Открыт 115-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   09 мая 2022

В каталоге представлены 10 лотов — печатная графика Анри Матисса, Жоана Миро и Марка Шагала

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 429 и 115-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Анри Матисс, Жоан Миро и Марк Шагал на протяжении своей плодотворной творческой карьеры осваивали выразительные возможности печатной графики и внесли весомый вклад в развитие искусства книжного оформления, проявив большую степень творческой свободы.

К жанру livre d’artiste Матисс обратился довольно поздно по сравнению с коллегами по цеху, лишь в начале 1930-х годов, однако это не помешало ему стать новатором и в сфере книжного оформления. Библиофилы насчитывают около 14 книг, оформленных художником, каждая из которых несет отпечаток индивидуального авторского стиля. Среди наиболее значимых изданий, проиллюстрированных Матиссом, можно выделить поэтические сборники: «Стихотворения» С. Малларме (1932), «Лики» П. Реверди (1946), «Цветы зла» Ш. Бодлера (1946), «Цветы любовной лирики» П. Ронсара (1948), «Поэмы» Ш. Орлеанского (1950), «Из посланий к Лу» Г. Аполлинера (1955), а также романы: «Пасифая» А. де Монтерлана (1944), «Возвраты» (1947) и «Аполлинер» (1955) А. Рувейра, «Португальские письма» М. Алькафорадо (1946), а также альбом «Джаз» (1947), где он выступил одновременно как автор и оформитель.

В 1940-х годах Матисс начал работать в технике декупажа (от фр. découper — вырезать), или, как он сам называл свой творческий метод, «рисования ножницами». Он вырезал из листов бумаги, окрашенных гуашью, различные фигуры, создавал с ними оригинальные композиции, отличающиеся свободной компоновкой элементов. В результате декупажи Матисса суммируют его опыт как живописца и графика. В этих произведениях ярко проявилось игровое начало, а также свободный импровизаторский дух. Так, художник остался верен эстетическим принципам фовизма, задействуя в характерной для него манере чистый цвет, оказывающий непосредственное эмоциональное воздействие на зрителя.

Многие декупажи Матисса получили широкую известность, часть их была репродуцирована в качестве отдельных литографий. Одной из самых знаменитых стала серия «Голубая обнаженная». Работы этого цикла многократно воспроизводились в печати и стали вызывать устойчивые ассоциации с именем художника. Матисса как живописца всегда привлекала красота и пластика женского тела, и он продолжил исследование его выразительных возможностей с помощью ножниц и бумаги, создавая различные вариации изображений обнаженной натуры. Вырезая абстрактные фигуры с плавными контурами, условно напоминающие формы женского тела, художник составлял из них плоскостные силуэтные композиции с женскими фигурами в различных позах — сидящих, стоящих, лежащих, прыгающих на скакалке. Все работы выполнены в лаконичной бело-голубой цветовой гамме, которая во многом обуславливает эстетическую привлекательность образной составляющей всей серии. Женщина в интерпретации Матисса сводится к знаковому образу, очищенному от любого рода индивидуальных характеристик. В какой бы позе ни пребывали обнаженные героини художника, они предстают перед зрителем в своем изначальном естественном состоянии — свободными, раскованными и верными своей природе.

Серия «Голубая обнаженная» мгновенно привлекла внимание ценителей искусства и широкой публики. Так, по инициативе директора Музея Стеделийк в Амстердаме Виллема Сандберга в 1960 году была организована выставка декупажей Матисса с изображением голубых обнаженных (Henri Matisse: les grandes gouaches découpées. 29.04–20.06.1960). Примечателен и выставочный каталог: над его оформлением работал сам директор музея — талантливый дизайнер. Для репродуцирования работ Сандберг использовал технику шелкографии, которая достоверно передавала фактуру декупажей, а также ощущение свободного пребывания женских фигур в пространстве белого листа. Сандберг даже дерзнул несколько снизить интенсивность насыщенного голубого цвета оригиналов Матисса, добившись более нежного оттенка, что, на его взгляд, в большей степени подходило для издания. Специалисты высоко оценили дизайн каталога, назвав его одной из «самых успешных печатных интерпретаций “Голубых обнаженных”» (centrepompidou.fr).

Позднее листы из каталога Сандберга экспонировались на выставках Матисса как самостоятельные произведения искусства. В частности, их можно было увидеть в экспозиции выставки «Матисс как роман» (21.10.2020 — 22.02.2021), проходившей в залах Центра Жоржа Помпиду.

В творчестве каталонского живописца Жоана Миро печатная графика также занимает значительное место. С художником сотрудничали ведущие послевоенные европейские издатели «книги художника» — Э. Териад, Э. Маэг, Л. Бродер, Ж. Крамер, И. Зданевич. Миро оформил более двадцати книг, большая часть из которых была издана в 1940–70-е годы. Среди изданий, над которыми работал художник, особенно выделяются оформленные им поэтические сборники: Тристан Тцара «Дерево путешественников» (1930), «Говорить одному» (1948–1949); Ж. Превер «Адонис» (1975–1978); П. Элюар «Испытание выдержав» (1958); М. Лейрис «Багатели» (1956), «Трещины» (1972); Р. Кревель «Кольцо Авроры» (1957); И. Боннефой «Анти-Платон» (1962); А. Бретон «Созвездия» (1959), П. Неруда «Оставшийся в живых посещает птиц» (1972). Художник иллюстрировал преимущественно сборники своих друзей — французских поэтов Т. Тцары, А. Бретона, Ж. Превера, П. Элюара, И. Боннефоя. При этом зачастую сами авторы просили его оформить их издания, доверяя его художественной интуиции и способности дополнять своими причудливыми композициями образно-символический ряд поэтических текстов. Дадаист Т. Тцара, в частности, отмечал, что Миро «чувствует те основы, к которым приближается человек в состоянии обнаженности сознания» (Книги из собрания Марка Башмакова. Paroles peintes: каталог выставки. СПб: Гос. Эрмитаж, 2015. С. 301). Миро также проиллюстрировал собственную поэму «Ящерица с золотыми перьями» (1971), написанную методом автоматического письма, который пропагандировался в кругах сюрреалистов. Сборники поэзии, несомненно, предоставляли Миро большую степень творческой свободы, не ограничивая его сюжетной канвой, что давало ему возможность беспрепятственно задействовать свой оригинальный стиль, окрашенный сюрреалистической эстетикой. Художник избегал прямолинейности и оперировал иносказаниями, ассоциациями и символами; его работы рассчитаны в большей степени на интуитивное, нежели логично-рассудочное понимание. В них, как правило, подчеркнут процесс спонтанного рождения формы за счет многочисленных брызг, затеков, следов кисти, пятен, хаотичных линий — необходимых элементов его композиций. Миро использовал яркие локальные цвета, добиваясь их контрастного сочетания. Его иллюстрации содержат лишь отдаленные намеки на сюжеты стихотворений, побуждая читателя к сотворению смысла. Полуфигуративные образы художника, вдохновленные детским творчеством и отдаленно напоминающие объекты реального мира, апеллируют в первую очередь к подсознанию зрителя, способствуя рождению у него собственных ассоциаций. Таким образом, иллюстрации Миро являются ненавязчивым проводником в мир поэзии: будучи воплощением творческой свободы автора, они предоставляют эту свободу и читателю, раскрепощая его воображение.

Миро также много сотрудничал с печатными изданиями, среди которых особенно выделяется журнал Derriere le Miroir («За зеркалом»), который был основан в 1946 году французским издателем, коллекционером и арт-дилером Эме Маэгом и выходил вплоть до 1982 года. Маэг состоял в дружеских отношениях практически со всеми выдающимися европейскими модернистами (среди которых был, разумеется, и Миро), работы которых регулярно выставлялась в его парижской галерее. На страницах его журнала печатались и произведения ведущих поэтов и писателей (Г. Аполлинера, М. Арлана, А. Бретона и др.), и литографии художников и скульпторов. Довольно часто целый номер был отведен отдельному современному автору, который принимал участие в его оформлении и создавал литографии специально для издания. Ряд номеров Derriere le Miroir был посвящен исключительно творчеству Миро (например, 1948, № 14–15; 1950, № 29–30; 1953, № 57–59 и другие), на страницах журнала можно найти множество оригинальных литографий мастера.

Печатная графика Марка Шагала также поражает объемом и многогранностью: он работал в сфере книжной иллюстрации, сотрудничал с разнообразными печатными изданиями, выпускал альбомы литографий. Специалисты подсчитали, что иллюстрации Шагала украсили издания 114 книг, что свидетельствует о плодотворной деятельности художника на поприще книжной графики. Библиофилы выделяют около 20 изданий с участием Шагала, которые считаются жемчужинами жанра livre d’artiste. Шагала не интересовал дизайн книги как таковой, он редко занимался экспериментами со шрифтом, разработкой буквиц, заставок и концовок, сосредотачивая все свое внимание на самих иллюстрациях. В этом смысле подход Шагала является в большей степени традиционным, по сравнению с современными ему мастерами книги. Однако новаторство Шагала проявилось в его интерпретации сюжетной составляющей иллюстрируемых произведений. Художник практически всегда воспринимал сюжет через призму своего личного опыта и воспоминаний, «превращая его в факт своего художественного мира» (Книги из собрания Марка Башмакова... С. 140).

Стилистика графики Шагала, равно как и его живописных произведений, всегда узнаваема: его образы, трактованные в традициях раннехристианской живописи, наивного искусства и детского рисунка, вкупе с насыщенной цветовой гаммой создают притягательную сказочную атмосферу, понятную широкому кругу читателей вне зависимости от их возраста. Среди наиболее значимых изданий, проиллюстрированных Шагалом, следует выделить «Мертвые души» Н. В. Гоголя (1948), Священное писание (1956), басни Лафонтена (1952), роман Лонга «Дафнис и Хлоя» (1961). Примечательны работы Шагала, выполненные к собственным литературным произведениям — автобиографии «Моя жизнь», изданной еще в 1920-е годы в Берлине, а также книгам «Цирк» (1967) и «Стихотворения» (1968).

Печатная графика составляет существенную часть творческого наследия Матисса, Миро и Шагала, в ней, так же как в и живописи художников, проявилось их новаторство и яркая оригинальность.

Мария Беликова