Открыты 444-е торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   22 августа 2022

В каталоге 21 лот: четырнадцать живописных работ, пять листов оригинальной и один — печатной графики и одна работа в смешанной технике

Каталог AI Аукциона № 444 и 130-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 26 августа, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века


ШИШКИН Иван Иванович (1832–1898) Гурзуф. 1885. Лист № 25 из альбома «60 офортов профессора И. И. Шишкина 1870–1892». Спб., А. Ф. Маркс, 1894
Бумага, офорт. 40,5 × 30,3 (лист), 23 × 14, 2 (оттиск)

Из альбома «60 офортов профессора И. И. Шишкина 1870–1892» (Спб., А. Ф. Маркс, 1894) происходит лист «Гурзуф», созданный по оригиналу 1885 года. Иван Иванович Шишкин — тонкий рисовальщик карандашом и пером, был гравером-профессионалом. Он создал за свою жизнь свыше ста листов, посвятив их целиком изображению родной русской природы. Его офортные работы отличаются тонким знанием природы, прекрасным и верным рисунком и совершенной техникой.

Основательно Шишкин стал офортом заниматься в Петербурге в кругу художников-передвижников в основанном ими «Обществе русских аквафортистов» (1871–1874). Наряду с живописью, он много времени и сил уделял изготовлению офортных досок, работал углубленно и сосредоточенно: известно множество пробных оттисков, сделанных с досок в процессе их изготовления. Кроме обычного приема иглой, И. И. Шишкин применял мягкий лак, акватинту, сухую иглу. Материалами для его граверных произведений служили многочисленные его натурные рисунки.

«Гурзуф» — задумчивая, полная света и красоты южная ночь. Черные и мрачные скалы Гурзуфа обрываются пугающими воображение массами — опять в то же чуть зыблющееся безбрежное море. Месяц, чуть тронутый узенькою тучкою, отразился в его глубинах. Тишина, безлюдье, простор — только этот камень да мерцающие воды что-то без слов говорят вашей душе.

Нужно знать кропотливое производство офорта, чтобы понять, сколько труда и усилий потрачено на это издание. Маленькая невнимательность, рассеянность — и начинай все сначала. Чтобы добиться тех результатов, которые дает это издание, нужно было упорно и долго преследовать свою цель, преодолеть тысячи препятствий. Сколько великолепных удавшихся досок приходилось вновь переделывать, потому что, по мнению требовательного художника, они не вполне передавали известное настроение. Рассказывая в предисловии, как Иван Иванович Шишкин работал над этим, издатель говорит: «Он не только печатал листы, но и варьировал их до бесконечности, рисовал на доске краской, клал новые тени, делал другие пятна, звезды, лунные блики... Весь в возбуждении работы, сильный, уверенный, он являлся действительно большим мастером, напоминающим собою художников былого времени» (по raruss.ru).


ЛЕВИТАН Исаак Ильич (1860‒1900) Вечер. Закат. Холмистый пейзаж с изгородью. 1890-е
Бумага, масло. 14,1 × 20 (в свету)

Кисти Исаака Ильича Левитана принадлежит небольшая живописная композиция «Вечер. Закат. Холмистый пейзаж с изгородью» (1890-е).

Исаак Левитан родился в 1860 году в посаде Кибарты близ Вержболово Сувалкской губернии в бедной еврейской семье, сын железнодорожного служащего. Рано увлекся рисованием. В 1873 поступил в МУЖВиЗ, учился у В. Г. Перова, А. К. Саврасова, В. Д. Поленова. В период обучения награждался малыми серебряными медалями. В 1884–1885 пропускал занятия, но продолжал числиться среди учеников. В 1886 был выпущен из Училища со званием неклассного (свободного) художника.

Жил в Москве. Уже первые самостоятельные работы принесли художнику известность. Так, в 1880 его картину «Осенний день. Сокольники» с выставки МУЖВиЗ приобрел в свою коллекцию П. М. Третьяков, ставший впоследствии одним из основных покупателей картин мастера.

В 1881–1882 Левитан давал частные уроки рисования и живописи. Сотрудничал в журналах «Москва», «Радуга», «Волна», где помещал свои рисунки и литографии. С 1884 участвовал в рисовальных вечерах и «акварельных утрах» в доме Поленова. В те же годы сблизился с С. И. Мамонтовым и членами Абрамцевского художественного кружка. В 1884–1886 работал в декорационной мастерской Частной русской оперы Мамонтова.

Ежегодно выезжал в Подмосковье и среднюю полосу России. В 1884 вместе с В. В. Переплетчиковым работал на этюдах в Саввинской слободе в окрестностях Звенигорода. В 1885–1886 посещал Абрамцево, где работал над пейзажными этюдами. В 1886 и 1899 выезжал в Крым. Весенние и летние месяцы 1887–1890 путешествовал по Волге, неоднократно бывал в Плесе, где была создана большая часть работ так называемого «волжского цикла». В 1890-х путешествовал по Европе: в 1890 посетил Берлин, Париж, Ниццу, Бордигеру, Ментону, Венецию и Флоренцию, в 1894 — Вену, Ниццу, озеро Комо, Париж, в 1896 — Финляндию, в 1897 — Вену, Северную Италию, Геную, курорт Наугейм в Германии, в 1898 — курорт Наугейм, Мюнхен, Париж.

С 1884 по 1900 принимал участие в выставках ТПХВ, в 1891 стал членом Товарищества. С 1887 был постоянным экспонентом выставок Московского общества любителей художеств (МОЛХ), входил в комитет Общества, неоднократно избирался членом комиссии по присуждению премий МОЛХ. Член Мюнхенского Сецессиона (с 1897). Произведения Левитана экспонировались на Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставке в Нижнем Новгороде (1896), на выставках «Мира искусства» (1899–1900), в Русском отделе Всемирной выставки в Париже (1900).

Занимался преподавательской деятельностью, в 1886 вел живопись в «классах изящных искусств», организованных в Москве художником А. О. Гунстом. В 1898–1900 руководил пейзажным классом МУЖВиЗ, среди его учеников — П. И. Петровичев, М. С. Сарьян, П. В. Кузнецов, М. Ф. Ларионов и другие. В 1898 был удостоен звания академика. В 1898–1899 создал ряд иллюстраций для трехтомного собрания сочинений А. С. Пушкина, изданного в типографии А. И. Мамонтова.

Александр Бенуа вспоминал: «Левитан имел прямо-таки африканский вид: оливковый цвет кожи, и густая черная борода, и черные волосы, и грустное выражение черных глаз — все говорило о юге… Всей своей натурой, своими спокойными, благородными жестами, тем, как он садился, как вставал и ходил, наконец, тем вкусом, с которым он одевался, он сразу производил впечатление человека лучшего общества. Этому впечатлению светскости способствовал и его несколько матовый голос, и его легкое картавление, отдаленно напоминавшее еврейский говор. При всем том, если Левитана никак нельзя было счесть за буку, то все же он еще менее, нежели Серов, был расположен к излияниям, к интимному контакту, он еще определеннее отстранял людей от себя, держал их на дистанции. В нем была некая, не лишенная, впрочем, грации важность (тоже восточного типа), и мне говорили, что он не оставлял ее даже в общении с близкими друзьями при самых откровенных беседах. Говорили, что именно эта черта сводила с ума женщин, и еще более сводило их с ума то, что всем было известно об его многочисленных победах, а за последние годы про его длительный роман с одной светской московской дамой, доставлявшей ему много мучений и приведшей его к попытке покончить с собой. В общем милый и сердечный человек, Левитан носил в себе печать чего-то фатального, и глядя на него, трудно было себе его представить сидящим на натуре, скромно и тихо ею умиляющимся, старающимся как можно точнее передать на полотне красоты русской незатейливой, но столь милой природы. И не вязалась эта наружность с тем, что было в его пейзажах здорового, свежего, задушевного и откровенного. Недостаток экспансивности в личных отношениях с людьми точно вознаграждался каким-то обострением чуткости к природе, к ее самым затаенным прелестям…» (Бенуа А. Н. Мои воспоминания: В 2 кн. — М.: Захаров, 2005. — Кн. 2. С. 1017–1018).

Композиция «Вечер. Закат. Холмистый пейзаж с изгородью» (1890-е) содержит удостоверяющую надпись брата художника Адольфа Левитана. Эксперт отмечает, что работа, «несмотря на небольшой размер, имеет картинный характер, она полностью построена и закончена в целом и в деталях, что присуще маленьким картинкам Левитана такого рода. Свойственное Левитану чуткое понимание природы и умение на холсте выразить человеческие чувства от ее созерцания выразились здесь в полной мере. С особым лирическим настроением художник изобразил холмистый пейзаж вечером после заката солнца и изгородь у леса, которая свидетельствует о незримом присутствии рядом человеческого жилья. <…> В целом картина отличается большим мастерством живописи, сложностью красочных замесов и богатством колорита».


МЯСОЕДОВ Григорий Григорьевич (1834–1911) Крымский берег. Конец XIX века
Холст, масло. 54 × 98

Замечательный пример марины в творчестве Григория Григорьевича Мясоедова представляет метровый холст «Крымский берег» конца XIX века.

Мясоедов родился в 1834 в селе Панькове Тульской губернии в небогатой дворянской семье. Учился в Орловской гимназии, где получил первоначальное художественное образование под руководством И. А. Волкова. Не окончив курса, переехал в Петербург и поступил в ИАХ. Занимался в классе исторической живописи у Т. А. Неффа и А. Т. Маркова. За период обучения получил все существовавшие академические награды. В 1862 окончил ИАХ со званием классного художника 1-й степени и правом пенсионерской поездки за границу сроком на шесть лет. Во время учебы увлекся музыкой, сблизился с композиторами М. А. Балакиревым, А. Н. Серовым, Ц. А. Кюи. В 1862 вошел в Московское общество любителей художеств.

В 1863–1869 в качестве пенсионера ИАХ жил в Европе (в середине срока пенсионерства по семейным обстоятельствам почти год провел в России): посетил Германию, Бельгию, Швейцарию, работал во Флоренции, Париже, Испании.

По возвращении в Россию жил попеременно в Москве, Петербурге, Тульской, Харьковской, Полтавской губерниях, Крыму. В 1870 был удостоен звания академика. В том же году стал одним из основателей ТПХВ, автор проекта первого устава Товарищества. С 1872 входил в состав правления объединения.

Помимо живописи занимался офортом, технику которого осваивал под руководством А. И. Сомова. Член Общества русских аквафортистов.

Весной 1874 совершил поездку в Вену и Италию. В 1876 выезжал в Сербию на театр военных действий Сербско-турецкой войны. Неоднократно путешествовал по южным губерниям России.

В 1891–1893 принимал участие в работе Комиссии по пересмотру устава ИАХ. В 1893 был избран действительным членом Академии художеств. По поручению ИАХ занимался помощью в организации художественного образования в провинциальных городах, в частности в Казани, Киеве, Харькове, Ростове-на-Дону. В 1895 организовал Рисовальные классы в Полтаве. В 1902 вышел из состава ИАХ, выражая несогласие с формальным подходом к обучению в Академии. В последние годы жил преимущественно в своей усадьбе Павленки под Полтавой. Скончался в Павленках в 1911.

Один из наиболее последовательных и активных членов ТПХВ, представитель критического реализма, Мясоедов работал преимущественно в области станковой живописи, создавал картины на бытовые и исторические сюжеты, пейзажи. Реже обращался к портрету. В поздний период (1890-е — 1900-е) художник полностью отказался от критического начала в живописи, доминирующим в его творчестве стал пейзаж, отличающийся многообразием мотивов, тонким лиризмом и неизменно реалистичным подходом к натуре.

Произведения Мясоедова находятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Научно-исследовательском музее Российской Академии художеств, Всероссийском музее А. С. Пушкина и других.

Среди произведений Мясоедова, отмечает эксперт, «встречается множество видов крымского побережья, куда художник ездил неоднократно. Его особенно увлекал мотив морского прибоя: прибрежных массивных валунов и ударяющихся о них крупных волн, разлетающихся пышными брызгами. Ему удавалось мастерски передать фактуру морской пены, прозрачность воды и общее состояние природы во время бури.

<…> На фоне величественных гор, окутанных туманом, в волнах бурного моря качается парусник; на прибрежной скале группа людей восторженно наблюдает за природной стихией. В Брестском областном краеведческом музее хранится аналогичный по композиции пейзаж художника, имеющий авторскую подпись. Таким образом, исследуемую работу можно трактовать как авторский повтор данного сюжета».


ЖУКОВСКИЙ Станислав Юлианович (1875–1944) Пасмурный день на озере. Этюд к картине «Ветреный апрель» (1909). 1908
Холст, масло. 40,4 × 60,5

В 1908 году создан среднеформатный пейзаж «Пасмурный день на озере» Станислава Юлиановича Жуковского, относящийся к русскому периоду творчества выдающегося художника. Пейзаж представляет собой этюд к большой картине «Ветреный день» (1909), хранящейся в Рязанском государственном областном художественном музее им. И. П. Пожалостина, и упомянут в списке произведений Жуковского, опубликованном М. И. Гореловым в монографии «Станислав Юлианович Жуковский. Жизнь и творчество 1875–1944».

Сын польского аристократа, лишенного владений и дворянских прав за участие в антирусском восстании в 1863 году, детство Жуковский провел в родовом имении отца Старая воля. Учился в Варшавской классической гимназии, затем в реальном училище в Белостоке, где получил первые навыки рисования под руководством С. Н. Южанина. В 1892 приехал в Москву и поступил в МУЖВиЗ вольнослушателем, занимался у В. Д. Поленова, И. И. Левитана, С. А. Коровина, Н. А. Касаткина, Л. О. Пастернака (1892–1901). «Жуковский воспринял у своих учителей вдумчивое и лирически бережное отношение к природе, — отмечает эксперт. — Будучи человеком, тонко чувствующим состояние окружающего ландшафта в разное время года и дня, он перенял у них умение передавать малейшие нюансы в жизни природы с полной душевной самоотдачей и живописным мастерством».

В 1890-х— 1900-х С. Ю. Жуковский много путешествовал по России. С 1895 (до 1901) регулярно участвовал в выставках Московского общества любителей художеств, а также в выставках ТПХВ (до 1918). В 1902–1903 экспонировал свои работы на выставках «Мира искусства». В 1903 вошел в Союз русских художников и 20 лет выставлял свои произведения на его экспозициях. Пейзажи Жуковского сразу принесли художнику известность и пользовались большим спросом в среде коллекционеров. Среди первых покупателей его картин были П. М. Третьяков и Н. П. Рябушинский.

Пейзаж «Зимний вечер» (1903) написан С. Ю. Жуковским, «вероятно, под Москвой, где он по нескольку месяцев работал в начале 1900-х годов, — пишет эксперт. — В эти годы художник продолжил развивать деревенскую тематику. Он создал серию работ, наполненных ощущением грусти и печали. Художник выбирал незатейливые мотивы. Серенькие деревеньки, покосившиеся избушки, риги и сараи под пасмурным небом стали главными героями пейзажей Жуковского начала 1900-х годов. В этих картинах художник продолжает традиции передвижников, но в то же время, как правильно заметил М. И. Горелов: “здесь заметно влияние В. А. Серова с его стремлением к созданию предельно простого, обыденного и в то же время значительного и возвышенного образа”».

В 1907 удостоен звания академика. В том же году организовал в Москве двухгодичную художественную школу, в которой преподавал вплоть до Октябрьской революции 1917. Среди его учеников — В. В. Маяковский, И. И. Нивинский и другие. В 1909 за картину «Плотина» получил вторую премию им. А. И. Куинджи. В 1909 и 1913 награжден медалями на Международной художественной выставке в Мюнхене. В 1912 совершил путешествие по Европе, побывал в Швейцарии, Германии, Франции, Италии.

В феврале 1917 года Жуковский вошел в московское объединение «Изограф», а весной был освобождён от мобилизации в армию (шла Первая мировая война) специальным распоряжением Временного правительства, как «художник, выдвинувшийся своими дарованиями и имеющий заслуги перед живописью».

После Октябрьской революции состоял в Комиссии по охране памятников искусства и старины при Моссовете и Коллегии художников при Государственной Третьяковской галерее. По заданию Отдела пластических искусств обследовал частные художественные собрания Москвы и Подмосковья. Выступал за сохранение собраний памятников из частных коллекций России, древних дворянских усадеб, в частности предложил превратить усадьбу Кусково в музей.

В 1919 переехал в Вятку. Работал одновременно художником-декоратором и режиссером-постановщиком в местном театре. В 1920 в Вятке прошла первая персональная выставка Жуковского. В 1921 вернулся в Москву. В том же году на Большой Дмитровке открылась вторая выставка произведений художника. В 1922 работы мастера в числе других были отправлены на Первую русскую художественную выставку в галерее Ван Димена в Берлине.

В 1923 эмигрировал в Польшу, жил в Варшаве и Кракове. Писал пейзажи Полесья, Беловежской и Свислочской пущ, интерьеры дворцов и загородных усадеб. С 1925 по 1939 принимал участие в выставках варшавского Общества поощрения художеств, в 1923 был удостоен золотой медали, неоднократно отмечался почетными дипломами и премиями. С 1923 состоял в художественном объединении «Захента», с середины 1920-х — в Краковском обществе друзей изящных искусств «Про арте». В 1924–1925 произведения Жуковского экспонировались на передвижной выставке русского искусства в США и Канаде, в 1929 — в Копенгагене.

Персональные выставки мастера прошли в 1925 в парижской галерее «Шарпантье» (1925), в Варшаве (1929, 1931, 1934, 1935, 1937, 1939), Кракове (1929).

Осенью 1944 погиб в немецком концлагере Прушково, куда был вывезен после подавления Варшавского восстания. Похоронен в общей могиле.

Многие картины художника утрачены во время войны.


ГАУШ Александр Фёдорович (1873–1947) Майское утро. Эскиз к картине «Майское утро» (1908, ГРМ). 1908
Холст, масло. 35,4 × 42,5

Кисти Александра Фёдоровича Гауша принадлежит небольшой холст «Майское утро» (1908) — эскиз к одноименной картине 1908 года, хранящейся в собрании Государственного Русского музея.

Александр Гауш родился в Санкт-Петербурге в 1873. Происходил из купеческой семьи. Около года посещал Рисовальную школу Общества поощрения художеств. В 1893–1899 состоял вольнослушателем Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, где учился в мастерских А. И. Куинджи и А. А. Киселева. Параллельно занимался рисунком у П. П. Чистякова. В 1895 жил в Париже, где посещал Академию Р. Жюльена. В 1899 получил звание художника.

Жил в Петербурге (Петрограде). Писал пейзажи, натюрморты. С 1897 — участник выставок (Общества поощрения художеств). В 1903 выступил одним из основателей Нового общества художников (1904, 1905, 1907), член и экспонент Общества художников им. А. И. Куинджи. Экспонировал свои работы также на Весенних выставках в залах ИАХ (1900–1902), выставках Товарищества южнорусских художников (1904, 1905, 1907, 1909–1915), Союза русских художников (1906–1907), Общества Леонардо да Винчи (1906), «Союза молодежи» (1910), «Мира искусства» (1911–1913, 1915–1918, 1922), Товарищества независимых (1916). Участвовал также в выставках «Венок» (1908), «Венок-Стефанос» (1909), в Салоне В. А. Издебского (1909–1911). Провел персональную выставку в Художественном бюро Е. Н. Добычиной в Петербурге (1916).

Совершил поездку по России (1894). Неоднократно путешествовал по Германии, Франции, Италии, Австрии; посетил Испанию (1906) и Англию (1911–1912). В 1907–1920 состоял хранителем музея «Старый Петербург».

После Октябрьской революции преподавал в различных учебных заведениях Петрограда. Сотрудничал в петроградском «Доме искусств». В 1924 выступил одним из организаторов театра Петрушки при Ленинградском Театре юного зрителя. Участвовал в Первой государственной свободной выставке произведений искусств (1919), выставке петроградских художников всех направлений (1923) в Петрограде, Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине (1922), передвижной выставке русского искусства по США (1924–1925), выставках Художественного общества им. К. К. Костанди (1925–1929) в Одессе и других.

В 1924–1928 жил в Севастополе, в 1928–1938 — в Одессе, с 1938 — в Симферополе. Преподавал в Одесском художественном институте (1928–1924) и Одесском художественном училище (1934, 1938); профессор. Скончался в 1947 в Симферополе.


БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Шуточная церемония. Эскиз декорации к комедии Ж.-Б. Мольера «Мнимый больной». 1912–1913
Бумага на оргалите, акварель, гуашь, графитный карандаш, тушь, перо, бронзовая и алюминиевая краска. 51,2 × 70,2

Произведения Александра Николаевича Бенуа мы обычно представляем в разделе художников Русского Зарубежья, ориентируясь на факты биографии художника и время создания работ. И всякий раз радуемся, когда можем поговорить об Александре Бенуа в разделе русских художников в России.

Эскиз декорации для шуточной церемонии выполнен к спектаклю «Брак поневоле / Мнимый больной» по пьесе Мольера, премьера постановки в Московском художественном театре состоялась 27 марта 1913 (mxat.ru). Интересно отметить, что Бенуа был не только художником спектакля, но и одним из его постановщиков вместе с В. И. Немировичем-Данченко.

«Эскиз отражает озорной характер комедии Мольера, — отмечает эксперт Е. М. Жукова. — Сцена представляет собой пародию на храм медицины — с пантеоном урн на пъедесталах, с клистирами, парящими под торжественными занавесами. Она предназначена для шуточной церемонии присвоения докторского звания бакалавру, которого изображает Арган, — действия с музыкой, пением и танцами, в котором участвуют клистироносцы, аптекари, доктора и хирурги».


ВИНОГРАДОВ Сергей Арсеньевич (1870–1938) Король Сербии Пётр I Карагеоргиевич на позициях. 1915
Картон, масло. 45,3 × 35,5

К числу наиболее значительных мастеров русского искусства рубежа XIX–XX столетий принадлежит виртуозный живописец и блестящий рисовальщик Сергей Арсеньевич Виноградов, автор небольшого картона «Король Сербии Пётр I Карагеоргиевич на позициях» (1915), обладающего не только художественной, но и бесспорной исторической ценностью. Эксперт указывает на музейное значение работы.

Сергей Виноградов родился 4 июля 1870 в семье сельского священника посада Большие Соли Костромской губернии. Окончил приходскую школу, затем Костромскую гимназию, где увлекся рисованием и решил посвятить свою жизнь искусству. В 1880 переехал в Москву, поступил в МУЖВиЗ, учился у Е. С. Сорокина, В. Д. Поленова, И. М. Прянишникова, В. Е. Маковского. В 1885 и 1886 за живописный этюд и рисунок с натуры награжден малыми серебряными медалями. В 1888 за картину «Барышник-лошадник» («Корчма на шляху») получил большую серебряную медаль и звание классного художника. В 1889 продолжил обучение в ИАХ в Петербурге у Б. П. Виллевальде и К. Б. Венига, но вскоре из-за болезни бросил учебу и возвратился в Москву.

В 1884–1890 посещал рисовальные вечера в доме Поленова. С 1889 принимал участие в выставках Московского общества любителей художеств, годом позже за картину «Обед работников» был удостоен 3-й премии Общества. С самых первых выставок пейзажи, жанровые картины, рисунки Виноградова были высоко оценены критикой и стали предметом собирательства. Среди первых приобретателей произведений художника были такие крупные коллекционеры русского искусства, как П. М. Третьяков, И. С. Остроухов, П. И. Харитоненко, И. А. Морозов, М. А. Морозов и другие.

В 1891–1896 жил в Харькове, преподавал рисунок в ремесленном училище. В 1892 вступил в ТПХВ, экспонировал свои произведения на выставках Товарищества вплоть до 1901. В 1896 переехал в Москву. Работал в области книжной графики, оформлял книги в издательстве А. Д. Ступина. С 1897 преподавал в Строгановском художественно-промышленном училище.

Много путешествовал по России, неоднократно совершал поездки по Волге и Северу. В 1902 вместе с М. А. Морозовым отправился в Европу. В 1915–1917 жил и работал на даче К. А. Коровина в Гурзуфе.

В 1901 выступил в числе инициаторов «Выставки 36 художников» в залах Строгановского училища в Москве. В 1901–1903 и 1906 участвовал в выставках «Мира искусства». В 1903 стал одним из учредителей Союза русских художников. В 1904 экспонировал свои произведения на Международной выставке в Дюссельдорфе, в 1905–1906 — в выставках русского искусства в Париже и Берлине, организованных С. П. Дягилевым. В 1909 за картину «Лето» был награжден золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене.

В 1912 избран академиком, в 1916 — действительным членом ИАХ в Петербурге.

Активно занимался общественной деятельностью, входил в Орловское общество изящных искусств (с 1911), Общество Рязанского городского художественно-исторического музея им. И. П. Пожалостина, Московский литературно-художественный кружок.

После революции 1917 входил в состав комиссии по оформлению московского Кремля к празднованию первой годовщины Октября. В 1923–1924 возглавлял организационный комитет передвижной выставки русского искусства в США и Канаде. Сопровождал выставку в США, в Советскую Россию не вернулся. По приглашению Н. П. Богданова-Бельского переехал в Латвию, где поселился в Риге и прожил в ней до конца жизни. В 1925 организовал персональную выставку в Риге. Некоторое время преподавал в мастерской Богданова-Бельского, затем основал собственную школу-студию. В 1930 в Риге состоялась выставка учеников Виноградова.

В 1929 выпустил в Риге альбом акварелей и рисунков «Псково-Печерский монастырь». Принимал участие в выставках Культурного фонда Латвии (1935 и 1937), а также художественного общества «Эстетика» (1935 и 1938). Посылал свои произведения на выставки русского искусства в Европе, в частности в Копенгаген (1927), Прагу (1928), Лондон (1935), Белград (1936). Персональные выставки мастера состоялись в Риге в 1935, 1936–1937.

«В 1910-е годы, — отмечает эксперт, — мастерство С. А. Виноградова приобретает особую артистичность.

Исследуемое произведение “Король Сербии Пётр I Карагеоргиевич на позициях”, созданное автором в 1915 году, относится к серии работ, посвященных Первой мировой войне. В период с 1914 по 1916 мастер создал ряд плакатов: “На помощь жертвам войны” (1914), “Русские воины в плену ждут от нас помощи” (1915), “Помогите увечным воинам” (1916). Экспертируемая композиция интересна тем, что на ней представлен король Сербии Пётр I на боевых позициях. Известно, что в конце 1914 года сербский король посетил окопы на линии фронта. Его посещение огневого рубежа перед битвой при Колубаре подняло боевой дух отступающих сербских войск, благодаря чему они перешли в контрнаступление, которое закончилось победой над численно превосходящими силами Австро-Венгрии. Во время другого визита на фронт, в 1915 году, король Пётр, которому тогда был 71 год, взял в руки винтовку и стрелял по вражеским солдатам. Возможно, на исследуемом полотне (картоне. — AI.) С. А. Виноградов, изобразив короля с винтовкой в руках… запечатлел именно это событие».

Искусство художников Русского Зарубежья


БАКСТ Лев Самойлович (1866–1924) Эскиз костюма Вельможи для постановки трагедии Э. Верхарна «Елена Спартанская». 1912
Бумага верже, графитный карандаш, акварель. 28 × 22,4 (в свету)

Театральную графику Льва Самойловича Бакста представляет эскиз костюма Вельможи для постановки трагедии Э. Верхарна «Елена Спартанская», созданный в 1912 году. «Спектакль на музыку Деода де Северака был поставлен Александром Саниным для труппы Иды Рубинштейн, — отмечает эксперт. — Лев Бакст выполнил эскизы декораций и костюмов. Премьера состоялась на подмостках театра Шатле (Théâtre du Châtelet) в Париже 4 мая 1912 года».

Представленный на экспертизу эскиз костюма известен в научной литературе и репродуцирован в книге Чарзса Спенсера «Бакст в Греции» (2009).

Бакст — выдающийся мастер русской графики конца XIX — начала ХХ века. Его творческую эволюцию можно представить как движение от линии к цвету. «Из графика я превратился в чистого живописца», — писал он критику и коллекционеру П. Д. Эттингеру в 1910. «Форму легче почувствовать и синтезировать через краску, подлиннее и реальнее выходит», — писал он художнице А. П. Остроумовой-Лебедевой в том же году. Для его произведений характерны «щедрость» цвета и форм: легкий мазок, гибкая экспрессивная линия, контрастность колористических сочетаний. В его работах для театра проявился новый подход к созданию театрального костюма: зрелищного, выявляющего пластику человеческого тела, а не только служащего средством идентификации персонажа и украшением.

Лев Бакст родился в 1866 в семье гродненского раввина. С раннего детства жил в Петербурге. Первоначальное художественное образование получил в гимназии. Состоял вольнослушателем ИАХ (1883–1887), где занимался под руководством И. Л. Аскназия, К. Б. Венига, П. П. Чистякова. Покинул ИАХ, не окончив курса, поскольку его конкурсная работа «Богоматерь, оплакивающая Христа» была отвергнута жюри. В начале 1890-х изучал технику акварели под руководством Альб. Н. Бенуа.

В 1887–1890 работал в мастерской учебных пособий и игр А. Н. Канаева. В 1888–1892 иллюстрировал детские книги для издательства А. А. Хомушина и А. Ф. Девриена. В 1890–1893 работал для журналов «Художник» и «Петербургская жизнь».

В 1890 познакомился с А. Н. Бенуа и стал членом кружка самообразования, из которого возникло объединение «Мир искусства». В 1891 побывал в Германии, Италии, Испании, Франции. С 1893 по 1899 ежегодно подолгу жил в Париже; в 1893–1896 посещал студию Ж.-Л. Жерома и Академию Р. Жюльена, брал уроки у А. Эдельфельта. Неоднократно путешествовал по Европе, в 1897 побывал в Северной Африке. В 1895 преподавал живопись великому князю Борису Владимировичу и великой княгине Елене Владимировне. В 1907 путешествовал по Греции с В. А. Серовым. С 1910 постоянно жил в Париже.

Художник и оформитель журнала и выставок «Мира искусства» (1898–1904). С 1898 занимался литографией; иллюстрировал «Ежегодник императорских театров» (1899–1902), журнал «Художественные сокровища России» (1901–1902). Рисовал для журналов «Весы» (1903), «Золотое руно» (1906), «Сатирикон» (1908), «Аполлон» (1909); делал рисунки для театральных программ и открыток Общины св. Евгении (1902–1905). В 1905 участвовал в создании журнала «Жупел».

С 1901 — работал для театра: оформлял спектакли Эрмитажного, Александринского, Мариинского и других театров Петербурга, труппы Иды Рубинштейн и Анны Павловой. В 1909–1918 и 1921–1921 — художник Русских сезонов С. П. Дягилева в Париже (с 1911 — художественный директор антрепризы). Сотрудничал также с театральными труппами Европы и Америки.

В 1903 оформил интерьер будуара для художественного предприятия-выставки «Современное искусство»; интерьеры дома коллекционера А. А. Коровина в Петербурге; выполнял эскизы ваз для Императорского фарфорового завода.

Преподавал в Школе Е. Н. Званцевой в Петербурге (1906–1910).

В 1914 был удостоен звания академика ИАХ. Член Брюссельской Королевской академии художеств, вице-президент жюри Общества художников-декораторов во Франции.

С 1890 — участник выставок. Член-учредитель объединения «Мир искусства» (1898–1921, с перерывами), член Союза русских художников (1903–1910), Осеннего салона в Париже (1907–1911, с перерывами). Экспонировал свои произведения на выставках: Blanc et noir (1890, 1891), ИАХ (1890–1897, с перерывами), Общества русских акварелистов (1891–1897, с перерывами), Общества поощрения художников (1892), Санкт-Петербургского общества художников (1895), Общества Леонардо да Винчи (1906), Еврейского общества поощрения художеств (1917) в Петербурге — Петрограде, Московского общества любителей художеств (1896–1910, с перерывами), Мюнхенского Сецессиона (1898, 1899), Северного кружка любителей изящных искусств в Вологде (1909). Участник международных выставок в Берлине (1896), Венеции (1907, 1914), Всемирной выставки в Риме (1911), Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставки в Нижнем Новгороде (1896) и других. Провел персональные выставки в Париже (1893, 1911), Лондоне (1912, 1913, 1917), Берлине (1913), Нью-Йорке (1913, 1914, 1920, 1922), Цюрихе (1913), Бостоне, Буффало, Филадельфии (все — 1914), Чикаго (1914, 1923).

Творчество представлено в крупнейших музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.


ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Эскиз костюма танцовщицы для балета на музыку Эрика Сати «Удар бамбука». 1939
Бумага, графитный карандаш, тушь, перо, акварель. 32,4 × 19,4

Эскиз костюма танцовщицы Наталии Сергеевны Гончаровой был выполнен для балета «Удар бамбука» на музыку Эрика Сати (1866–1925) в постановке Бориса Алексеевича Князева (1900–1975) 1939 года на сцене театра Мариньи в Париже. «В 1930–40-е годы, — пишет эксперт, — Гончарова регулярно сотрудничала с балетной компанией “Романтический балет Б. Князева”, с организатором которой — известным танцовщиком, хореографом и педагогом Борисом Князевым — ее связывали профессиональные и дружеские отношения. Репертуар антрепризы состоял из сокращенных версий классических спектаклей и постановок на музыку симфонических произведений. Большинство эскизов для постановок “Романтического балета” происходят из собрания Б. А. Князева».


БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Маруся у моря. 1965
Оргалит, масло. 18 × 13

В 1965 году написан совсем небольшой (18 × 13) портрет жены художника «Маруся у моря» Давида Давидовича Бурлюка.

Давид Давидович Бурлюк родился в 1882 году неподалеку от Харькова. Он учился живописи в Одессе и Казани, а также в мюнхенской Королевской академии художеств и в Школе изящных искусств Парижа. Будучи энергичным, жизнерадостным и общительным молодым человеком, Бурлюк сразу завоевал симпатию других студентов, а также преподавателей, в частности Антона Ажбе (Anton Ažbe), который называл его «удивительным диким степным конем».

В 1911 Бурлюк поступил в МУЖВЗ, состоял в натурном классе у Л. О. Пастернака  и А. Е. Архипова.

В 1910-х годах, ставших золотым веком русского модернизма, Бурлюк писал картины, сочетающие в себе влияния фовизма, кубизма и футуризма. Художник любил природу и интересовался культурой древних кочевников — скифов. Его вдохновляли затейливые, сложные формы скифских артефактов. В 1911 году Бурлюк совместно с Владимиром Маяковским и Бенедиктом Лившицем создал художественно-литературное объединение, которому дал имя «Гилея» (именно так древние греки называли скифские земли). Бурлюка вдохновлял и украинский фольклор. Больше всего ему нравилась легенда о казаке Мамае — именно этот персонаж, по мнению художника, воплощал в себе такие качества, как смелость, самодостаточность и индивидуализм. Все эти влияния отразились на живописи и поэзии Бурлюка. Любовь к природе, древнему искусству и народным легендам сближала художника с другими авангардистами того времени — немецкими экспрессионистами. Он и его брат Владимир были знакомы с Василием Кандинским и участвовали в выставке художественного объединения «Синий всадник».

Бурлюк участвовал во многих футуристических изданиях: «Садок судей» (1910, 1913), «Требник троих», «Дохлая луна» (оба — 1913), «Рыкающий Парнас», «Молоко кобылиц» (оба — 1914) и других. В декабре 1912 Бурлюк вместе с Маяковским и А. Е. Крученых выпустил манифест «Пощечина общественному вкусу».

В те годы русские футуристы приобрели скандальную известность благодаря своим эпатажным выходкам. В декабре 1913 года Бурлюк, Маяковский, Василий Каменский и другие отправились в «турне» по шестнадцати городам Российской империи. Внешний облик художников (они ходили в аляповатых жилетах, рисовали на лицах животных и носили морковки за лацканами пиджаков), а также их невероятные представления (в них фигурировало подвешенное пианино, под которым футуристы пили чай) шокировали общественность. Авангардные «перформансы» никого не оставляли равнодушными: почти во всех городах Бурлюк, Маяковский и Каменский собирали полные залы. Конечно, многих возмущали их представления, но некоторые смотрели на футуристов с восхищением, мечтая примкнуть к их рядам. (Кстати, в 1914-м за пропаганду авангардистского искусства в этом «турне» Бурлюка и Маяковского исключили из МУЖВЗ).

Живопись Бурлюка завоевала много поклонников в России и за границей — его произведения экспонировались в Москве, Санкт-Петербурге, Киеве и Мюнхене. Первая его персональная выставка прошла в 1917-м в Самаре. В том же году художник поехал в Сибирь. Там он устраивал футуристические представления и продавал свои работы. В 1920 году он поселился в Японии, где провел два года. Художник знакомился с восточной культурой и очень плодотворно работал: за время своего пребывания в Стране восходящего солнца Бурлюк создал около 450 произведений. Он неустанно пропагандировал русский авангард и даже организовал в Японии выставку, на которой помимо его картин экспонировались работы Малевича, Татлина и других. Под влиянием русских авангардистов молодые японские художники тоже начали создавать странные объекты и устраивать эпатажные перформансы. В 2007 году компания Copernicus выпустила документальный фильм, в котором рассказывается о влиянии Давида Бурлюка на японский авангард.

В 1922 году художник, его жена Мария Никифоровна («Маруся») и два сына переехали в Нью-Йорк. Там художник работал художественным редактором и корректором коммунистической газеты Russian Voice. В 1926 году он выпустил очень занятный «Манифест Универсального лагеря Радио-модернистов», где назвал себя «одним из первопроходцев Нового Универсального искусства», а также «живописцем, поэтом, оратором, актером и шоуменом». В нем он писал об искусстве, в котором соединяется восхищение одновременно природой и техникой, а также о необходимости создания великого искусства для Великой Америки. «Радио-стиль», который пропагандировал Бурлюк, очень похож на футуризм...

В 1941 году Бурлюк переехал в Хэмптон-Бэйз, где основал художественное объединение The Hampton Bays Group. Одним из членов этой группы был армянский художник Аршил Горки (Arshile Gorky), позже прославившийся как абстрактный экспрессионист.

Произведения Бурлюка, которые он создавал в США, напоминают картины экспрессионистов и наивных художников. Он писал пейзажи, натюрморты (фирменной темой был «Букет на берегу моря»), жанровые сцены (Юлия Максимова, artinvestment.ru).

«Портрет Д. Д. Бурлюка “Маруся у моря” исполнен художником в 1965 году и относится к позднему, американскому периоду его творчества, — отмечает эксперт. — Работа написана в типичной для автора романтической, намеренно наивной, свободной, “мазистой” манере, яркими, насыщенными красками. Художнику замечательно удалось передать задумчивое, поэтичное настроение своей модели, вдохновленной морской стихией».

Искусство ХХ века


КОМАРОВ Алексей Никанорович (1879–1977) Байрам-Али. 1931
Бумага на бумаге, акварель. 53 × 25 (лист), 51 × 23 (в свету)

Лиричен и выразителен колоритный образ Байрама-Али в одноименной акварели Алексея Никаноровича Комарова 1931 года. Комаров известен прежде всего как один из лучших отечественных анималистов, его иллюстрации публиковались в журналах, не одно поколение советских детей училось любить и понимать природу по сотням его картинок в самых любимых детских книжках.

Прекрасный рисовальщик, акварелист, Комаров писал пейзажи, портреты, жанровые сцены, которые он наблюдал в многочисленных поездках по стране — от края ее и до края. Целый ряд композиций он создал в 1930-х на Востоке, культуру которого он любил, тонко понимал и чувствовал. К этому ряду, очевидно, относится романтичная композиция из нашего каталога. Авторская помета «Белудж» в нижней части рисунка указывает на национальность модели.


САРЬЯН Мартирос Сергеевич (1880–1972) Полуостров Севан. 1954
Картон, масло. 25 × 34,8

Кисти Мартироса Сергеевича Сарьяна принадлежит пейзаж 1954 года «Полуостров Севан».

Мартирос Сарьян родился в 1880 в Нахичевани-на-Дону. Происходил из крестьянской семьи. В 1888–1895 учился в Нахичеванском городском училище, где получил первые уроки рисования под руководством А. И. Бахмутцкого. В 1896 брал частные уроки у А. А. Арцатпаняна в Нахичевани. В 1897 переехал в Москву, поступил в МУЖВЗ, занимался в мастерской В. А. Серова и К. А. Коровина.

Во время учебы в МУЖВЗ сблизился с художественным кружком, возглавляемым П. В. Кузнецовым. В 1903 был награжден двумя малыми серебряными медалями и выпущен из Училища со званием неклассного (свободного) художника. В летние месяцы регулярно выезжал на Северный Кавказ и в Закавказье. Много работал в технике акварели.

В 1904 принял участие в выставке символистов «Алая роза» в Саратове, в 1907 показал цикл работ «Сказки и сны» на выставке «Голубая роза» в Москве. Экспонировал также свои картины на выставках Московского товарищества художников (1905, 1911), «Венок» (1908), «Золотое руно» (1908–1910), Союза русских художников (1910–1912), «Мира искусства» (с 1910). В 1912 участвовал во 2-й выставке постимпрессионистов в Лондоне.

В 1910 побывал в Константинополе, в 1911 совершил путешествие по Египту и Турции, в 1913 предпринял поездку в Персию. В 1915 поселился в Тифлисе. В 1918 вернулся в Нахичевань-на-Дону, в 1921 переехал в Эривань (Ереван), где прожил до конца жизни.

В 1921 стал одним из организаторов и первым директором Государственного музея археологии, этнографии и изобразительного искусства. В те же годы принял участие в создании Ереванского художественного училища и Союза художников-армян, входил в Комитет по охране памятников старины, был назначен на должность советника по культуре при Наркомпросе Армянской ССР.

В 1922 картины Сарьяна экспонировались на Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине, в 1924–1925 — на выставке русского искусства в Нью-Йорке, в 1925 работы художника были показаны на ретроспективной выставке содружества «Голубая роза» в Государственной Третьяковской галерее в Москве, в 1927 они входили в экспозицию последней выставки «Мира искусства» в галерее «Бернхейм» в Париже. В 1925 Сарьян стал членом объединения «4 искусства». В 1926 был удостоен звания народного художника Армении.

В 1924 посетил Венецию, Флоренцию, Рим. В 1926–1928 жил в Париже, где прошла его первая персональная выставка. Большая часть его работ, выставленных в 1928 в парижской галерее «Жерар», сгорела во время пожара на корабле при возвращении на родину.

В конце 1920-х — 1930-х много работал как театральный декоратор. Периодически обращался также к книжной графике.

В 1934 совершил творческую поездку в Туркмению. В 1936 в Москве (ГМИИ) и Ленинграде (Всероссийская Академия художеств) прошли персональные выставки художника. В 1937 за фрески в Отделе СССР на Всемирной выставке в Париже был удостоен Гран-при.

В 1947 был избран действительным членом Академии художеств СССР. Лауреат Сталинской (1941), Ленинской (1961) и Государственной (1966) премий. Народный художник СССР (1960).

Сарьян — выдающийся художник первой половины ХХ столетия. В раннем творчестве он был близок символизму, позднее его художественные воззрения изменились, тем не менее он всегда оставался в стороне от основного направления русского (советского) искусства. Живописи и графике Сарьяна, его творчеству, бережно и неизменно наполненному восточным духом, были одинаково чужды новейшие течения — кубизм, футуризм, супрематизм, неопримитивизм, соцреализм. Отличительными чертами произведений Сарьяна являются свободная манера письма, чрезвычайно яркие, выразительные сочетания цветов, подчеркивающие формы живой действительности, будь то бесплодные склоны гор, знойные улочки армянских городов и деревень или блестящая синева южного неба, кажущаяся «избыточность» колорита, что роднит искусство Сарьяна с творчеством А. Матисса и П. Гогена.

«Мотив изображения — берег озера Севан с видом на полуостров, композиционное и колористическое решения характерны для зрелого периода творчества М. С. Сарьяна, — пишет эксперт. — Пейзажи, вдохновленные видом озера Севан, встречаются в художественном наследии автора с 1930-х годов, а в 1950-е годы, в связи с новым расцветом пейзажного направления в творчестве М. С. Сарьяна, эта тема получает дополнительный импульс развития».

Яркий, наполненный воздухом пейзаж «Полуостров Севан» (1954) Мартироса Сарьяна написан в один из самых драматичных периодов в жизни уникального озера. «С начала 1930-х годов советские власти стремились использовать озеро для реализации своих амбициозных планов по индустриализации и модернизации сельского хозяйства. В период с 1930-х по 1960-е годы было построено несколько гидроэлектростанций на реке Раздан, единственной, вытекающей из озера Севан. Одновременно власти СССР начали строить каналы для орошения плодородной Араратской равнины, сердца сельского хозяйства страны. <…> С 1933 по 1949 год власти раскопали русло реки Раздан и построили туннель на глубине около 40 метров под поверхностью озера для снабжения гидроэлектростанций. После этого озеро стало опускаться более чем на метр ежегодно. Знаменитый остров на озере Севан, где стоит легендарный монастырь Севанаванк, превратился в полуостров» (armmuseum.ru).


АБЕГЯН Мгер Манукович (1909–1994) Горный пейзаж. 1955
Картон, масло. 17 × 42,4

Впервые на аукционе AI выставлена работа народного художника Армении Мгера Мануковича Абегяна (1909–1994) — «Горный пейзаж» (1955).

Мгер Абегян родился в семье известного филолога Манука Абегяна. Начальное профессиональное образование получил в Художественном техникуме Еревана, а затем продолжил обучение в Москве, учился у Седрака Аракеляна и Александра Осмёркина. Духовным его учителем стал Мартирос Сарьян, чьё влияние, бесспорно, прослеживается во всех его произведениях.

Искусствовед Рузанна Лазарян (Ереван) рассказывает о художнике: «Мгер Абегян посвятил себя двум основным жанрам — натюрморту и пейзажу. Исходя из этого выбора, можно сказать, что он противопоставляет в своём творчестве две крайности — переменчивость природы и предметную статику. <…>

Что же касается пейзажей, художник своими монументальными произведениями будто выводит нас за рамки полотен. Поражающая своими контрастами армянская природа на картинах Абегяна предстаёт перед нами величественной и полной достоинства. Величавые горы, залитые солнечным светом, узкие ущелья, цветущие долины несут в себе эпический характер. Земля перестаёт быть просто землёй, она превращается в Родину, которая как мать кормит и питает свой народ. Здесь художник соединяет своё субъективное восприятие, любование родиной, и объективное видение. В них земля находится в эпическом покое и спокойном величии. Ощущается пространство армянской земли и созидательная сила природы.

Можно уверенно сказать, что осмысление армянской истории достигло своей вершины в работах Мгера Абегяна, весь творческий путь которого пронизан жизнелюбием и глубоким оптимизмом. Его искусство, насыщенное декоративной красочностью и спокойным величием, представляет собой художественный портрет самой Армении» (armmuseum.ru).


НИССКИЙ Георгий Григорьевич (1903–1987) Скала. 1958
Бумага на тонированной в коричневый цвет бумаге, акварель, гуашь. 16,5 × 25,2 (лист-основа), 9,5 × 20 (рисунок, полукруг)

Творчество Георгия Григорьевича Нисского в каталоге представляет маленькая (9,5 × 20) гуашь «Скала» (1958), воспроизведенная в книге М. Ф. Киселева «Георгий Нисский» (1972).

Рассказывая о конце 1950-х в творчестве художника, Киселев отмечает, что «увлечение фантастическими мотивами было свойственно Нисскому и раньше. Вспомним альбом гуашей 1930–1932 годов, где встречаются даже пейзажи с кентаврами. Но то, что раньше создавалось для себя, чему художник не придавал особого значения, теперь, переосмысленное и насыщенное глубоким философским содержанием, появляется на выставках. Эти работы утверждают право искусства на мечту, на вымысел, на фантазию. Подобные гуаши особенно напоминают нам искусство Рериха, где фантастичность, сказочность играла едва ли не ведущую роль.

Стремясь к предельной декоративности цвета, вводя в этих целях в некоторые гуаши бронзовую краску (“Скала”), изображая интенсивно-лиловые нагромождения скал, увенчанных замками, Нисский в основу даже самых фантастических произведений кладет впечатления от действительности, пропущенные сквозь призму творческого воображения. “Я никогда не понимал нарочитости в искусстве, абстрагирования от натуры. Меня привлекает выражение реальности, ощущение живой плоти жизни”, — говорит художник. Облака, написанные бронзой, в романтизированной форме передают отблески южного солнца, которое во время заката золотит их своими лучами. Реальную основу имеют и крепости, и замки на скалах, и цвет этих скал. В беседах с автором Нисский говорил, что немалую роль при рождении этих мотивов сыграли воспоминания о генуэзских крепостях в Крыму, виденных в штормовую погоду. Сильное впечатление на художника произвели также замки в Прибалтике, где он путешествовал летом 1957 года»  (М. Ф. Киселев. Георгий Нисский. М., Изобразительное искусство, 1972. С. 106–107).

«Пейзаж “Скала” относится к циклу небольших лаконичных гуашей, рисунков и акварелей Г. Г. Нисского, удивительных по передаче настроения и состояния выбранного мотива, пластически и композиционно точных и выразительных и при этом декоративных, — пишет эксперт. — Исходя из общего решения, а также полукруглой формы пейзажа “Скала”, можно сделать вывод, что, возможно, это эскиз для монументальной росписи».

Об истории, финансовых и маркетинговых показателях одного из основателей сурового стиля, выдающегося пейзажиста и самобытного автора круга ОСТа читайте на AI: «Художник недели: Георгий Нисский».


ГЕРАСИМОВ Сергей Васильевич (1885–1964) Сельская дорога. 1961
Картон на картоне, масло. 34,8 × 47,7

Среднеразмерный картон «Сельская дорога» (1961) выдающегося русского пейзажиста Сергея Васильевича Герасимова выполнен в жанре натурного пейзажа, широко распространенного в творчестве автора.

Сергей Герасимов родился в 1885 в крестьянской семье. Учился в Можайской сельской школе и городском училище повышенного типа. В 1901 приехал в Москву, поступил в Строгановское центральное художественно-промышленное училище, занимался у С. В. Иванова и С.-В. Ноаковского (1901–1907). Продолжил образование в МУЖВиЗ у К. А. Коровина (1907–1911). Одновременно осваивал технику литографии под руководством С. С. Глаголя и практиковался в типографии Товарищества И. Д. Сытина. С 1906 участвовал в выставках Московского салона.

В 1912–1914 преподавал живопись и рисунок в Художественной школе при типографии Сытина. В 1914 призван на военную службу. После демобилизации в 1917 преподавал и заведовал Школой печатного дела при Первой Образцовой типографии (бывш. Типография Сытина). Занимался оформлением улиц и площадей Москвы к революционным праздникам.

Жил в Москве, летние месяцы работал в Можайске, где в 1915 построил себе мастерскую. В 1921 вступил в «Мир искусства», с 1922 стал членом и постоянным экспонентом общества «Маковец». В 1920–1927 преподавал во ВХУТЕМАСе, в 1927–1929 — во ВХУТЕИНе, получил профессорское звание. В 1925 совершил поездку в Италию, Грецию, Турцию. В 1926 посетил Новгород и Псков, создал ряд рисунков и картин с изображением быта местных крестьян и природы края.

В 1926 вступил в Общество московских художников, в 1930 — в Ассоциацию художников революции (АХР). В 1930–1936 преподавал в Московском полиграфическом институте, в 1936–1950 — в Московском художественном институте, где занимал пост декана живописного факультета, а в 1946–1948 должность директора Института. Снискал себе репутацию осторожного либерала, что стало причиной увольнения с поста директора.

Во время Великой Отечественной войны в 1941–1943 находился в эвакуации в Самарканде. Создал серию акварелей «Москва — Самарканд — Москва». В 1947 избран действительным членом Академии художеств СССР. В 1950–1964 был профессором и директором Московского высшего художественно-промышленного института (бывшего Строгановского). В 1955–1961 неоднократно совершал поездки по Европе. Много работал в области книжной графики, оформлял произведения Н. А. Некрасова и М. Горького. Создал тип станковой иллюстрации, не связанной с «организмом» книги. В 1966 (посмертно) был удостоен Ленинской премии.

Герасимов пишет простую по сюжету лирическую композицию, в которой проявились все характерные черты русского импрессионизма: «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают «трепет жизни», «деревенский» характер и отсутствие динамизации, которая была характерна для городской Франции (родины импрессионизма), содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа, большая материальность и предметность живописи, отражение внутреннего состояния художника, тенденция к картинной монументализации пленэра (ru.wikipedia.org).

Неофициальное искусство

В андеграунд шли неуживчивые люди крепкой индивидуальной закваски. Все они верили в возможность невозможного, и каждый при этом всегда оставался самим собой, упорно пестуя и отстаивая свое художническое «я». Но, поскольку человек существует как личность, лишь «отражаясь» в других, можно говорить об этих людях «мы». Я ненавижу слово «мы», но «мы» андеграунда — это сумма отражений, противостоявшая коммунальному единомыслию, возможность разноуглубленного разнопонимания, стремление к разновидению, понимаемому как качество, органически присущее искусству (Владимир Немухин).


ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Композиция. Конец 1950-х (1959 (?)) — начало 1960-х
Бумага, акварель, тушь, кисть. 29 × 22

Имя Николая Евгеньевича Вечтомова (1923–2007), автора акварели «Композиция» (конец 1950-х (1959 (?)) — начало 1960-х), ассоциировалось с условной «Лианозовской группой» (участниками которой были, в частности, Оскар Рабин, Владимир Немухин и др.). Условной — потому что, по легенде, сам термин «Лианозовская группа» измыслили в МОСХе, для убедительности, как обозначение преступного сообщества, когда придумывали формулировки для исключения из Союза художников Евгения Кропивницкого. Что еще? Фронтовик, партизан, герой войны, бежавший из плена и по счастливой случайности не попавший под каток послевоенных сталинских репрессий. Самобытный жанровый стиль художника не нашел пока единого устоявшегося определения. Говорят и о биоморфном сюрреализме, и о декоративном космизме, и о лирическом экспрессионизме, и о символьном абстракционизме, и даже об игре безнатурных структур и форм в пространстве. И все верно. И все точно (artinvestment.ru).

В творчестве художника арт-критик Сергей Кусков в первую очередь отмечал, что «здесь конкретика природных и вообще земных реалий и впечатлений во многом абстрагируется, очищаясь от излишних деталей, от всякой будничности и локально конкретно узнаваемых примет знакомого повседневного окружения, обретая тем самым загадочную странность, парадоксальность, возвышенную отрешенность и специфический космизм звучания.
<…>
Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

Тот же Сергей Кусков писал о значении чувства полета в творчестве художника: «…ПРОСТРАНСТВО как таковое является во всех работах художника доминирующим фактором и смыслообразующим началом. Оно даже обретает тут качества и свойства энергонасыщенной жизненной среды, активной почти как живое существо. Пространство перекрывает или перевешивает в своей значимости все возможные частные существа, вообще все феномены и формы, в его пределах возникающие.

Вместе с тем даже ПРОСТРАНСТВО также в некоторых аспектах подлежит своему преодолению. Так, преодоление трехмерно-измеримого, эмпирического наличного пространства происходит через воплощаемое здесь и образно и чисто платонически чувство полета, преодоление земного духа тяжести или ему соответствующей гравитации, преодоление того гнета расстояний или чисто количественной протяженности, которая как раз представляется не духовной, а наиболее материально связанной формой бытия пространства. Этой голой механической протяженности пространства, как и плену земного тяготения, противостоят стремительно влекущие взгляд вглубь пространства притяжения не земли уже, а далей, глубин, высей, с их пронизывающим и всепроникающим, зовущим к полету свечением. Данному преодолению гнета трех измерений, веса и тяжести способствуют также столь частые здесь мотивы самых разных парящих, как бы невесомых объектов, независимо от их предметного содержания, но так или иначе несущих в себе чувство полета» (art-critic-kuskov.com).


ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Корова (Натюрморт). 1965
Бумага, масло. 62 × 85,5 (в свету)

В 1965 году выполнено большое и очень необычное масло на бумаге «Корова (Натюрморт)» Анатолия Тимофеевича Зверева.

Арт-критик Сергей Кусков, мнение которого очень ценили шестидесятники, очевидно, первым увидел творчество Зверева в непривычном ракурсе: «Зверев был завоевателем и первопроходцем, и одновременно — это был последний представитель “московско-парижской” пластической традиции, ведущей родословную от начала века.

Во многом наследуя рафинированный колористический вкус московских “парижан”, он сочетал как бы личное вчувствование в это блестяще-меркнущее наследие, с анархией бунтаря, “созидающего” разрушение, стремящегося всегда и все делать иначе, по-своему, и всегда в одиночку.

Воспринятую в культуре начала века утонченность цветосветовых вибраций он решительно очистил от всякого налета эстетизма и, напитав лиризмом и экспрессией, подарил лиризму новую жизнь. Следы былой культуры в его искусстве не исчезли бесследно, но каждый отклик традиции, каждый готовый прием напористо вовлечен в новое качество. “Наследник” не оставил камня на камне от устоявшихся живописных структур, преодолевая соблазн постфальковской “цветности”, и далеко ушел вперед. Диапазон его приемов был чрезвычайно широк: от фовизма до параллелей абстрактному экспрессионизму» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

Масло «Корова (Натюрморт)» (1965) опубликовано и обладает подтвержденным провенансом без временны́х лакун, авторство его подтверждено экспертом.


ВЕЙСБЕРГ Владимир Григорьевич (1924–1985) Обнаженная с руками за головой. 1974
Бумага, акварель, графитный карандаш. 32,5 × 48,4

Графическая композиция Владимира Григорьевича Вейсберга «Обнаженная с руками за головой» выполнена в 1974 году.

«Я стремлюсь создать такую форму восприятия, — писал Вейсберг, — где бы мое инстинктивное стремление оторваться от предметного помогло мне создать незримую гармонию, в которой растворился бы весь предметный мир. Я веду постоянную борьбу с материалом и с нашими непосредственными ощущениями. Я хочу, чтобы материя осознанно стала духом».

«Акварель “Обнаженная с руками за головой” относится к циклу постановочных, натурных работ В. Г. Вейсберга с изображением обнаженной женской модели, над которым он работал начиная с 1974 года, — отмечает эксперт. — В этом акварельном цикле отчетливо прослеживается интерес и стремление Вейсберга к сдержанности, деликатности, цветовой изысканности в трактовке обнаженной женской модели».

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Вейсберг».


БРУСИЛОВСКИЙ Анатолий Рафаилович (1932) Год обезьяны. Из серии «Китайский гороскоп». 1988
Бумага, акварель, тушь, трафарет, смешанная техника. 68 × 88,8

К серии «Китайский Гороскоп» относится большая (68 × 88,8) композиция «Год Обезьяны» (1987) Анатолия Рафаиловича Брусиловского. «Я долго и упорно изучал теорию гороскопа и пришедших из глубокой древности Знаков, — пишет автор. — Сомневался, изучал, проводил исследования среди друзей и знакомых. Удивительно, но чаще всего всё сходится. Даже мелкие детали характера и событий совпадают с описаниями. Поверить в это трудно — но это факт!» Вдохновленный такой убежденностью, рисунок выглядит свободно, мощно, выразительно.

Искусство XXI века


НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944–2022) Осень. 2014
Холст, масло. 119,5 × 79,4

Впервые мы выставляем на аукцион работу Наталии Игоревны Нестеровой, вынужденные рядом с годом рождения поставить вторую дату… Наталья Нестерова ушла из жизни 10 августа 2022 года.

Советский и российский живописец, педагог, академик РАХ, представитель поколения художников-семидесятников, искусство которых отличал напряженный поиск собственного стиля.

«Художественный язык Натальи Нестеровой был уникален. Она продолжала опыты модернистов и наивных художников, работала с упрощенными формами, благодаря чему ее живопись была «объемной», фактурной. Художница использовала загадочные сюжеты, напоминающие притчи, иногда с христианскими и мифическими аллюзиями» (t.me/GT_Gallery).

«Я часто пишу людей, у которых не видно лиц. Картина не должна все рассказывать. Что-то должно быть скрыто, иначе не интересно» (portal-kultura.ru), — писала Наталия Нестерова.

«Я работаю довольно много, наверное, потому что этот процесс утешает: забываешь невзгоды, или сердишься на получающееся-неполучающееся, или погружаешься в воспоминания о своих близких и ушедших друзьях.

А на самом деле я живу для того, чтобы мой дедушка, моя мама, которая была для меня образцом всего — ума, знаний, — умела видеть смешное и грустное, были довольны. Мама была моим Ангелом, и, оставшись без нее в 2002 году, я почувствовала все одиночество, которое можно себе представить; но она приходит, она помогает, она сердится. Наши ушедшие друзья тоже помогают нам, когда особенно тяжело.

Я стараюсь не терять своего лица, правда, его не всегда узнаешь в зеркале, но мне хочется сохранить что-то, от чего мне не было бы стыдно.

Если людям доставляю хоть какую-то радость или им интересно, или кто-то сердится, наверное, это затрагивает их сердца, может быть, для этого художник и работает» (Наталья Нестерова, tg-m.ru).

«В исканиях мы бродили по времени, часто возвращаясь к себе — в пространства, где обедали, играли в карты, разговаривали или просто думали незнакомые, непохожие, немногим красивее, чем мы, совершенно узнаваемые женщины и мужчины. Они не обращали на нас внимания. Как на фон. Разве не так? Разве невероятная наша жизнь, как в любые, впрочем, времена, не есть загрунтованный страстями и вялостью бытия холст, на котором разворачивает свой мир великий художник? Живой, заметим, мир.

Все поле написанных Натальей Нестеровой полотен заполнено тайной тревогой ожидания. Стоит тебе лишь ненадолго отвести взгляд от картины, оставить ее без присмотра на секунду, как что-то произойдет очень важное не только в жизни персонажей, но и в твоей собственной. Такой талант у Натальи Игоревны. Ее, вне сомнения, радуют некоторые состояния холста, однако больше беспокоит предчувствие, что может случиться нечто серьезное, если мы надолго задержимся в ее мире, покинув без присмотра свой» (Юрий Рост, tg-m.ru).


ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Август. Золото и синь. 2018
Холст, масло. 80 × 100

«Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда», — говорит Люся Воронова.

В авторском художественном языке Люси огромную роль играет фон. Он индивидуален в каждой картине (или небольшой серии картин одного краткого периода), и по орнаменту, как правило, мы практически безошибочно можем определить год создания произведения. Фон в сегодняшней работе представляет собой яркое исключение из этого правила: он практически единственный, который встречается (с изменениями) трижды на протяжении почти четверти века — в «Натюрморте с зайцем» (1992), «Натюрморте с птицами и рыбой» 2009 года (который, если исходить из цены в долларах на дату продажи (2014), сегодня возглавляет ценовой рейтинг художника) и в холсте «Август. Золото и синь» (2018).

Пожалуй, это наиболее знаковая работа для Фонда поддержки искусства Люси Вороновой. Элементы именно этого произведения мы видим на официальном сайте и в оформлении документов Фонда. Даже на каждом сертификате подлинности произведения воспроизведен запоминающийся орнамент, взятый с этого холста (Георгий Воронов).

Одновременно с 444-м AI аукционом открыт 130-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». Каталог аукциона составили произведения Семёна Агроскина, Анелии Алиповой, Даниила Архипенко, Нисо Атахановой, Константина Батынкова, Фарида Богдалова, Михаила Ермолова, Наталии Жерновской, Игоря Кислицына, Андрея Криволапова, Pata (Пааты Мерабишвили), Бориса Смотрова, Сергея Смурова.

Всем желаем удачи на 444-м AI аукционе и 130-м кураторском аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/news/auctnews/20220822_auctionAI.html
https://artinvestment.ru/en/news/auctnews/20220822_auctionAI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх