Artist of the week: Peter Ossowski
ARTinvestment.RU   02 октября 2013

October 24 at the auction "SOVKOM" will be sold a small landscape Peter Ossovsky — sole representative of the "severe style" in the top ten living artists — authors of the most expensive works sold at the auctions of the Russian

Пока моя рука способна держать кисть и перо,
они будут активно говорить о том,
что меня волнует и что я хочу поведать людям.

Петр Оссовский

Он не любитель публичности, его интервью можно пересчитать по пальцам, все свободное время он отдает работе в мастерской.

Петр Павлович Оссовский появился на свет 18 мая 1925 года на Украине, в селе Малая Виска Кировоградской области. Вскоре после рождения Петра семья Оссовских переехала в Россию, и начальное художественное образование будущий живописец получал в Москве: в 1940–1944 он учился в Московской средней художественной школе.

Затем был Суриковский институт (1944–1955): друзья-сокурсники и мастерская С. В. Герасимова, развившая и укрепившая интерес будущего художника к реалистичным, монументальным формам, свойственным творчеству учителя. «Я учился у такого мастера, как Сергей Васильевич Герасимов, — вспоминал Оссовский, — и все же скажу: не меньше, чем у него, я учился у своих товарищей. Мы утверждались в своих взглядах на задачи искусства, на средства решения этих задач».

После окончания института Оссовский начал активно участвовать в ежегодных выставках молодых художников. «Я по себе знаю, как много для нас значили ежегодные молодежные выставки, — скажет позднее П. Оссовский. — Для меня и моих товарищей серьезнейшей школой были и подготовка к ним, и обсуждение работ, и обмен мнениями... Выставки воспитывали у молодежи свое отношение к искусству, к жизни. Была самостоятельность, была решимость высказать по-своему то, что чувствуешь и что пережил. Выставки давали чувство локтя».

Выставляться регулярно Оссовский начал в 1954 году, и хотя его работы из года в год принимались довольно хорошо, говорить об известности художника можно, лишь начиная с 1956 года, когда он вступил в Союз художников.

А несколько лет спустя его работа «Три поколения» (1959), показанная на выставке «Советская Россия — 1» (1960), с легкой руки известного искусствоведа А. А. Каменского дала название целому художественному течению: в своей рецензии на эту картину, Каменский охарактеризовал манеру художника как «суровый стиль».

«Суровым стилем» сегодня называется направление в советской живописи, которое возникло в 1950–60-е годы и в целом логическим продолжило традиции русской реалистической школы живописи, во многом берущей свое начало еще в творчестве художников XIX века. В новой, «суровой», манере пробовали себя в основном молодые художники, только закончившие учебные заведения: П. Никонов, Н. Андронов, В. Попков, Т. Салахов, Д. Жилинский, В. Иванов, М. Савицкий, братья А. и П. Смолины, Г. Коржев, А. Васнецов, Т. Нариманбеков, М. Аветисян и др.

Художники «сурового стиля» отказались от идеализированных и даже дидактических образов, созданных предыдущим поколением советских живописцев, — молодых интересовали их современники. Они стремились увидеть сами и показать другим возвышенное, романтическое и даже поэтическое начало в жизни и труде тех, кто жил и трудился рядом с ними. Молодые художники писали лица рабочих, крестьян, рыбаков, строителей, геологов — и наделяли их образы знаковыми (и оттого монументальными) чертами своего времени.

Для достижения такого эффекта, представители «сурового стиля» стремились максимально упростить и обобщить формы, сделать лаконичным силуэт, упрощалась и уплощалась также и композиция, выстраиваемая зачастую по законам коллажа — когда в пространстве одной работы некоторые элементы картины существуют как бы отдельно, даже со своей собственной перспективой, и потом как бы собираются художником на единой плоскости. Таким образом, композиция зачастую имеет вертикальное построение — планы (передний, средний и фон) строятся не в перспективе, а друг над другом. Упрощается и цветовая гамма: «суровостильцы» сторонники скорее графичных линейных ритмов, чем игры оттенков и полутонов, чаще используют лаконичные, ясные и выразительные цвета и цветовые акценты.

Сегодня оценки и трактовки «сурового стиля» сильно расходятся: одни исследователи противопоставляют его реалистическому, плакатному искусству сталинской эпохи; другие — видят в нем логическое продолжение советского реализма; третьи, например художник Борис Орлов, полагают, что «в реальности “суровый стиль” был сверху противопоставлен родившемуся в начале шестидесятых годов андеграунду».

Неоспоримо одно: художники «сурового стиля» смогли привнести в отечественное реалистическое фигуративное искусство новую эстетику, почерпнутую ими как в образах средневековых фресок, росписях Раннего Возрождения, так и в работах русской реалистической школы живописи, первой волны русского авангарда и современных им западных художников.

Немалую роль в формировании этой новой эстетики сыграло искусство Рокуэлла Кента. В 1958 и 1960 годах в Москве с аншлагом прошли две его персональные выставки, по окончании которых Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина получил в дар от автора около тысячи произведений. Новый, незнакомый художественный язык Кента стал для молодых, только что завершивших академическое образование художников глотком северного воздуха — холодного, свежего и чистого. Глотком, если угодно, «мужского» искусства — прямого, без намеков и полутонов, сдержанного и безусловно правдивого. Свое дело, быть может, сделала и повальная увлеченность советских мальчишек Джеком Лондоном — и оказалось, что так можно писать не только книги, но и картины, — словом, молодые Кента поняли и поверили ему. Художник стал настолько популярен, что в середине 1960-х годов и после на русский язык были переведены несколько автобиографических книг Кента: «Это я, Господи!», «В диком краю («Дневник мирных приключений на Аляске»)», «Гренландский дневник», «Саламина» и др.

Образование, знакомство с тем, что делали художники других эпох и культур, подготовило в художниках «сурового стиля» хорошую почву для собственного опыта. В 1961 году Оссовский отправился в свою первую длительную зарубежную творческую поездку — в Мексику и на Кубу, и там «почувствовал, что нашел свой собственный стиль». Потом были неоднократные поездки по Европе — в Италию, Чехию, Словакию и Болгарию. В этот период его интересовало всё — природа, города, архитектура, люди, главное — люди. К началу 1970-х все большее место в его творчестве начал занимать пейзаж: «Территория моего творчества — от берегов Байкала до вод Карибского моря».

В 1966 Пётр Оссовский впервые приехал в Псков, и с этого времени Псков и Изборск стали тем источником не только вдохновения, но и сил и самого существования, к которому художника тянуло неудержимо и у которого он в конце концов обрел себя. «Благодаря Пскову и его людям ко мне пришло особенное понимание русских традиций и культуры», — говорит об этом художник.

Вдохновленный русской стариной, он обратился к историческим, культурным корням, и вскоре нашел сюжет, который разрабатывает с середины 1970-х до наших дней, не повторяясь и не уставая, — это исторические, культовые монументальные архитектурные сооружения (кремли, соборы, церкви) на фоне вечности (незыблемой небесной тверди) — спокойные и статичные на контрастном фоне напряженного неба.

Оссовский настолько увлечен Псковом, что в 1975 году он организовал там свою юбилейную, к 50-летию со дня рождения, выставку «На земле древнего Пскова». Эта выставка стала первой из многих в его многолетней творческой деятельности в Пскове и на псковской земле.

Работы Оссовского последних десятилетий — это работы православного художника, наполненные отсылками к событиям из истории Древней Руси. Пожалуй, только сдержанный, лапидарный колорит, почти графичные силуэты его храмов на фоне неба и строгая северная природа его пейзажей выдают в нем художника «сурового стиля».

Искусство Оссовского было высоко оценено официальными художественными институциями. В 1979 году Оссовский награжден Золотой медалью итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты», а в 1985 году он получил Государственную премию СССР за цикл картин о Московском Кремле (1978–1985): «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». В 1988 году Петру Оссовскому присуждено звание «Народный художник СССР», тогда же он был избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР. В 1997 году он был удостоен Золотой медали Российской академии художеств за выставку произведений, показанных в ее залах годом ранее.

22 февраля 2013 года Пётр Оссовский был награжден орденом «За заслуги перед Отечеством» III степени. «Я верю, — сказал художник, принимая награду, — что у русского реализма есть будущее, ибо народ наш не может жить без искусства духовного, делающего жизнь человека богаче и ярче, наполненного чувствами и мыслями, возвышающими его самого и его воистину великую землю».

Один из самых ярких представителей «сурового стиля», мастер пейзажа, «музейный» художник, он и сегодня остается в центре внимания публики.

Работы П. Оссовского ценятся и на арт-рынке. Его картины можно встретить как на стенах галерей, так и в каталогах около десятка аукционных домов. В нашем рейтинге ныне живущих художников — авторов самых дорогих работ, проданных на российских аукционах, он занимает 8-е место.

На аукционах в последние годы его работы появлялись более 80 раз и в основном в Москве. В первую очередь покупателей интересует, конечно, живопись — пейзажи и жанровые полотна; довольно популярны полотна из больших циклов — «Мексика», «Славянские портреты», «Болгарские новеллы» и др. Выше всего ценятся холсты и картоны, выполненные в конце 1980-х — 2000-х годах.

Пик продаж работ художника, согласно графику индекса ARTIMX, пришелся на 2006 год, однако высокие результаты были и в 2005–2008 годах, в последующие два года наблюдался небольшой спад, но в 2011-м появились первые признаки положительной ценовой динамики, а сегодня можно уверенно сказать, что влияние кризиса преодолено и рынок работ Петра Оссовского находится в стадии роста. Рекордный для Оссовского результат — 1 500 000 рублей был достигнут 4 апреля 2013 года на торгах аукционного дома «Совком» по картине «Солнце над Красной площадью» (1995).

В тройку лучших аукционных результатов работ художника входят и еще две продажи «Совкома»: диптих «Словацкие мадонны» (1989) ушел с торгов 20 мая 2009 года за 750 000 рублей, а 11 марта 2006 года за 23 000 долларов была продана картина «Утро в Гаване» (2005).

К слову, небольшой пейзаж Оссовского «Утренняя гладь» (1975) будет продаваться на ближайших торгах аукционного дома «Совком», 24 октября. Так что у всех желающих есть прекрасная возможность увидеть работу на предаукционной выставке и купить ее в свою коллекцию.

Мария Кузнецова, AI

Источники:

1. artinvestment.ru;
2. culture.pskov.ru;
3. rah.ru;
4. artpanorama.su;
5. rpsc.ru;
6. xz.gif.ru;
7. guelman.ru.