачастую бессюжетны — они представляют собой фиксированное впечатление, в котором художник уделяет особенное внимание композиции и цвету. Благодаря тонкому чувству живописи, Гоги Тотибадзе находит гармонию между цветом и светом, контрастные сопоставления которых рождают динамическое напряжение. Вместе с тем пейзажи, пропитанные умиротворенностью и покоем, написаны легко и свободно с помощью многочисленных лессировочных слоев, выстраивающих один за другим всю композицию. В его работах доминируют природные оттенки, подчеркивающие обостренное чувство природы. «Когда живешь в бетонном городе, все время испытываешь ностальгию по природе, — говорит художник. — В лесу комфортно находиться, когда впереди есть свет, который манит тебя. Это как в жизни — можно оставаться среди свободных деревьев, а можно постоянно двигаться вперед».

Татьяна Андреевна Файдыш (1955) активно оперирует достижениями прошлой эпохи, сохраняя при этом индивидуальный почерк. В ее произведениях отчетливо читается влияние художников авангарда, что сказывается на особом внимании к пространству и фактуре, декоративным возможностям цвета, неклассическим композиционным решениям. Несмотря на абстрактный характер произведений, Татьяна Файдыш придерживается ясной изобразительной формы, руководствуясь реальными жизненными впечатлениями. В ее работах всегда есть фабула, сюжет, который художница изображает с помощью геометрических элементов, соединяя крупные и правильные плоскости локального цвета с линейным рисунком. Произведения Татьяны Файдыш — это всегда привычные повседневные сцены: свидания молодых людей, игры в карты или в волейбол, визиты к парикмахеру, бегущие или бастующие люди. Вместе с тем кубистическая манера письма, контрастные цветовые сочетания, острые силуэты форм и цветовых пятен, безличность и декоративность не позволяют погрузиться в атмосферу изображаемых событий и напрямую взаимодействовать с композицией. Зритель всегда остается сторонним наблюдателем и абстрагированно воспринимает художественные образы, созданные представительницей «немого поколения».

Юрий Леонидович Шабельников (1959) стал известен на московской арт-сцене в начале 1990-х годов вместе с остальными членами товарищества «Искусство или смерть» — Авдеем Тер-Оганьяном, Валерием Кошляковым, Александром Кисляковым и другими. Участников «товарищества», в том числе самого Юрия Шабельникова, отличала приверженность живописи, тяга к пластическому и простейшей «визуальной культуре».

В дальнейшем художник работает над темой разрушения советского наследия, его символов и мифов и обращается в сторону концептуального искусства. Творчество Юрия Шабельникова многопланово и разнообразно: художник переосмысливает библейские тексты через драматургию, воссоздает кадры из кинолент минувших дней, пишет советские заводы, рассуждая о теме труда и развитии искусства и современного общества. Юрий Шабельников создает мощные по своей визуальной энергии изображения, выполненные в классической для художника графичной монохромности. Его произведения из серии «Конец фильма», истоки которого лежат в искусстве поп-арта, — это образы ретро-эпохи, которые, с одной стороны, позволяют погрузиться в удивительную атмосферу Золотого века Голливуда и его сияющего великолепия, но с другой — свидетельствуют об утраченных надеждах и безвозвратно ушедшем прошлом. С помощью широких мазков, размытого контура и серой цветовой гаммы Шабельников словно фиксирует кадры черно-белого кинофильма, покрытого патиной времени.

Марию Андреевну Шалито (1964), как наследницу метафизического направления в живописи, увлекают магические знаки и таинственные смыслы, скрытые метафоры и иносказания. В своем творчестве художница отказывается от традиционных толкований и вещественности. Ее работы наполнены мистическим звучанием, магией отчужденного и застылого мира, пустынного пространства и аскетизма. Мир Марии Шалито подобен сну, в котором один за другим возникают созданные ею образы, завораживающие неподвижной красотой и застывающие в воздухе. Несмотря на изображение реальных, повседневных вещей, художница выходит за рамки общепринятой логики и погружается в мир ирреальности, наполненный символическими смыслами и реминисценциями, населенный вещами и одинокими людьми, которые замирают на ее холстах, подобно статуям. Акварельная, дымчатая манера письма и преимущественно холодная, серебристая цветовая гамма передают настроение покоя и отчужденности, свойственное миру ее работ.

Тамара Карюк