Открыты 463-и торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   16 января 2023

В каталоге 24 лота: 12 живописных работ, 6 листов оригинальной графики, три работы в смешанной технике, одна скульптура, один коллаж и одна икона

Каталог AI Аукциона № 463 и 149-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 20 января, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Начинаем наш рассказ с иконы ««Огненное восхождение пророка Илии», написанной на Русском Севере в конце XVII века.

Икона «Огненное восхождение пророка Илии». Русский Север. Конец XVII века
Дерево, левкас, темпера. 79 × 65,5 × 3

Пророк Илия — один из ветхозаветных пророков — жил в первой половине IX века до Р. Х. События жизни пророка Илии описаны в Третьей и Четвертой Книгах Царств (3 Цар. 17: 1–19; 18; 21: 17–28; 4 Цар. 1: 3–17; 2: 1–18). Имя пророка переводится как «Бог мой Господь», что выражает основное содержание служения Илии, ревностно боровшегося за поклонение единому Богу и своими делами являвшего Его могущество. Илия родился в г. Фесва в Заиорданье («Фесвитянин, из жителей Галаадских»), носил волосяную одежду с кожаным поясом. Его пророческое служение проходило в Израильском царстве в правление царей Ахава (874–853) и Охозии (853–852), принадлежавших к династии Омри, в период, когда в Северном царстве широко распространялся культ Ваала.

Завершением земного пути пророка стало его вознесение на небо в колеснице (4 Цар. 2: 1–11). Вместе с Елисеем он отправился к Иордану, который они перешли, после того как Илия ударил по воде своей одеждой и заставил реку расступиться. Елисею, так же как и «сынам пророческим», было заранее известно, что Илия будет взят на небо (4 Цар. 2: 3). Он попросил Илию о том, чтобы на него перешел и в нем удвоился пророческий дар («дух») его учителя, Илия обещал ему это при условии, что он станет свидетелем его вознесения. Елисей увидел, как огненная колесница унесла его учителя, подобрал упавшую с него одежду и наследовал его пророческий дар (4 Цар. 2: 12–15).

Самое раннее изображение пророка Илии в христианском искусстве представлено в иконографии «Вознесение пророка. Илии, или Огненное восхождение» и находится в капелле Сант-Акуилино базилики Сан-Лоренцо Маджоре в Милане (около 370 года). Из-за плохой сохранности композиции высказывались сомнения в данной атрибуции. Фигура пророка не сохранилась (iconrussia.ru).

«“Огненное восхождение Ильи Пророка” как самостоятельный сюжет русской иконописи известно со второй половины XIII века, — пишет эксперт. — Пророк Илья чтился в народе как святой-громовержец, податель дождя и хорошей погоды (“Илия словом дождь держит на земли, и паки словом с небес низводит”, — говорится в молитве, читаемой во время засухи). Он был почитаем также в качестве ветхозаветного прообраза Христа и предшественника св. Иоанна Предтечи. Вероятно, этим было обусловлено широкое распространение “Огненного восхождения” на Руси, несравнимое с популярностью этого сюжета в других странах православного мира».

Церковь празднует память пророка Илии 2 августа (20 июля по старому стилю).

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

ДУБОВСКОЙ Николай Никанорович (1859–1918) Река Кудебста. 1905
Холст, масло. 26,5 × 37,5

Кисти Николая Никаноровича Дубовского принадлежит холст «Река Кудебста» (1905). Важно отметить, что это авторское название пейзажа, установленное экспертом Т. П. Горячевой в ходе экспертизы.

Николай Дубовской — одна из крупнейших фигур в искусстве русского «пейзажа настроения». На протяжении фактически двадцати лет Дубовской был главным идейным вдохновителем Товарищества передвижных художественных выставок, оберегая его ценности в непростое для объединения время. Художник был глубоко убежден, что искусство должно быть неотделимо от этических принципов, которые в него вкладывали близкие Дубовскому народнические круги общества. Он говорил: «В искусстве много сторон, и чисто красочные разрешения нам тоже нужны, но что дороже: внешний лоск, который завтра же будет побит еще более нарядной живописью, или внутреннее, духовное содержание вещи, которое навсегда останется ценным? Форма есть средство для воплощения идеи, а не главная цель».

Николай Дубовской родился в 1859 году в семье потомственного казака. В 1877 году в качестве пенсионера войска Донского поступил в класс пейзажной живописи ИАХ, учился у М. К. Клодта, удостоен нескольких поощрительных серебряных медалей. В 1882-м оставил Академию, не окончив курса.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже занимался портретом. В 1890-х — 1900-х неоднократно совершал поездки на Дон, Азовское море, Волгу, на Кавказ. Летние месяцы часто проводил на этюдах в Силламяэ на Балтийском побережье. Много путешествовал по европейским странам, побывал в Италии, Греции, Турции, Швейцарии, Франции, Германии.

В 1898 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. С 1911 — профессор-руководитель пейзажной мастерской Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1910 — действительный член Общества художников им. А. И. Куинджи. Один из организаторов Союза деятелей искусств Петрограда. Коллекционировал живопись и графику русских художников, свою большую коллекцию завещал родному городу Новочеркасску. Оставил большое творческое наследие.

Еще в 1890-е годы Дубовского ставили в один ряд со знаменитейшими пейзажистами его эпохи: И. К. Айвазовским, И. И. Шишкиным, В. Д. Поленовым, И. И. Левитаном. В 1900 году три произведения Николая Никаноровича («Штиль», «Вид монастыря», «К вечеру») участвовали в экспозиции Всемирной выставки в Париже и удостоились малой серебряной медали. А об успехе картины «Родина» (1900–1905), представленной на Всемирной выставке 1911 года в Риме, автору писал из столицы Италии восхищенный И. Е. Репин: «Ах, какая это вещь! Лучший пейзаж всей выставки, всемирной, римской! Вас, Николай Никанорович, я особенно поздравляю! Еще никогда Вы не были так великолепны и могущественны. Оригинальная, живая и красивейшая картина!!!» (artinvestment.ru).

П. М. Третьяков не раз приобретал произведения Дубовского в свое собрание, а картину «Притихло» в 1890 году прямо с XVIII Передвижной выставки приобрел император Александр III (теперь картина в Русском музее), а П. М. Третьяков попросил художника написать для его коллекции ее второй вариант.

Дубовской любил спокойные «штилевые» состояния природы, особенное внимание уделял эффектам освещения. Часто придавал картинам легкий национально-романтический оттенок.

Пейзаж «Река Кудебста» (1905), как указывает эксперт, «относится к большой серии этюдов и натурных пейзажей, созданных Н. Н. Дубовским летом 1905 года в Сочи и его окрестностях — Хосте и Красной Поляне.

В наиболее полном списке работ Дубовского, составленном вдовой художника Ф. Н. Дубовской, под № 5/24 значится этюд “Река Кудебста” (№ 589 общего реестра), соответствующий исследуемой работе по характеру изобразительного мотива, размерам и формату. После семейного раздела коллекции произведений мастера этюд долгие годы хранился в собрании Сергея Николаевича Дубовского и впоследствии бьыл продан его наследниками в неустановленную частную коллекцию.

Позднее исследованный этюд экспонировался на “Выставке произведений художника-академика Н. Н. Дубовского”, состоявшейся в Государственном Русском музее в 1938 году. (В каталоге выставки: “№ 220. Река Кудебста. Подпись на обороте «Н.Дубовской 1905. Принадлежит С. Н. Дубовскому»”.)».

С точки зрения топонимики Сочи и его окрестностей авторское название «Река Кудебста» не совсем верно. Правильное название реки — Кудепста, в переводе с адыгского — «чёрная, масляная» речка. Название старое, и художник конечно не мог его не знать. Когда и почему в авторскую надпись вкралась ошибка, предстоит выяснить уже новому владельцу наполненного светом и причерноморским теплом пейзажа.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Николай Дубовской».

ДИЛАКТОРСКИЙ Сергей Александрович (1859–1915) Без названия (Пейзаж). 1910
Бумага на картоне, акварель, белила, графитный карандаш. 17,7 × 24,5(картон основа), 17 × 24,1 (лист с рисунком)

Впервые на AI Аукционе выставлена акварель «Без названия (Пейзаж)» (1910) талантливого вологодского художника-акварелиста Сергея Александровича Дилакторского (1859–1915).

Сергей Александрович Дилакторский родился в Вологде 1 сентября 1859 года в семье эконома Вологодской духовной семинарии. В 1876 окончил Вологодское городское уездное училище.

В 1879 поступил вольнослушающим в Императорскую Академию Художеств. Однако в 1886 прекратил занятия в вечерних классах ИАХ, работал самостоятельно, много ездил по России, писал виды Вологодской губернии и окрестностей Северной столицы.

В начале 1890-х начал регулярно выезжать на этюды в Крым. Так в его творчестве появилась и стала наиболее известной и ценимой коллекционерами крымская тема. Участвовал в петербургских художественных выставках.

В 1913 году Сергей Дилакторский приобрел участок земли в дачном посёлке Келломяки (ныне Комарово) и построил там дачу. Здесь же, в Келломяки, художник ушел из жизни 6 июля 1915 года (cultobzor.ru, wikipedia.org).

До недавнего времени имя одаренного вологодского мастера оставалось малоизвестным, хотя его произведения входят в собрания Государственного Русского музея, Вологодской картинной галереи, частные коллекции. В конце 2015 года Школа акварели Сергея Андрияки провела обширную выставку «Сергей Дилакторский и художники его времени» (artinvestment.ru), по сути, познакомившую публику с творчеством замечательного художника. В базе аукционных результатов AI содержатся 33 записи об аукционных событиях с произведениями С. А. Дилакторского; его работы продаются в Москве, Франции, Швейцарии, выставлялись на торги Bonhams и Christie’s.

ГАУШ Александр Фёдорович (1873–1947) Пейзаж с овечкой. 1910-е
Холст, масло. 100,3 × 80,5

Кисти Александра Фёдоровича Гауша принадлежит среднеразмерный холст «Пейзаж с овечкой» (1910-е).

Александр Гауш родился в Санкт-Петербурге в 1873. Происходил из купеческой семьи. Около года посещал Рисовальную школу Общества поощрения художеств. В 1893–1899 состоял вольнослушателем Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, где учился в мастерских А. И. Куинджи и А. А. Киселева. Параллельно занимался рисунком у П. П. Чистякова. В 1895 жил в Париже, где посещал Академию Р. Жюльена. В 1899 получил звание художника.

Жил в Петербурге (Петрограде). Писал пейзажи, натюрморты. С 1897 — участник выставок (Общества поощрения художеств). В 1903 выступил одним из основателей Нового общества художников (1904, 1905, 1907), член и экспонент Общества художников им. А. И. Куинджи. Экспонировал свои работы также на Весенних выставках в залах ИАХ (1900–1902), выставках Товарищества южнорусских художников (1904, 1905, 1907, 1909–1915), Союза русских художников (1906–1907), Общества Леонардо да Винчи (1906), «Союза молодежи» (1910), «Мира искусства» (1911–1913, 1915–1918, 1922), Товарищества независимых (1916). Участвовал также в выставках «Венок» (1908), «Венок-Стефанос» (1909), в Салоне В. А. Издебского (1909–1911). Провел персональную выставку в Художественном бюро Е. Н. Добычиной в Петербурге (1916).

Совершил поездку по России (1894). Неоднократно путешествовал по Германии, Франции, Италии, Австрии; посетил Испанию (1906) и Англию (1911–1912). В 1907–1920 состоял хранителем музея «Старый Петербург».

После Октябрьской революции преподавал в различных учебных заведениях Петрограда. Сотрудничал в петроградском «Доме искусств». В 1924 выступил одним из организаторов театра Петрушки при Ленинградском Театре юного зрителя. Участвовал в Первой государственной свободной выставке произведений искусств (1919), выставке петроградских художников всех направлений (1923) в Петрограде, Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине (1922), передвижной выставке русского искусства по США (1924–1925), выставках Художественного общества им. К. К. Костанди (1925–1929) в Одессе и других.

В 1924–1928 жил в Севастополе, в 1928–1938 — в Одессе, с 1938 — в Симферополе. Преподавал в Одесском художественном институте (1928–1924) и Одесском художественном училище (1934, 1938); профессор. Скончался в 1947 в Симферополе.

«Пейзаж с овечкой» (1910-е) опубликован в альбоме «Общество художников “Союз молодежи”. К истории петербургского авангарда» (2019).

ГУЖАВИН Михаил Маркелович (1888–1931) Закат. 1910-е
Бумага на картоне, масло. 35 × 54

Михаилу Маркеловичу Гужавину принадлежит пейзаж «Закат» (1910-е). Подобный мотив, с изображением одинокого домика, эффектно поданного в лучах заходящего солнца или в свете луны, типичен для работ художника. Эксперт указывает, что «данная трактовка темы отражает достижения художников-куинджистов в области создания декоративного направления русской пейзажной школы живописи».

Уроженец деревни Гужавино Витебской губернии Михаил Гужавин учился в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ (1911–1917) в классе пейзажной живописи у Н. Н. Дубовского; окончил со званием художника за картину «Тихая ночь» и правом пенсионерской поездки за границу (не воспользовался). Получил премию имени С. И. и И. И. Ендогуровых, вручаемую «достойнейшему из пейзажистов», а также премию им. А. И. Куинджи.

Жил в Петербурге (Петрограде — Ленинграде). Работал как пейзажист, продолжая в своем творчестве традиции лирического пейзажа. Испытал влияние И. И. Левитана. С 1911 участник выставок. Экспонировал свои работы на Весенних выставках в залах ИАХ, ТПХВ, Общины художников, Общества художников им. А. И. Куинджи.

ДЕНИСОВ Василий Иванович (1862–1922) Осень. 1910-е
Холст, масло. 57 × 75

Пейзаж «Осень» (1910-е) представляет в каталоге творчество Василия Ивановича Денисова.

Василий Денисов родился в семье священника. Окончил Варшавский музыкальный институт по классу валторны. В начале 1890-х переселился в Москву, устроился на работу в оркестр Русской частной оперы С. И. Мамонтова. После ее закрытия состоял на службе в оркестре Русского драматического театра Ф. А. Корша. Параллельно начал самостоятельно заниматься живописью. В 1897–1898 учился в частной мастерской К. А. Коровина, в 1899 — в Школе Е. Н. Званцевой и А. А. Хотяинцевой у К. А. Коровина, В. А. Серова, Н. П. Ульянова. Во второй половине 1890-х — начале 1900-х занимал должность художника в Итальянской опере и Оперном театре С. И. Зимина.

Создавал пейзажи в импрессионистическом ключе. С 1894 принимал участие в выставках Московского общества любителей художеств (до 1899, с перерывами), с 1901 — в выставках Московского товарищества художников, с 1905 входил в состав членов Товарищества. С 1903 экспонировал свои работы на выставках «Мира искусства». Тогда же сблизился с мастерами объединения «Голубая роза», творчество которых оказало значительное влияние на формирование его индивидуального стиля. Начал создавать фантастические композиции в духе символизма. В 1905 прошла совместная выставка Денисова и Н. П. Ульянова в Дрездене.

В 1905 сотрудничал с В. Э. Мейерхольдом в студии на Поварской улице в Москве, в 1907 — работал для театра В. Ф. Комиссаржевской в Петербурге. В 1906–1907 принял участие в выставках русского искусства, организованных С. П. Дягилевым в Париже и Берлине. В 1909–1910 выставлялся в Салоне В. А. Издебского, в 1911 и 1913 — в «Московском салоне». После смерти М. А. Врубеля создал ряд графических композиций по мотивам картины «Демон поверженный», названных «Памяти Врубеля». В 1910 состоялась первая персональная выставка художника в Москве.

В 1912 вместе с С. Т. Коненковым, И. Ф. Рахманиновым и А. Ф. Микули путешествовал по Греции и Малой Азии. В том же году в художественном бюро Н. Е. Добычиной в Москве прошла совместная выставка Денисова и Розы Рюсс, в 1915 состоялась персональная выставка мастера в галерее Н. Е. Добычиной в Петрограде. В 1913–1915 работал в санкт-петербургском (петроградском) Театре музыкальной драмы. Оформил литературно-художественный сборник «1914 год». В 1917 показал свои акварели на персональной выставке в салоне «Единорог».

После Октябрьской революции выполнял эскизы плакатов и панно для торжественных съездов и заседаний в Большом театре. В 1920 совместно с С. Т. Коненковым и сыном, В. В. Денисовым, оформил театрализованное представление «Самсон-победитель» в Первом Госцирке на Цветном бульваре в Москве. В 1919–1921 сотрудничал с театром Генриетты Паскар. В 1919 жил в Липецке. В 1921 переехал в Загорск.

Произведения Денисова находятся в ряде музейных и частных собраний, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее.

На 1900-е — 1910-е приходится расцвет творчества Василия Ивановича Денисова, всецело связанный с символизмом. Декоративная выразительность колорита, линии, фактуры сближает его творчество с произведениями многих голуборозовцев, в частности с ранними работами Н. П. Крымова, П. С. Уткина, П. В. Кузнецова; эти же характерные черты очевидны и в пейзаже «Осень».

ВАСНЕЦОВ Виктор Михайлович (1848–1926) Летний пейзаж. Конец XIX — начало XX века
Картон, масло. 15 × 19,1

Совсем небольшой картон «Летний пейзаж», датируемый концом XIX — началом ХХ века, создан кистью одного из крупнейших русских мастеров последней трети XIX — начала ХХ столетий — Виктора Михайловича Васнецова.

В ранний период (конец 1860-х — первая половина 1870-х) Виктор Васнецов был близок передвижникам, испытал влияние И. Е. Репина. В дальнейшем творческие поиски художника были направлены на формирование национального направления в русском искусстве. Он выработал собственный стиль, построенный на внимательном изучении византийской и древнерусской живописи и архитектуры, фольклора, традиций народного изобразительного и прикладного искусства, в частности орнамента, костюма, деревянной резьбы и так далее.

Живописец, график, архитектор, художник декоративно-прикладного искусства, скульптор, Васнецов оказал большое влияние на творчество многих своих современников, в частности художников Абрамцевского кружка, став одним из создателей неорусского направления в искусстве.

Виктор Васнецов родился в семье сельского священника, старший брат художника Аполлинария Васнецова. Общее образование получил в Вятском духовном училище, а затем Вятской духовной семинарии (не окончил), где получил также первые навыки в рисовании у Н. А. Чернышова.

В 1867 переехал в Петербург, в течение нескольких месяцев посещал уроки И. Н. Крамского в Рисовальной школе Общества поощрения художников. В 1868 поступил в ИАХ, занимался у П. В. Басина, В. П. Верещагина, С. М. Воробьева и П. П. Чистякова. Награждался малыми и большой серебряными медалями. В 1874 выпущен из Академии. С того же года начал участвовать в выставках ТПХВ, стал членом Товарищества в 1878.

В 1876–1877 совершил поездку в Париж, в 1877 выставлял свои работы в Парижском салоне. После возвращения из Франции недолгое время жил в Вятке и Петербурге, в 1878 переселился в Москву. Сблизился с С. И. Мамонтовым. Лето 1879–1880 проводил в деревне Ахтырка близ подмосковной усадьбы Мамонтовых Абрамцево. Летние месяцы 1881–1885 работал в самой усадьбе. Принимал активное участие в деятельности Абрамцевского художественного кружка, театральных и литературных вечерах в доме Мамонтовых. В 1881–1882 оформил домашний спектакль «Снегурочка» по пьесе А. Н. Островского. В те же годы при участии В. Д. Поленова выполнил проект церкви Спаса Нерукотворного с часовней в Абрамцево. Занимался строительством и оформлением храма, в частности написал ряд икон для иконостаса, расписал клиросы, создал эскиз мозаичного пола. В 1883 по проекту Васнецова в Абрамцевском парке была построена беседка «Избушка на курьих ножках». В 1883–1884 по заказу Российского Исторического музея работал над живописным панно-фризом «Каменный век».

Своими работами художник быстро приобрел известность. Его картины были в крупнейших коллекциях русского искусства второй половины XIX — начала ХХ века: П. М. Третьякова, К. Т. Солдатенкова, И. С. Остроухова, С. А. Бахрушина, С. И. Мамонтова, И. Е. Цветкова, М. П. Рябушинского, великого князя Сергея Александровича и многих других.

Как театральный декоратор Васнецов сотрудничал с Частной русской оперой Мамонтова, выполнял эскизы костюмов и декораций. Принимал участие в деятельности столярно-резчицкой мастерской (с 1885), гончарной мастерской в Абрамцево (с 1890), создании там музея народного искусства. В 1890-х — 1900-х работал над проектами образцов мебели для Кустарного музея Московского земства и мастерских Сергиева Посада.

В 1885 совершил поездку в Италию для ознакомления с византийскими мозаиками и живописью итальянского Возрождения, посетил Венецию, Равенну, Флоренцию, Рим, Неаполь. С 1885 по 1891 жил в Киеве, где создавал росписи Владимирского собора, летние месяцы проводил в Абрамцево. В 1891 возвратился в Москву, до 1896 ежегодно ездил в Киев для завершения работ во Владимирском соборе. В 1891 при участии В. Д. Поленова спроектировал часовню над могилой А. С. Мамонтова.

В 1892 получил звание профессора. В 1893–1894 построил по собственному проекту дом с мастерской в Москве. В 1895 был избран почетным членом Реймской Академии художеств. В 1901 завершил работу над эскизами и картонами для мозаик храма Спаса на крови в Петербурге, начатую еще в 1883. В 1896–1904 выполнил эскизы иконостаса Георгиевской церкви в Гусь-Хрустальном, в 1899–1901 — картоны для мозаик православной церкви в Дармштадте, в 1901–1903 — эскизы росписи экстерьеров Грановитой палаты Московского Кремля. В 1900–1901 создал проект фасада и эскиз майоликового фриза Третьяковской галереи, который впоследствии был изготовлен на гончарном заводе «Абрамцево» в Бутырках и установлен в 1903. В 1899–1903 работал над проектом дома И. Е. Цветкова на Пречистенской набережной и эскизами майоликовых фризов для его оформления. В 1904–1913 выполнил иконы для иконостаса храма Александра Невского в Софии, в 1906–1911 — эскизы мозаик для собора Александра Невского в Варшаве.

В 1899 в Петербурге прошла первая персональная выставка художника. За ней последовали выставки в 1903 и 1905 в Петербурге, 1904, 1910, 1911–1912 — в Москве.

В начале 1900-х Васнецов приобрел усадьбу в селе Ваньково Дмитровского уезда, названную им Новое Рябово, где жил летние месяцы. В 1900 был избран действительным членом Музея изящных искусств в Москве, в 1902 — почетным членом Строгановского художественно-промышленного училища, в 1903 — почетным членом Киевского общества древностей и искусства, в 1908 — почетным членом Российского исторического музея. Вместе с братом Аполлинарием стал одним из основателей Художественно-исторического музея в Вятке. После революции 1917 входил в состав художественного объединения «Изограф».

В 1924–1925 произведения мастера экспонировались на передвижной выставке русского искусства в США и Канаде. В 1926 в музее-усадьбе «Абрамцево» состоялась последняя прижизненная персональная выставка Васнецова. В 1927 в Государственной Третьяковской галерее прошла мемориальная выставка его картин и рисунков. Ретроспективные выставки были организованы в 1948 и 1990–1991 в Государственной Третьяковской галерее, в 1980 — в музее-заповеднике «Абрамцево».

Произведения Васнецова находятся в крупнейших музейных собраниях России и за рубежом: в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Государственном Историческом музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Нижегородском государственном художественном музее, Киевском музее русского искусства, Национальном художественном музее республики Беларусь в Минске, Музее-заповеднике «Абрамцево» и многих других. В Москве открыт Дом-музей В. М. Васнецова.

К сожалению, нет возможности установить, где именно был написан наш «Летний пейзаж». Эксперты отмечают «множество пейзажных этюдов», написанных в Ахтырке, в окрестностях Абрамцево, в имении С. И. Мамонтова, в родных вятских местах; в список предположений можно добавить и усадьбу Новое Рябово. Но все же сохраняется надежда, что подобный мотив с сарайчиком обнаружится в какой-нибудь из датированных картин художника и позволит определить место его создания.

Искусство художников Русского Зарубежья

БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Морской залив. 1920
Холст на картоне, масло. 47,5 × 71

«Морской залив» (1920) Давида Давидовича Бурлюка относится к дальневосточным произведениям художника — практически неизвестным исследователям и публике. Более того, работа представляет собой редкий образец документированного произведения художника (указаны дата и место создания латиницей: 1920. Vladivostok. Russia.), благодаря чему можно установить обстоятельства его создания.

В 1917 году художник поехал в Сибирь. Там он устраивал футуристические представления и продавал свои работы. «Бурлюк прибыл во Владивосток в сентябре 1919 года, в конце своего сибирского турне, и пробыл здесь ровно год, — пишет эксперт. — 29 сентября 1920 года вместе с художником Виктором Пальмовым он отбыл в Японию. Художники везли около 400 полотен 30 авторов для выставки современного русского искусства в Японии, которая состоялась в Токио, Осаке и других городах в 1920–1921 годах». Под влиянием увиденных произведений Малевича, Татлина, Бурлюка и других русских авангардистов молодые японские художники тоже начали создавать странные объекты и устраивать эпатажные перформансы. В 2007 году компания Copernicus выпустила документальный фильм, в котором рассказывается о влиянии Давида Бурлюка на японский авангард.

Эксперт указывает, что картина «Морской залив» (1920), «очевидно, была написана непосредственно перед поездкой и предназначалась для указанной выставки. Об этом свидетельствует латинская подпись на холсте, вероятно одна из первых у Бурлюка.

Работа имеет характер картины, а не этюда (что типично для натурных пейзажей Бурлюка), в ней чувствуется серьезная и тщательная проработка пространственных планов, уверенное мастерство в решении цветовых отношений, фактурных различий первого и дальнего плана. В некоторых фрагментах заметно характерное для Бурлюка тяготение к импрессионистической дробности мазка и плотной фактуре».

Эксперт отмечает не только коллекционную, но и музейную ценность пейзажа «Морской залив» (1920).

СЮРВАЖ Леопольд (Штюрцваге Леопольд Львович, 1879–1968) Город. Начало 1920-х
Холст, масло. 92 × 73

К раннему периоду творчества Леопольда Сюрважа относится холст «Город» (начало 1920-х).

Леопольд Львович Штюрцваге (будущий Леопольд Сюрваж) родился в 1879 в Финляндии (по некоторым данным, в Москве). В ранние годы обучался игре на фортепиано (отец художника управлял фабрикой по производству фортепиано и роялей). В 1897 защитил диплом в области коммерции. После серьезной болезни в 22 года решил сменить сферу деятельности и поступил в МУЖВиЗ, где учился в мастерских К. А. Коровина и Л. О. Пастернака. Участвовал в выставках МУЖВиЗ в 1904 и 1908. В 1905 вместе с М. Ф. Ларионовым, Р. Р. Фальком, С. Ю. Судейкиным, Н. Н. Сапуновым экспонировался на выставке «Голубая роза». В июле 1908 эмигрировал во Францию и с тех пор жил в Париже.

Во Франции Сюрваж первоначально работал настройщиком фортепиано и некоторое время посещал академии А. Матисса и Ф. Коларосси. Участвовал в первой выставке объединения «Бубновый валет» в Москве (1910–1911). В 1911 выставил свои работы в Салоне независимых в зале кубистов. В 1912 по совету А. Архипенко, знакомство с которым состоялось годом ранее, экспонировался в Осеннем салоне в Париже. В 1912–1913 создал серию абстрактных композиций «Ритмы в цвете», в основе которых лежала идея движущихся форм (т. е. построение по принципу мультипликации).

Во время Первой мировой войны жил в Ницце. В 1917 поэт Г. Аполлинер, автор псевдонима «Сюрваж» (на французский лад), организовал первую персональную выставку мастера в галерее Богар (Bougard) и написал вступительную статью в каталог. Тогда же Сюрваж подружился с А. Модильяни. Художники вместе арендовали студию. В 1919 участвовал в «Выставке современной французской живописи» в Лондоне. В 1920 стал одним из учредителей возрожденного объединения «Золотое сечение», идейным вдохновителем которого также являлся Аполлинер.

В начале 1920-х Сюрваж создал свои известные кубистические пейзажи, которые были показаны в галерее «Современное усилие» (Galerie L’Effort Moderne) Льва Розенберга. Художник создал собственную систему организации кубистической перспективы: если у кубистов система плоскостей основывалась на одной общей оси с изображением предметов, то Сюрваж создал кубистическую перспективу пейзажа в двух измерениях. Помимо станковой живописи, в 1922 он оформил постановку оперы-буфф И. Ф. Стравинского «Мавра» в антрепризе С. П. Дягилева, где также использовал собственную систему кубистической перспективы. В 1925 — оперу А. Веретти «Маленькая продавщица спичек», поставленную на сцене Théâtre de Cagliari в Париже. Однако уже в середине 1920-х кубизм у Сюрважа постепенно сменяется интересом к неоклассицизму.

В 1920-х его персональные выставки неоднократно проходили в США и странах Западной Европы. В 1928 он участвовал в коллективной выставке «Современное французское искусство» в залах Музея западного искусства в Москве, наряду со многими представителями русской эмиграции в Париже.

В 1930-х начал заниматься дизайном текстиля, в 1933 сотрудничал с домом «Шанель». В 1937 создал несколько проектов оформления павильонов Международной выставки в Париже. В конце 1930 Сюрваж познакомился с А. Массоном, под влиянием идей которого увлекся мистицизмом. Его творческая манера снова претерпела некоторые изменения: в живопись и графику вновь возвращаются криволинейные геометрические формы, характерные для произведений 1910 — начала 1920-х годов.

С 1939 года начал применять древний способ составления казеиновых красок, сохраняющих свой цвет более двух тысяч лет. Их прозрачные и матовые оттенки увеличивали особую рельефность его композиций. Во время Второй мировой войны остался в Париже, продолжая заниматься живописью. В 1950–60-х создавал картоны для мануфактуры гобеленов. В 1963 был удостоен ордена Почетного легиона.

Работы художника находятся в собраниях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Института искусств в Чикаго, Музея изящных искусств Сан-Франциско, Музея современного искусства в Париже, Центра Жоржа Помпиду в Париже, Музея изящных искусств Лиона, Третьяковской галереи в Москве, Национального музея в Афинах.

В произведениях художника начала 1920-х годов, к которым относится работа «Город», прослеживается, как отмечает эксперт, «влияние кубизма (помимо П. Пикассо и Ж. Брака надо отметить скульптуры многолетнего друга автора, выдающегося скульптора А. Архипенко), в особенности его разновидностей, пуризма и орфизма. Позже в значительной степени проявилось увлечение мастера сюрреализмом (как фигуративным, так и абстрактным), одним из ярчайших культурных явлений ХХ века, которому отдали дань многие знаменитые художники.

Леопольд Сюрваж, следуя новейшим устремлениям современного европейского искусства, тем не менее оставляет за собой право на индивидуальность — любовь к четкой линеарности, плоскостности объемов, локальным цветам, декоративности, подчеркнутой отстраненности, “вневременности” изображаемых объектов.

Мотив пустынного города с расступающимися домами, безмолвием окон, зелеными кронами деревьев, летящей птицей, контуры которой переходят в очертания зданий, и одиноким силуэтом человека часто встречается в творчестве Сюрважа начиная со второй половины 1910-х годов и вплоть до позднего времени».

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Осенний натюрморт. Середина 1930-х
Бумага, графитный карандаш. 49,5 × 34,5

Замечательно гармоничен и очень хорошо проработан рисунок Наталии Сергеевны Гончаровой «Осенний натюрморт», созданный в середине 1930-х годов. Пышный букет в вазе осенен прозрачными ветками спаржи; буйство природы поддерживает красивый цветочный рисунок скатерти и флоральный фрагмент рисунка обоев, даже на черешке яблока мы видим самостоятельный сюжет: увядающий лист рядом с живыми.

«Работая над рисунками своих натюрмортных композиций, — отмечает эксперт, — Н. С. Гончарова, как правило, делала их серийно на альбомных листах или листах одинаковой бумаги. Впоследствии многие из этих карандашных рисунков легли в основу живописных натюрмортов художницы».

ЛАРИОНОВ Михаил Фёдорович (1881–1964) Пейзаж. 1930-е — первая половина 1960-х
Холст, масло. 41 × 46,5

Большим временным отрезком — с 1930-х до первой половины 1960-х годов — датируется «Пейзаж» Михаила Федоровича Ларионова.

На обороте работы имеются подпись, надпись и дата: M. Larionow Paysage1906.

Как отмечают эксперты, зелено-охристо-голубой колорит пейзажа характерен для «раннего» Ларионова. «Однако, несмотря на наличие художественных приемов, свойственных ранним произведениям, представленная картина отличается построением композиции и объемов, обобщенностью в рисунке, характером наложения мазков, сдержанным и приглушенным цветовым решением, что характерно для более поздних работ мастера.

Хорошо известно, что определение времени создания произведений М. Ф. Ларионова является сложной проблемой, т.к. художник редко датировал свои произведения русского периода (до 1915, а с 1915 жил за границей). Начиная с конца 1920-х годов, после получения произведений из московской мастерской, Ларионов многократно обращался к темам и мотивам своих ранних работ, следовал их стилистике, проставлял на произведениях даты, относящиеся к 1900-м годам, подписывал их и по-французски, и по-русски».

По стилистическим признакам и результатам химического анализа пигментов и связующего работа «Пейзаж» относится к французскому периоду творчества Михаила Фёдоровича Ларионова и может быть датирована не ранее 1930-х годов.

Искусство ХХ века

АЛИСОВ Михаил Александрович (1859–1930) Без названия. 1929
Фанера, масло. 35,5 × 45

К последнему периоду творчества Михаила Александровича Алисова относится марина «Без названия» (1929).

Биографические сведения о художнике, к сожалению, немногочисленны. Михаил Алисов родился в 1859 году в Харькове, в 1887–1889 учился в Петербургской Академии Художеств у Ю. Ю. Клевера. Затем переехал в Крым, где работал в Феодосии под началом И. К. Айвазовского.

В 1900 Алисов экспонировался на выставке художественного кружка в Астрахани; в 1910 — на выставке Художественно-артистического общества в Екатеринославе. В начале ХХ века Михаил Александрович поселился в Ялте. В 1914 выступил как член-учредитель и экспонент Ялтинского художественного кружка. Персональных прижизненных выставок художника известно три: в 1900, 1902, 1903, все они прошли в Харькове в рамках Товарищества харьковских художников, причем на выставке 1900 года, приуроченной к 40-летию художника, экспонировались 132 его картины. Был также членом и экспонентом Севастопольского художественного кружка. В 1912 году Ялтинское общество садоводства выпустило серию его открыток «Флора Крыма».

Произведения художника хранятся в Харьковском, Тульском, Нижегородском, Днепропетровском художественных музеях, Севастопольской картинной галерее (artinvestment.ru, museum.net.ua, crimean-monuments.ru).

Мы приводим годы жизни художника соответственно принятым в литературе: 1859–1930. Однако эти даты не бесспорны: в разных источниках встречаются указания, что М. А. Алисов родился в 1858 году, а на памятнике на Ялтинском кладбище, поставленном в 1960 году, выбита надпись: Художник // Алисов // Михаил Александрович // 5  I  1860 — 15  VI  1933 // Маринист // лучший ученик // Айвазовского // От Горкомхоза 1960 г. Чем художник заслужил подобный знак памяти от Ялтинских коммунальных служб через 30 лет после кончины, неизвестно. Подтвердить или опровергнуть информацию на памятнике предстоит историкам искусства. Пока не подтверждается и информация о его членстве и участии в выставках Товарищества южнорусских художников: в авторитетном биобиблиографическом справочнике «Товарищество южнорусских художников» (Одесса, 2014) имя М. А. Алисова не упоминается. Словом, искусствоведам предстоит еще ответить на много вопросов.

Сегодня имя и творчество замечательного мариниста Михаила Александровича Алисова, отнюдь не затерявшегося в тени своего великого педагога И. К. Айвазовского, возвращается в орбиту русского искусства. В базе аукционных результатов AI содержится 56 записей об аукционных событиях с участием его произведений. Акварели М. А. Алисова продаются в США, Великобритании, Чехии, Германии, Украине, Дании, в России — в Москве и Санкт-Петербурге.

ЮОН Константин Фёдорович (1875–1958) Девушка у окна. 1920–30-е
Картон, темпера, масло. 50,5 × 39,8

Кистью Константина Фёдоровича Юона создан небольшой портрет «Девушка у окна» (1920–30-е). Эксперт указывает, что «работа происходит из собрания известного крымского архитектора Николая Георгиевича Тарасова, по проекту которого были построены многие знаменитые здания в Ялте, в частности Городской театр и Дворец эмира Бухарского».

Константин Юон родился в 1875 в Москве в семье страхового агента, выходца из Швейцарии. В 1894 поступил в МУЖВЗ на архитектурное отделение. Вскоре перешел на живописное отделение, учился у К. А. Савицкого, А. Е. Архипова, Л. О. Пастернака, в 1899 работал в мастерской В. А. Серова.

С 1896 до конца 1900-х неоднократно посещал Париж, где занимался в частных студиях. С 1898 давал частные уроки. В 1900–1917 возглавлял Школу К. Ф. Юона и И. О. Дудина в Москве. Увлекся культурой Древней Руси. В конце 1890-х — 1900-е неоднократно путешествовал по старинным русским городам. Посетил также Италию, Австрию, Швейцарию, Германию. Жил в Москве, в Сергиевом Посаде (1903, 1911, 1918–1921), Тверской губернии (1905–1906, 1916–1917), Переславле-Залесском, Ярославле.

Принимал участие в выставках Московского товарищества художников (1899, 1902), Товарищества передвижных художественных выставок (1900), «Мира искусства» (1901, 1906). С 1903 был постоянным экспонентом Союза русских художников, с 1904 — входил в состав Комитета «Союза». Работал преимущественно как пейзажист, снискав «широкую известность» у московской и петербургской публики.

В конце 1900-х — начале 1910-х оформлял оперные постановки Русских сезонов С. П. Дягилева в Париже. С 1910 сотрудничал в театрах К. Н. Незлобина, Оперном С. И. Зимина, Малом театре, МХТ. В 1916 принимал участие в оформлении литературно-художественного сборника «Полвека для книги: К 50-летию издательской деятельности И. Д. Сытина».

После революции был одним из инициаторов создания школ изобразительного искусства при Московском отделении народного образования. В 1920 получил первую премию за проект занавеса для Большого театра. В 1921 избран действительным членом Российской Академии художественных наук. С 1925 — член АХРР. В 1938–1939 руководил персональной мастерской во Всероссийской Академии художеств в Ленинграде.

В 1940 выполнил эскизы мозаичного оформления Дворца Советов. В 1943 награжден Сталинской премией, в 1947 избран действительным членом Академии художеств СССР. С 1943 по 1948 работал главным художником Малого театра. В 1950 был удостоен звания «Народный художник». В 1948–1950 возглавлял НИИ истории и теории изобразительного искусства Академии художеств СССР. Доктор искусствоведения. В 1952–1955 преподавал в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова, профессор. С 1957 — первый секретарь правления Союза художников СССР.

«К. Юон известен в первую очередь как мастер архитектурного и городского пейзажа, — отмечает эксперт. — Иногда в творчестве мастера появляются и портреты. Чаще всего моделями художника были представители так называемого ближнего круга — жена, сын, внук, друзья и знакомые, изображенные на фоне открытого окна с элементами растительности или архитектуры на заднем плане».

БОМШТЕЙН Александр Абрамович (1927–2007) Царица Ирина. Эскиз костюма к трагедии «Царь Фёдор Иоаннович» по трилогии А. К. Толстого. 1982
Дерево, масло, темпера, смешанная техника, ассамбляж. 54,5 × 34,2

Русскую историю и театральное искусство объединяет эскиз костюма Царицы Ирины к трагедии «Царь Фёдор Иоаннович» по трилогии А. К. Толстого (1982) Александра Абрамовича Бомштейна. Произведение поражает сделанностью, филигранной работой художника в разработке мельчайших деталей костюма персонажа, содержания и декора в целом — можно даже и не сомневаться в его историчности и аутентичности эпохе.

Александр Бомштейн приобрел известность прежде всего как театральный художник, оформивший более ста спектаклей в Московском областном театре драмы, Московском театре им. Моссовета, Московском театре им. Гоголя, а также в театрах Украины, Болгарии, Чехии, Франции и других стран. Помимо успешной театральной деятельности, Бомштейн также зарекомендовал себя как талантливый живописец и график. Его творческое наследие насчитывает множество пейзажей, портретов, жанровых сцен и исторических полотен. В 1992 году картина художника «Древо Мать» (1976) выиграла гран-при международного фестиваля театрального искусства в Венеции. Работы автора находятся в собраниях ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственного Литературного музея, ГЦСИ им. А. А. Бахрушина и в частных коллекциях по всему миру.

Работа «Царица Ирина» создана в поздний период творчества Бомштейна, вдохновленный интересом к отечественной истории. Произведение является частью цикла «История Государства Российского», в которую входят портреты русских исторических деятелей — правителей светских и церковных. Судя по авторской дате (1982), работа выполнялась как станковое произведение, а через много лет (1995–1997) была использована в качестве эскиза костюма к постановке исторической трилогии Алексея Толстого в Московском областном драматическом театре им. А. Н. Островского.

Неофициальное искусство

В андеграунд шли неуживчивые люди крепкой индивидуальной закваски. Все они верили в возможность невозможного, и каждый при этом всегда оставался самим собой, упорно пестуя и отстаивая свое художническое «я». Но, поскольку человек существует как личность, лишь «отражаясь» в других, можно говорить об этих людях «мы». Я ненавижу слово «мы», но «мы» андеграунда — это сумма отражений, противостоявшая коммунальному единомыслию, возможность разноуглубленного разнопонимания, стремление к разновидению, понимаемому как качество, органически присущее искусству (Владимир Немухин).

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Без названия (Портрет девушки). 1960
Бумага, пастель, цветные карандаши, шариковая ручка, процарапывание. 27,3 × 19,6

В 1960 году написана композиция «Без названия (Портрет девушки)» Анатолия Тимофеевича Зверева — живая, свежая, вдохновенная, виртуозная, по-настоящему зверевская работа.

КАБАКОВ Илья Иосифович (1933) Без названия. 1964
Бумага на картоне, тушь, цветные карандаши. 26 × 35 (лист с рисунком), 39,7 × 48,8 (картон основа)

Рисунок «Без названия» (1964) относится к раннему периоду творчества Ильи Кабакова.

Илья Кабаков — классик московского концептуализма, изобретатель жанра «концептуального альбома» и «тотальной инсталляции», в произведениях которого получила художественное осмысление советская жизнь в ее многогранных проявлениях — на уровне культуры, быта, мифологии и идеологии.

Илья Кабаков родился в 1933 в Днепропетровске. «В 1944 переехал с родителями в Москву, в 1951 окончил графический факультет Московского художественного института им. В. И. Сурикова. Работал художником в издательстве “Детская литература”, тогда же, в 1950-х, стал экспериментировать с некоторыми формами абстрактного искусства. В середине 1960-х начал самостоятельное творчество с анализа принципов иллюстрирования как модели творчества, которое понимал как создание текста. <…> Кабаков в своих работах анализирует соотношение текста и комментария, используя эстетику советского коммунального быта, которая позволяет исследовать абсурдность тоталитарного социума через экзистенцию “маленького человека”» (svoykrug.com).

Владимир Немухин писал: «Живя в эпоху массового искусства, китча и ширпотреба, трудно надеяться на полноценный спонтанный диалог. Поэтому, возможно, столь популярна нынче позиция, которую декларирует один из создателей “отечественного концептуализма” Илья Кабаков: “Творец работает исключительно для «Носа», способного чуять”.

Кабакову присуще постоянное стремление выявлять в повседневности различного рода значимые идеи, которые, по его мнению, эту повседневность организуют, вне зависимости от человека. Сам человек — это тоже “идея”, или равноценный художественный образ, существующий в ряду ему подобных. <…> По существу, он и не делает станковую живопись, а всегда ориентируется на вербальность, на форму текста. <…> Конечно же, как и всякий художник, Кабаков нуждается в контакте, но это должны быть отношения особого рода — отстраненные и обезличенные. Ему не знаком тот “другой”, с которым он посредством художественного высказывания вступает в контакт, он ни от кого не ждет выражения банальных эмоций типа любви и дружбы. Что же касается встречи между Я и Ты, то у Кабакова она происходит в “элитарном салоне”, а всякое творчество “во имя человека”, цель которого помочь человеческому роду вновь обрести подлинную личность и учредить истинную общность, для него, по-видимому, есть одна из “идей”, интеллектуальная абстракция, не содержащая конкретного жизненного наполнения» (Марк Уральский. Немухинские монологи (Портрет художника в интерьере). — М.: Бонфи, 1999. С. 56–57).

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Две маргаритки. Середина 1970-х
Картон, гуашь. 49 × 36,4

Один из самых характерных сюжетов в творчестве Владимира Игоревича Яковлева воплотился в работе середины 1970-х годов «Две маргаритки». «Написанные им цветы трудно назвать натюрмортами, скорее, быть может, портретами цветов или их образами-символами», — писал о Яковлеве арт-критик Сергей Кусков (art-critic-kuskov.com).

«В истории отечественного современного искусства творчество Владимира Яковлева предстает своеобразным мерилом колористического мастерства и индивидуальной экспрессии. Его творческий поиск совпадал с тенденциями современного европейского искусства (в особенности немецких “новых диких”), а естественность художественной манеры отчасти обусловлена болезненной инфантильностью и почти полной потерей зрения на протяжении многих лет. Начав с абстрактных работ в технике ташизма, к концу 1950-х годов в живописи Владимира Яковлева появляются цветы и портреты; никогда не с натуры, всегда — отражение внутренних образов и переживаний. Цветы впоследствии стали “визитной карточкой” художника во всех смыслах: не только самая узнаваемая серия работ, но и глубокий отпечаток сугубо личного — почти символический портрет» (Сергей Попов, искусствовед, pop/off/art).

«Художник, интуитивно-непосредственный, в творчестве которого главенствуют чувства и эмоции, — таким предстает Владимир Яковлев, чье искусство трудно определить в строгих категориях направления или стиля. Скорее всего, в нем можно увидеть очень самобытного отечественного художника-экспрессиониста.

Заметим, что порою при первом беглом и достаточно поверхностном знакомстве с творчеством Яковлева возникает искушение (на основе некоторых наивно-инфантильных интонаций его искусства и выразительных “неправильностей” его рисования) увидеть в нем приметы примитивизма. Но такая точка зрения нам представляется ошибочной. При всей, быть может, наивной душевной открытости личностного склада Яковлева это отнюдь не “наивный”, а раннезрелый, эстетически и профессионально искушенный мастер. Все его деформации для знающего взгляда выдают мастерство рисовальщика, владение композицией и тонко развитую культуру живописца, к тому же, как известно, осведомленного в истории искусства, в том числе по тем временам актуального.

Яковлев… творил на едином дыхании, по ту сторону рассудочной рефлексии и осознанно привлекаемых культурных реминисценций. В искусстве Яковлева (если отвлечься от утонченности его живописного мастерства, как и от тревожного драматизма, характерного для его мироощущения) можно было бы усмотреть проявление почти детской наивности-открытости.

Однако, учитывая укорененность Яковлева в большой художественной культуре, его осведомленность в современном искусстве, трагические обстоятельства его жизни, уместнее говорить не о детскости или инфантилизме (свойственных наивному искусству), а скорее о каком-то первозданно-свежем, чистом, освобожденном от всего наносного мировосприятии.

Кажется, что Яковлев вышел к некоей высшей Простоте как особой форме изощренного артистизма, художественной маэстрии» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

«Натюрморт “Две маргаритки” — характерное для середины 1970-х годов произведение В. И. Яковлева из его удивительного цикла цветов, написанных в различных техниках, — отмечает эксперт. — Гуашевые работы В. И. Яковлева с цветами отличает выразительность, динамика, своеобразная пластика. Они прочувствованы и на них ему блестяще удается передать мимолетную красоту, нежность и хрупкость цветов. Каждое подобное произведение В. И. Яковлева такого хорошего качества уникально».

КОЛЕЙЧУК Вячеслав Фомич (1941–2018) Самоколлаж по мотивам картины И. К. Айвазовского «Лунная ночь у взморья». 1987
Бумага на пластике, самоколлаж. 45,5 × 36 см

«Со времен Леонардо да Винчи появляются такие художники-ученые — неутомимые экспериментаторы по всему духу своих исканий, стремящиеся заглядывать вперед: в новые технологии, конструкции, идеи», — писал Валерий Турчин о Вячеславе Колейчуке, авторе «Самоколлажа по мотивам картины И. К. Айвазовского “Лунная ночь у взморья”» (1987).

«Самоколлаж — это прием создания новой художественной реальности путем пересборки исходного изображения. В отличие от коллажа, здесь используются ресурсы только одного изображения. Элементы исходника, обладающие симметрией, вырезаются и затем сочетаются в новом порядке.

Самоколлажи — одна из техник кинетического искусства, которая призвана проявить внутреннюю динамику статичного изображения. Изобрел эту технику Вячеслав Колейчук — художник, архитектор, теоретик искусства и педагог, один из пионеров кинетического искусства в России. Создатель “самовозводящихся” конструкций, вантово-стержневых структур и штриховых стереографий, установок светового формообразования, звучащих объектов и “гравицапы” для фильма “Кин-дза-дза!” Колейчук на протяжении всего своего творческого пути работал на стыке разных видов искусства.

Если обычные коллажи можно дополнять разнородными материалами, то самоколлаж создается без использования дополнительных иллюстраций, строго из одного изображения. Вырезанные геометрические или другие фигуры художник переставляет определенным образом, поворачивает и комбинирует так, чтобы создать эффект движения и объема. Изменения происходят за счет кинетических преобразований, а в итоге на листе проступает новая реальность, спрятанная в изображении» (theatremuseum.ru).

Лекция Анны Колейчук «Азбука Вячеслава Колейчука. Буква С: технология самоколлажа»

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Жар-птица. Из серии «Балеты Стравинского». 1989
Холст, смешанная техника. 213 × 178

Творчеством Игоря Стравинского вдохновлен двухметровый холст Михаила Михайловича Шемякина «Жар-птица» (1989). Работа входит в серию произведений художника, выполненных в разных техниках и посвященных балетам Игоря Стравинского «Весна Священная», «Жар-Птица» и «Петрушка», которые были написаны по заказу С. П. Дягилева для его антрепризы “Русские сезоны”. Шемякину посчастливилось лично встретиться с Игорем Стравинским, который после долгих лет эмиграции в 1962 году приехал в СССР на гастроли.

«Гражданин мира», родившийся в Москве, Михаил Шемякин почти все детство провел в Восточной Германии, учился в Ленинграде, по воле обстоятельств стал гражданином США, живет преимущественно во Франции и остается важным проводником русской культуры в мире. Его жизнь, в которой жесткие реалии переплетены с многочисленными мистификациями, поразительно созвучна творчеству — гротескному, сюрреалистичному, пропитанному духом фантасмагории, венецианских масок и сказок Гофмана.

Михаил Шемякин родился в семье кадрового военного Михаила Петровича Шемякина (коменданта Кенигсберга, преподавателя Академии им. М. В. Фрунзе) и актрисы Юлии Предтеченской. До 1957 года семья проживала в местах службы отца, в основном на территории Восточной Германии.

Художественное образование Шемякин получал в СССР, в средней художественной школе при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (ныне — Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина), откуда в 1961 году он был отчислен, по некоторым свидетельствам, за «несоответствующее нормам социалистического реализма художественное мировоззрение» и «эстетическое развращение сокурсников». Однако эти события не повлияли на творческие стремления художника, и уже в 1962 году в помещении редакции ленинградского журнала «Звезда» состоялась его первая выставка. Этой выставкой Шемякин утвердил свою точку зрения на искусство и впервые заявил о себе обществу.

Известность Шемякину принес его следующий большой (но недолговечный) проект, вызвавший общественный резонанс. В 1964 году в Государственном Эрмитаже открылась «Выставка художников — рабочих хозяйственной части Эрмитажа. Навстречу 200-летию Эрмитажа». Выставлялись работы пяти художников: Михаила Шемякина, Владимира Уфлянда, Олега Лягачева, Валентина Кравченко, Владимира Овчинникова. Выставка успела проработать всего один день (с 30 по 31 марта 1964 года); 1 апреля ее со скандалом закрыли, а директора Эрмитажа М. И. Артамонова сняли с должности…

В 1969 году в Нью-Йорке состоялась первая зарубежная выставка художника, и с этого времени его работы выставляются в Европе, США, Бразилии, Японии, Гонконге.

Но на родине, в СССР, официальное советское искусство причислило Шемякина к «художникам-пачкунам», поэтому ему надо было искать себе работу вне художественной системы. В 1960-х ему пришлось сменить множество профессий: он был чернорабочим, лаборантом, такелажником.

При содействии известной галеристки Дины Верни (1919–2009) Шемякин вместе с семьей переехал в Париж, где был тепло принят художественным миром Франции; в 1971-м его лишили советского гражданства (artinvestment.ru).

«…Будучи выгнанным из Советского Союза с пятьюдесятью долларами в кармане, — я создал и институт, и громаднейшую уникальную библиотеку, собрание работ, редчайших автографов, начиная с Игоря Стравинского, и прочее…» (Михаил Шемякин, kremlin.ru)

«Художник запечатлел сцену, в которой Жар-птица показывает Ивану-царевичу яйцо, скрывающее смерть Кощея Бессмертного. Утрированно-красочная цветовая гамма, состоящая из ярких оттенков синего, красного, желтого, оранжевого и зеленого, передает свойственную многим работам автора атмосферу карнавального празднества. Колористическое решение, а также упрощенная трактовка персонажей отсылают к стилистике русского лубка. Композиционное построение полотна напоминает мизансцену, обуславливая театральность произведения. В изображении героев Шемякин прибегает к своему излюбленному приему — гротеску, придающему персонажам характерный внешний облик. При этом в трактовке Жар-птицы художник создает в большей степени анималистический, чем человеческий образ, подчеркивая хвост, крылья, а также когти на ногах и руках» (Мария Беликова).

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Падший ангел. К триптиху «Футуризм». 1982–1998
Холст, масло. 50 × 50

Полтора десятка лет разделяют время начала и окончания холста «Падший ангел» (1982–1998) Вячеслава Васильевича Калинина.

Холсты и графика художника производят впечатление с первого взгляда, но дальше нужно всматриваться — и разглядывать оттенки, детали, которые проступают одна за другой и добавляют объем и глубину образам и всей композиции в целом. «Есть художники от ума, а есть художники от эмоций. Художники от ума много компилируют, они себя “делают”, я же следую за эмоциональным импульсом. Как-то назвали мой стиль фантастическим ирреализмом, но это слишком заумно. Я принадлежу к московской школе живописи. Я реалист», — говорит Калинин (chaskor.ru).

«Да, Калинин причудлив, непоследователен, нервен, сексуален, алогичен и ни на кого не похож. Но ведь всё это и прекрасно, оттого что искренне! Вот это и называется — самобытный художник, созидатель, фантазёр, творец» (peoples.ru).

Отучившись на столяра-краснодеревщика (нужно было кормить семью), Калинин проработал по специальности около года, не выдержал нелюбимого дела и поступил в Абрамцевское художественно-промышленное училище им. В. М. Васнецова в подмосковном Хотькове. Вскоре (в начале 1960-х) Калинин посетил Лианозово, где познакомился с Оскаром Рабиным, Евгением Кропивницким, Василием Ситниковым, Владимиром Яковлевым, а позднее с коллекционером Георгием Костаки и Анатолием Зверевым. С этого момента он становится свидетелем или, что чаще, непосредственным участником фактически всех значимых для московского неофициального искусства второй половины века событий.

В 1961 году Калинин в русле подготовки к очередной молодежной выставке показал несколько работ в Союзе художников. Спустя неделю в училище нагрянула комиссия — его произведения в числе многих других были окрещены формалистскими, за чем последовало исключение. Тем не менее художнику удалось восстановиться, и он закончил учебу (1963) (artinvestment.ru).

«В своих картинах того времени (сейчас оно обозначается как время “сурового стиля”) я писал свою жизнь, которая шла как бы по кругу: пьянство и драки, веселье и печаль, — вспоминал Калинин. — Хотелось запечатлеть быстротечность и театральность нашей жизни. Я совершенно не заботился ни о стиле, ни о модных исканиях в живописи. Все возникало спонтанно, виденное однажды преломлялось в воображении…»

Художник рано выработал собственную живописную манеру, по сей день практически не изменившуюся, и нашел свою тему в причудливом быте памятной ему послевоенной Москвы, прежде всего дворов и улочек Замоскворечья, где прошло его детство.

Одаренный рисовальщик, он охотно дает волю воображению, считая себя последователем романтической линии в московской школе живописи. Калинин вводит в свои произведения портреты реальных лиц, обнаженную натуру и зарисовки архитектурных достопримечательностей Москвы, однако тяготеет к символическим композициям, где настойчиво противопоставляет силы «света и тьмы» (rosgrafik.blogspot.com).

«Калинин работал много в любой технике; накопленное мастерство и богатые впечатления жизни проявились и в графике, и в офорте, и в живописи, — вспоминала Зана Плавинская. — Он, как Зверев, Харитонов и Плавинский, был патологически трудолюбив.

Картины С.К. похожи на фрагменты бесконечных сновидений. Они состоят из обрывков жизни, из впечатлений бытия, не связанных логикой и последовательностью. Знакомые лица живут по прихоти художника в фантастическом воплощении» (lebed.com).

При всей индивидуальности манеры Калинина в его творчестве прослеживаются черты, характерные для поколения шестидесятников и вместе с тем предвосхищающие принципы искусства молодых художников 1970-х годов. В отличие от лианозовцев, Калинин в гораздо меньшей степени зависел от авангарда, хотя и очевидно использование им достижений кубизма, пропущенных сквозь призму живописи Фалька и Филонова. Его творчество тяготеет к сатирическому осмыслению реальности, присущему, например, Рабину, которое, однако, соединяется в его работах с театрализованным, «карнавальным» художественным видением действительности. Здесь присутствуют и гротеск, и цитирование, и особый «мифологизм», которые проистекают из источников широчайшего спектра: русской классической и постмодернистской литературы, современной ему бардовской песни, живописи Брейгеля, Дюрера и тех же авангардистов (artinvestment.ru).

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Вячеслав Калинин».

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Танец. Этюд к монументальной скульптуре. 1993
Тираж 12 экземпляров + авторские. Авторский экземпляр
Бронза, гранит, литье. 20 × 13,6 × 11

Единственная скульптура в каталоге — авторский экземпляр бронзовой композиции «Танец» (1993), представляющей собой этюд к монументальной скульптуре, Эрнста Иосифовича Неизвестного. Работа сопровождается сертификатом подлинности, подписанным и датированным автором.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Шкура. 2002
Бумага на холсте, акрил, коллаж. 100 × 80

Важнейшая в творчестве Владимира Николаевича Немухина работа — «Шкура» (2002).

Художник не раз писал о том, как и почему он обратился к картам, и приемов работы с ними у Немухина было великое множество: он приклеивал настоящие карты к основе лицом или рубашкой вверх, рисовал «настоящие» или вымышленные карты, помещал в карточные прямоугольники совершенно некарточные придуманные или заимствованные символы, объединял в одной композиции сразу несколько приемов и т.д. Арт-критик Сергей Кусков писал о Немухине (надо сказать, что художник чрезвычайно высоко ценил мнение Кускова): «...На переломе от абстракции к оригинальной, предельно отстраненной предметности возникает образ-знак-мотив, ставший для него темой кочующей, сквозной и постоянной. При всех его последующих пластических превращениях сохраняется, словно некий личный знак авторского присутствия, тот предмет, в котором, пожалуй, вещное и знаковое наиболее нерасчленимы — и это всего лишь игральная карта или же их вездесущая колода — плеяда потускневших раскрашенно-разрисованных прямоугольных бумажек» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

Но именно сейчас важны не карты. Важен мотив и авторское название. Мотив хорошо известен знатокам и любителям творчества художника, нередко мы встречаем его под названием «Джокер», а верхний фрагмент художник трансформирует то в велосипедное седло, то в другие странные «головы» своих многочисленных «валетов». А вот авторское название отсылает нас… в начало 1950-х годов.

Много лет назад Владимир Николаевич рассказывал автору этих строк о сильнейшем впечатлении, которое навсегда врезалось в память и положило начало одному из многолетних творческих мотивов. Владимир Николаевич обладал прекрасной памятью и был великолепным рассказчиком, все, о чем он говорил, слушатель словно видел своими глазами. В начале 1950-х, когда Немухин был весьма далек от карточной тематики, он приехал в гости в глухое село где-то на Северном Кавказе, настоящий «край географии». До места он добрался в сумерках, и, оказавшись в незнакомой глуши, вдруг увидел прямо посреди дороги невероятных размеров медвежью шкуру, на которой мальчишки играли в карты. На карты художник особого внимания тогда не обратил, но шкура и огромная медвежья голова его поразила. Много позже, уже найдя свою магистральную карточную тему, художник рисовал и писал медвежью шкуру с разбросанными по ней картами много раз, а голова зверя со временем трансформировалась в джокера и появилась на ломберных столах в картинах Владимира Николаевича. Но вот использовал ли он хоть раз полностью соответствующее оригинальному сюжету название «Шкура», сказать затрудняемся. Так что наша сегодняшняя композиция — это, возможно, уникальная работа.

СЛЕПЫШЕВ Анатолий Степанович (1932–2016) Без названия (Две фигуры)
Бумага Montval aquarelle, акварель, тушь, перо, процарапывание. 49,5 × 64,5

Не датирована графическая композиция «Без названия (Две фигуры)» Анатолия Степановича Слепышева — одного из лучших колористов не только среди неофициальных художников, но и в целом русского послевоенного искусства. «Все как будто небрежно, аляповато, наспех, но есть состояние. Виден технологический процесс, краска как бы живая… Я не хочу добиваться пространства или объема школьными методами. Пространство у меня дает только цвет. Все должно быть на плоскости, глубина — за счет окраски пятна» (Анатолий Слепышев, цит. по: antiguo-hidalgo.livejournal.com).

«Много лет назад, в Афинах, я была в гостях у знаменитого коллекционера Костаки. Он был уже смертельно болен. Но его дочь Лиля показала мне их галерею (теперь, к сожалению, не существующую), которая была буквально набита живописью прекрасных художников-“лианозовцев”: Краснопевцева, Рабина, Целкова… В комнате самого Костаки висело всего три картины — это был Слепышев» (Алла Демидова, цит. по: antiguo-hidalgo.livejournal.com).

«Под небесами, в небесах, на дорогах, на еле заметных тропах, под одинокими деревьями, в осенних рощах, в летних садах, на зачарованных островах и никогда — в замкнутых пространствах интерьеров пребывают персонажи Анатолия Слепышева на двухмерной бесконечности его холстов.

В отголосках реальных событий, в отзвуках настоящего времени, в миражах реальных пространств, то демонстрируя тягу вырваться за пределы существования, то замирая в созерцании закатов и восходов, то укрываясь от грозы, то сражаясь с врагами, то сливаясь в бесконечном поцелуе.

То вторя Заратустре: “Теперь я легок, теперь я летаю, теперь я вижу себя под собою, теперь Бог танцует во мне”.

А потом — тяжело замирая на призрачных мостах, перекинутых через все, что разъединяет навеки.

Грубая фактура холстов, следы мастихина, отпечатки пальцев, то четко рассчитанные, то небрежные касания кисти, бестелесные вибрации цвета. Фиксация исчезающих следов Бытия, ухватывание, удержание этих следов. Пред-знание того, что это когда-то существовало. И поверх всего, и изнутри всего каким-то непостижимым образом — обреченность на гармонию, на способность переносить тяготы исторической реальности, замкнутой в железный круг существования» (Виктор Калинин, tg-m.ru).

Искусство ХХI века

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Сон Наташи. 2008
Холст, масло. 49,7 × 55

«Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда», — говорит Люся Воронова, автор холста «Сон Наташи» (2008).

«Сон Наташи» (2008) — своеобразный психологический портрет, который зритель в своем воображении может превратить в портрет реальный. Все в нем работает на единый образ — романтичный, самостоятельный, в чем-то забавный, в чем-то загадочный.

Работа опубликована на одном из шмуцтитулов в каталоге «Люся Воронова» (СПб., 2009), так называемом «красном каталоге», куда вошли важные для художника произведения.

Одновременно с 463-м AI аукционом открыт 149-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». Каталог аукциона составили произведения Павла Антипова, Рубена Апресяна, Наталии Арендт, Марии Васильевой, Сергея Касабова, Pata (Пааты Мерабишвили), Валерия Мишина, Андрея Мунца, Ольги Оснач, Ирины Раковой, Георгия Смирнова, Елены Суровцевой, Анатолия Чечика.

Всем желаем удачи на 463-м AI аукционе и 149-м кураторском аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.