Художник недели: Кузьма Петров-Водкин
ARTinvestment.RU   03 мая 2021

История, ценовые и маркетинговые показатели художника Кузьмы Петрова-Водкина, которому удалось переложить эстетические концепции Серебряного века на язык эпохи октябрьских десятилетий

Годы жизни: 1878–1939

Направление: символизм

Вид искусства: живопись, графика, монументальная живопись

Кузьма Петров-Водкин — одна из ключевых фигур в культуре 1920–30-х годов: живописец, литератор, теоретик искусства, преподаватель, ученики которого считали себя частью школы Петрова-Водкина. Создав собственную, синтетическую манеру, объединившую идеи fin de siècle с русской живописной школой, живопись постимпрессионизма с иконописью и искусством Ренессанса, Петров-Водкин в своем искусстве сумел воплотить идею многосоставной, семантически наполненной картины как цельного отображения мироздания в его всеобъемлющей космической полноте. Оставаясь символистом на протяжении всего творческого пути, он не только сумел пронести свои теоретические концепции через события Октябрьской революции, но адаптировать их к сюжетам советской действительности, в контексте которой индивидуальный голос художника прозвучал лишь еще убедительнее.

Жизнь и творчество

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился в городе Хвалынске Саратовской губернии в 1878 году, в семье сапожника и бывшей крепостной крестьянки. Художественной образование мальчик начал в иконописных мастерских, а потом оказался в классах живописи и рисования у Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895) — но обучение прервалось со смертью педагога. В это же время в Самаре Петров-Водкин познакомился с А. М. Горьким и показал ему свои первые литературные опыты, которые писатель оценил весьма критически.

Юноша вернулся в Хвалынск, где летом 1895 года, через мать, работавшую в домах состоятельных купцов, в имении купчихи и меценатки Ю. И. Казариной познакомился с придворным архитектором из Петербурга Р. Ф. Мельцером. Заручившись поддержкой Мельцера и получив стипендию от Казариной, будущий художник поступил в Центральное училище технического рисования барона Штиглица в Петербурге (1895–1897). Затем Петров-Водкин, сдав экзамены, перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где учился у К. Н. Горского, Н. А. Касаткина, В. А. Серова, который в том же году начал руководить натурной мастерской. Соучениками Петрова-Водкина были художники П. В. Кузнецов (в будущем — один из ближайших друзей художника), Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, одновременно с ним в училище занимались М. Ф. Ларионов, И. И. Машков. В 1898 году в преподавательский состав вошел И. И. Левитан, а в 1901 году — К. А. Коровин.

Так, Петров-Водкин студентом оказался в средоточии передовых идей современного искусства — прежде всего речь идет о возникшей на рубеже веков живописи fin de siècle. Живописец испытал значительное влияние М. А. Врубеля, В. Э. Борисова-Мусатова, немецких символистов — Франца фон Штука и Арнольда Бёклина. Одновременно он учился играть на скрипке и занимался прозой, был увлечен творчеством Л. Н. Андреева и М. Метерлинка. Зарабатывал на жизнь художник на керамическом заводе Н. П. Сорохтина в селе Всехсвятском под Москвой (1900).

В 1901 году Петров-Водкин совершил свою первую заграничную поездку — проехав через Варшаву, Брюссель, Лейпциг, он попал в Мюнхен, где брал уроки в знаменитой школе Антона Ашбе. По возвращении он много работал в области монументального искусства: вместе с П. В. Кузнецовым и П. С. Уткиным выполнил росписи для церкви Казанской Божьей Матери в Саратове (в 1904 году были уничтожены как неканонические), написал панно для библиотеки особняка фон Гильзе ван дер Пальса в Петербурге, оформил совместно с П. В. Кузнецовым, М. С. Сарьяном, С. Ю. Судейкиным зал Московского благородного собрания для «Армянского вечера», создал картон «Богоматерь» для майоликового панно на фасаде клиники Р. Р. Вредена в Петербурге.

В 1904 году Петров-Водкин окончил МУЖВЗ со званием неклассного художника и поехал в Лондон, где панно для клиники Р. Р. Вредена на керамической фабрике Дультон переводилось в майолику. Вернувшись в Петербург и проследив за процессом установки панно, живописец отправился в большое путешествие по Италии — посетил Венецию, Милан, Флоренцию, Рим, Неаполь, Геную, его заинтересовали Проторенессанс и Раннее Возрождение, композиции Леонардо да Винчи. В 1906 году художник выехал в Париж, где он учился (в том числе посещал Академию Коларосси) и работал до 1908 года. Во Франции произошло его знакомство с искусством группы Наби, на молодого художника большое впечатление произвела живопись Пьера Сесиля Пюви де Шаванна, Поля Гогена, Одилона Редона. Из Парижа в 1907 году Петров-Водкин совершил поездку в Северную Африку: в Алжир, Бискру, Константину, Тунис.

В ноябре 1908 года художник вернулся на родину и поселился в Петербурге. Через несколько месяцев открылась выставка «Салон Маковского» в Петербурге, в экспозицию которой вошли «парижские» и «африканские» произведения Петрова-Водкина. А в 1909 году в редакции журнала «Аполлон» состоялась первая персональная выставка живописца. Этот период оказался чрезвычайно важным для художника. Изучая отдельные явления из истории русского и зарубежного искусства, в своем собственном живописном почерке он пришел к их синтезу в виде символистской интерпретации живописи Ренессанса. Картина «Сон», выполненная в 1910 году, стала своеобразной отправной точкой его творческой самоидентификации. Полемика вокруг работы сблизила художника с А. Н. Бенуа, выступившим в ее защиту.

При всем влиянии эстетики модерна живопись Петрова-Водкина сохраняет монументальную образность и академический объем фигур. Стилистический канон Ренессанса он соединяет с условностью цвета и пространства древнерусских икон. В целом пространство становится одним из главных героев повествования в его символико-аллегорической картине — пространство как всеобъемлющая космическая полнота бытия, перенесенная на живописную плоскость. Используя высокий горизонт, превращая землю в подобие абстрактного узора, художник устанавливает дистанцию между зрителем и земной поверхностью на холсте, а каждому сюжету придает космический масштаб (На линии огня, 1916; Полдень, 1918; Смерть комиссара, 1928).

Искусство итальянских мастеров, живопись А. А. Иванова, иконопись дали художнику основу, на которой он развивает свои собственные идеи о живописном колорите. Он строит картину на сочетании немногих цветов, восходящих к хроматическому трехцветию, — красного, синего и желтого. Взятые в разнообразии оттенков, они становятся важнейшей основой живописного образа уже в ранних этапных произведениях художника — «Играющие мальчики», 1911; «Купание красного коня», 1912; «Девушки на Волге», 1915.

Хотя с участниками «Голубой розы» Петров-Водкин был близок — вместе с ними формировался как художник в МУЖВЗ, не раз работал над различными заказами, в само объединение он не вступил. Тем не менее в 1910 году он вошел в обновленный «Мир искусства», в выставках которого участвовал вплоть до 1923 года. Будучи не в силах выбрать одну из сфер, Петров-Водкин делил свою жизнь между живописью, музыкой и прозой. Второе десятилетие XX века дало старт еще одном важнейшему направлению деятельности художника — преподаванию. В 1910 он начал преподавать в частной художественной школе Е. Н. Званцевой (до 1917 года), в 1911–1912 — на художественных курсах Общества взаимного вспомоществования русских художников.

Но настоящая школа Петрова-Водкина возникла после революции. Живописец участвовал в работе комиссии по реформе Академии художеств, преподавал в петроградских (ленинградских) Государственных свободных художественных мастерских, ВХУТЕМАСе, ВХУТЕИНе, Академии художеств. Среди его учеников — Н. И. Дормидонтов, Н. Н. Купреянов, А. И. Порет, А. Н. Самохвалов, П. И. Соколов, Л. Т. Чупятов. Для своих студентов Петров-Водкин разработал уникальную образовательную программу, стремился передать им свои концепции пространства и движения, живописную систему, включавшую оригинальный метод преображения пространства на плоскости (сферическую перспективу) и особую палитру. Сферическая перспектива предполагала использование нескольких точек зрения (определенную систему ракурсов, разворотов плоскостей к зрителю), и благодаря ей живописец мог охватить обширное пространство, подчеркнуть момент движения и совместить в одной композиции разновременные эпизоды.

В 1920 году в петроградском Доме искусств состоялась ретроспективная выставка художника. В 1921 он отправился в Самарканд с экспедицией Академии истории материальной культуры, которая принесла плоды в виде целого цикла этюдов и книги очерков «Самаркандия», проиллюстрированной путевыми зарисовками художника. В 1924–1925 совершил поездку во Францию, из которой привез значительное число рисунков тушью и сепией.

В 1925 году Петров-Водкин выступил в роли учредителя объединения «4 искусства», ядро которого составили преимущественно бывшие участники «Мира искусства» и голуборозовцы. В это время он много обращался к жанру натюрморта — подобные работы приносили значительную часть его заработка. Петров-Водкин стремился дойти до самой сути предмета, его формы, познать его как часть всеобъемлющего космического бытия.

С 1927 года художник жил в Детском селе под Ленинградом. В конце 1920-х годов он был вынужден оставить живопись из-за туберкулеза легких и сосредоточился на литературном творчестве: выходят его автобиографические книги «Хлыновск» (1930), «Пространство Эвклида» (1933). Он начал работу и над третьим сочинением, но улучшение здоровья подтолкнуло его вернуться к живописи. Созданная в это время картина «1919 год. Тревога» (1934) стала одним из самых знаковых произведений современной художнику эпохи. В 1934 году Петров-Водкин написал и портрет В. И. Ленина, который на уровне ассоциаций перекочевал и в одну из его последних работ, картину «Новоселье» (1937). До последних дней живописец оставался символистом, помещая в сложную семантическую структуру холста вечные темы планетарного масштаба — мотивы Тайной вечери, Троицы, материнства.

Несмотря на обилие критики, которая сопровождала творческую практику Петрова-Водкина с самых первых шагов в сферах литературы и живописи, художник приобрел официальное признание еще при жизни: в 1930 году ему было присвоено звание заслуженного деятеля искусств СССР, его масштабная ретроспективная выставка прошла в Ленинграде и в Москве (1936–1937). Живописец умер в 1939 году в Ленинграде. Посмертные ретроспективные выставки творчества Петрова-Водкина были организованы в 1966, 1978, 1980 в Государственном Русском музее, в 1966 — в Государственной Третьяковской галерее. В 1967 была подготовлена передвижная выставка произведений мастера, представленная в Саратове, Киеве, Курске, Риге, Ереване, Праге, Бухаресте, Софии, в 1971 — в Варшаве и Будапеште.

Творчество Петрова-Водкина представлено в коллекциях многих российских музеев. Наиболее значительными собраниями живописных и графических произведений художника обладают Государственная Третьяковская галерея и Государственный Русский музей.

Финансовые показатели

В тройку самых дорогих работ Кузьмы Петрова-Водкина входят живописные произведения, проданные британскими аукционными домами в 2010–2019 годах. Третий текущий результат был достигнут в 2010 году: холст «Вася» ушел с торгов на Christie's за $2 645 196. Второй текущий результат был показан два года спустя, в 2012-м на MacDougall's: за «Натюрморт. Яблоки и яйца» заплатили $3 636 403. Ныне действующий рекорд был установлен аукционным домом Christie's в 2019 году на летних «русских неделях»: «Натюрморт с сиренью» купили за $11 760 107 при эстимейте $1 266 400–1 899 600.

Согласно базе ARTinvestment.RU, к моменту публикации работы художника 114 раз были выведены на аукционные торги, из них графика — 73 работы, живопись — 38 работ, тиражная продукция, смешанная техника и книги — по 2 работы. Средняя стоимость проданных работ — $417,5 тыс., медианная стоимость — $30,3 тыс. Общая капитализация на публичном рынке — $23,80 млн. Имеет баланс проданных и непроданных работ 57 к 57 (50 % всех торгов завершились продажей).

Таблица 1. Продажи по периодам проведения аукционных торгов

Таблица 2. Продажи по странам проведения аукционных торгов

Таблица 3. Повторные продажи

Работы Кузьмы Петрова-Водкина на публичном рынке имеют шесть повторных продаж со среднегодовым темпом роста стоимости (CAGR) 129,7 %, медианный CAGR составляет 15,7 %. Корреляция между периодом владения и успешностью сделки не выявлена, разве что можно говорить о достоинствах приобретения работы на спаде рынка: все три произведения художника, купленные в 2010-м, в итоге принесли владельцам валовую прибыль. Точно так же не стоит доверять средним цифрам CAGR: без спекулятивной продажи работы «Художник и его модель» показатели Петрова-Водкина смотрелись бы намного (но допустимо) скромнее. Стоимость всех проданных работ художника составляет 189 % от среднего эстимейта — другими словами, цены ушедших с аукциона работ в среднем оказались почти в два раза выше первоначальных оценок аукционных домов. Превышение верхней границы эстимейта (в среднем на 161 %) зафиксировано в 44 % сделок.

В целом рыночная история Кузьмы Петрова-Водкина напоминает судьбу Казимира Малевича или Эдварда Мунка: его «главная» работа находится в музее, а покупатели остального оборотного фонда художника делятся на «искушенных» и «новичков». Искушенные понимают, что за любой работой одного из самых значительных художников-символистов в мировой истории стоит его личная судьба и опыт — и потому борются за любой предмет его авторства, многократно превышая эстимейты. Новички на арт-рынке, напротив, воротят нос от аукционных каталогов, встречая там Петрова-Водкина — потому что «это ведь не “Купание красного коня”, и даже не синего». Оттого имеем столь значительную разницу в рыночных показателях: самая дорогая работа художника представляет не самый значимый для автора сюжет (натюрморт), однако находится в списке самых дорогих произведений русских художников — но при этом баланс проданных и непроданных работ застыл на отметке 50 на 50.

Хочется спросить: вы с кем, любители искусства?

Патриция Семенюк, AI
Денис Белькевич, AI