Открыты 346-е торги AI Аукциона и 32-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   09 сентября 2020

В сводном каталоге — 30 лотов: 18 живописных работ, 4 листа оригинальной и 1 — печатной графики, 5 работ в смешанной технике, 1 объект и один лот в категории фарфора

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 346 и 32-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 346-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 32-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

БОГОЛЮБОВ Алексей Петрович (1824–1896) Венеция. Пьяцетта. 1876
Холст, масло. 31,2 × 27

Русское искусство конца XIX века представляет ведута «Венеция. Пьяцетта» (1876) Алексея Петровича Боголюбова. «В зрелый период творчества русский художник А. П. Боголюбов проводил много времени за рубежом, в многочисленных европейских путешествиях, — отмечают эксперты. — Среди его работ выделяется серия видов Венеции, в частности виды площади Сан-Марко и Пьяцетты». Пьяцетта (дословно «маленькая площадь») Сан Марко (Piazzetta San Marco) — это небольшая территория, часть площади Сан-Марко. Раньше на месте Пьяцетты Святого Марка была гавань, но её засыпали и присоединили к основной площади в качестве атриума. Украшают Пьяцетту две большие колонны (Святого Марка и Святого Теодора), прибывшие в Венецию в 1125 году в качестве военных трофеев из Константинополя (cattur.ru). На картине видна колонна Святого Марка, увенчанная крылатым бронзовым львом, датируемым IV веком н.э.

Алексей Петрович Боголюбов — один из лучших русских маринистов и выдающийся пейзажист, представитель академической школы. В его творчестве, почти не взаимодействуя друг с другом, существовали два направления. Одно из них было связано с традицией морской батальной живописи и пейзажа-ведуты в духе академического романтизма, к которому, собственно, и относится холст «Венеция. Пьяцетта», второе —  с формированием реалистического пленэрного пейзажа в европейском искусстве второй половины XIX века, в частности с творчеством мастеров барбизонской школы

Следующий раздел каталога — произведения художников Русского Зарубежья.

КОРОВИН Константин Алексеевич (1861–1939) Старый берендей. Эскиз костюма для постановки оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка». 1928
Постановка осуществлена в 1928 году в первый сезон «Частной оперы в Париже»
Бумага, графитный карандаш, тушь, перо, акварель, белила. 25 × 18 (в свету)

Открывает его графический эскиз костюма Старого берендея к опере Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка», выполненный в 1928 году Константином Алексеевичем Коровиным для первой постановки «Частной оперы в Париже». Авторская помета на рисунке указывает, что этот праздничный мужской костюм предназначен для пролога оперы, в котором берендеи веселятся на проводах Масленицы и встречают Весну.

Ой, честная Масленица!
Ой, честная Масленица! Ой! Ой!
Раным-рано куры запели,
про весну обвестили.
Прощай, прощай, прощай, Масленица!
Сладко, воложно нас кормила,
суслом, бражкой поила.
Прощай, прощай, прощай, Масленица!
Пито, гуляно было вволю,
пролито того боле.
Прощай, прощай, прощай, Масленица! (libretto-oper.ru).

Эскизы народных сказочных костюмов к этой постановке очень разнообразны. Костюм нашего героя почти весь украшен вышивкой — и рубаха, и порты, и рукавицы. А вот армяк и высокая шапка-гречник — однотонные: художник, создавая толпу веселящихся крестьян в расшитых одеждах, с большим вкусом проявил необходимую сдержанность в деталях и сделал костюмы аутентичными — праздничными, затейливо украшенными, но не кричащими. Довершают костюм яркий красный пояс и лапти-берестянки с онучами.

МАРЕВНА (Воробьёва-Стебельская Мария Брониславовна, 1892–1984) Обнаженная натурщица. 1930-е — начало 1940-х
Бумага, акварель, карандаш. 66,1 × 45,2

Акварель «Обнаженная натурщица» (1930-е — начало 1940-х) принадлежит русской художнице Парижской школы Марии Брониславовне Воробьевой Стебельской, Маревне, как ее окрестил М. Горький в 1911 году, и именно с этим псевдонимом она вошла в историю мирового искусства. Возвращение Маревны в русское искусство началось, пожалуй, в 2004 году, когда книга «Моя жизнь с художниками “Улья”» (одна из трех мемуарных книг Маревны) была издана на русском языке и Государственная Третьяковская галерея устроила первую персональную выставку художницы в России. В 2011-м, после исторической выставки мастеров Парижской школы в ГМИИ им. А. С. Пушкина, заслуженный интерес к их творчеству вообще и Маревны в частности в нашей стране взлетел до невиданных доселе высот.

«За декоративность и тщательность выполнения работы Маревны 1920–30-х годов сравнивают с рукоделием: кубистические композиционные схемы своих картин она заполняла бесчисленными точечными мазками краски, используя приемы пуантилизма. Такая экзотическая смесь стилей стала визитной карточкой художницы, и этот свой уникальный художественный язык она оттачивала до максимальной степени мастерства, добиваясь в работах четкой, выраженной структурности композиции, прозрачности красочного слоя и изумительно тонких и сложных оттенков и полутонов» (artinvestment.ru). «Обнаженная натурщица» написана, очевидно, до войны в Париже или на юге Франции, когда формирование узнаваемого уникального авторского стиля Маревны уже завершилось, и сегодня мы можем любоваться блестящей композицией, выполненной в изысканном авторском акварельном колорите. Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Маревна».

БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Во Франции. 1950
Холст на картоне, масло. 25,2 × 20

Небольшая работа «Во Франции» (1950) Давида Давидовича Бурлюка, как отмечает эксперт, «по всей видимости, была создана по материалам поездок во Францию» в 1949–1950 годах. В. В. Полевой в книге «Художник Давид Бурлюк» (Цит. по: Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 13964, № 8807-15 от 02 декабря 2019) пишет, что «на пороге своего шестидесятилетия художник решился наконец оставить поденную работу в редакции. Серия успешно прошедших выставок позволила ему приобрести небольшой двухэтажный дом в восточной части Лонг-Айленда в местечке Хэмптон-Бейз и покинуть шумный Манхэттен. Освободившееся время было решено посвятить путешествиям… Наиболее значимой из европейских поездок оказалась первая — осенью — весной 1949–1950 годов по югу Франции и по Италии. Нахлынувшие впечатления способствовали появлению в живописи Бурлюка ярко выраженных импрессионистических реминисценций…»

Следующий раздел каталога представляет творчество мастеров, работавших в советское время.

РЫЛОВ Аркадий Александрович (1870–1939) Лесной пейзаж. Этюд. Первая четверть ХХ века
Картон, масло. 10,9 × 11,9

Первой четвертью ХХ века датирует эксперт этюд «Лесной пейзаж» Аркадия Александровича Рылова. В 1888–1891 Рылов учился в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица у К. Я. Крыжицкого и Рисовальной школе Общества поощрения художеств. В 1894 поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, занимался в мастерской А. И. Куинджи. Один из крупнейших отечественных пейзажистов, Рылов в творчестве продолжал традиции русской пейзажной школы, в частности своего учителя А. И. Куинджи. Отличительными особенностями его искусства являются романтически-возвышенный, часто эпический, мотив изображения, внимание к эффектам освещения, декоративное понимание цвета. Художник много работал с натуры, но на пленэре, как правило, создавал лишь этюды, предпочитая писать картину в мастерской. Наш этюд, как отмечает эксперт, «проникнут, что типично для Рылова, ощущением покоя, гармонии, тишиной летнего леса».

ТИХОМИРОВ Александр Нилович (1889–1969) Московский пейзаж. 1930
Холст, масло. 89 × 88,5

Не только художественную, но, очевидно, историческую ценность представляет «Московский пейзаж» (1930) Александра Ниловича Тихомирова. Художник приехал в Москву в 1924 году из Томска и жил, судя по надписи на обороте картины, на Верхней Масловке. В 1929 году на Верхней Масловке, до того имевшей сплошь деревянную застройку, по инициативе М. Горького и И. Э. Грабаря началось строительство Московского Монпарнаса — «Городка художников». Архитектурный комплекс был задуман бригадой АСНОВА в виде огромного «корабля искусств», который должен был стать сосредоточением московской художественной среды, создать бытовые условия для графиков, скульпторов, живописцев и способствовать развитию молодого советского искусства.

В 1930 году на месте сгоревших павильонов кинофабрики «Межрабпомфильм», по соседству со стадионом «Динамо», был построен 1-й производственный дом художников (корпус «Ж» по генплану). Позже он получил адрес: ул. Верхняя Масловка, 9 (ru.wikipedia.org). Строительство следующего корпуса началось только в 1933 году, поэтому можно предположить, что на полотне «Московский пейзаж» художник запечатлел самый первый дом «Городка художников».

СТЕРЛИГОВ Владимир Васильевич (1904–1973) Перед началом № 1. Конец 1940-х — начало 1950-х
Бумага, акварель, гуашь. 45,4 × 31

В 1920-е годы Владимир Васильевич Стерлигов, автор графической композиции  «Перед началом № 1» (конец 1940-х — начало 1950-х), учился у Малевича, работал с ним в ГИНХУКе, позже последовал за ним в Государственный институт истории искусств, а затем и в экспериментальную лабораторию при Государственном Русском музее. Был знаком и тесно сотрудничал в том же ГИНХУКе с М. В. Матюшиным, П. Н. Филоновым, Н. Н. Пуниным, В. Е. Татлиным, Н. М. Суетиным, руководившими разными отделами института. Чуть позже Стерлигов познакомился и сблизился с обэриутами, проникся их творчеством.

Наша работа выполнена, вероятно, в первые годы после возвращения художника из эвакуации в Ленинград. В это время он занимался оформительством и книжно-журнальной иллюстрацией. Заказы были редки, но в живописи своей на «официальный» язык он не перешел, работал в собственной манере. Это был интереснейший период в жизни и творчестве художника (хотя, возможно, он сам этого и не осознавал) — когда были творческие знания, полученные у лучших авангардистов, опыт совместной работы с ними, общение с обэриутами, тяжелый жизненный опыт и зрелый возраст, когда уже многое пережито и понято, но вместе с тем есть творческие силы и желание работать. Этот период, безусловно, можно назвать периодом сосредоточения Стерлигова, внутренней подготовки к озарению, снизошедшему на него 17 апреля 1960 года на Крестовском острове, где он по-новому увидел окружающую его природу. Купол неба и чашу земли образует кривая — «Вселенная воспринимается как единый организм, основой которого является чашно-купольная криволинейная структура»...

Название нашего рисунка, пожалуй, символично: «Перед началом». В нем уже видны элементы будущей системы, которая сделает Стерлигова одним из крупных теоретиков органического искусства и соберет вокруг себя знаменитую «Школу Стерлигова». В 2010 году в галерее «Элизиум» прошла крупная персональная выставка Стерлигова «И после квадрата я поставил чашу…», экспозицию которой составили несколько сотен работ 1940–70-х годов (ранние работы практически не сохранились), и был издан большой научный каталог, содержащий большое количество информации о художнике, его биографию, письма и статьи искусствоведов Глеба Поспелова и Аллы Повелихиной, работавших со Стерлиговым и воспринявших его систему из первых рук. Стерлигов дважды становился героем нашей рубрики «Художник недели». Читайте на AI: здесь и здесь.

СТОЖАРОВ Владимир Фёдорович (1926–1973) В юрте. Казбек. 1954
Картон на картоне, масло. 35,5 × 29,5 (лист), 37,5 × 31,5 (картон-подложка)

Имя Владимира Фёдоровича Стожарова, автора портрета «В юрте. Казбек», стоит в первых рядах мастеров отечественной живописи середины XX века, продолжателей лучших традиций русской реалистической школы. У любителей искусства это имя ассоциируется прежде всего с Русским Севером, где он много раз бывал, любил и как никто понимал его природу, архитектуру и людей. Написанные на Севере пейзажи Стожарова вошли в золотой фонд русского реалистического искусства. Но не менее интересны портреты работы Стожарова — как правило, образы людей труда, крестьян, отмеченные точным авторским взглядом, искренним интересом к моделям и пониманием их нелегкой жизни. Портрет мальчика, представленный в сегодняшней подборке, написан в одной из многочисленных поездок художника по стране. Произведения Стожарова вызывают огромный интерес, хранятся в музеях и частных коллекциях, востребованы коллекционерами. К сожалению, их часто подделывают, правда топорно, но все же… (часть подделок можно увидеть на сайте В. Ф. Стожарова, созданном сыном художника Александром Владимировичем Стожаровым, глубоким знатоком и, пожалуй, лучшим экспертом по творчеству отца). Наша работа упомянута в каталоге живописи альбома «Стожаров. Каталог произведений. Живопись. Рисунок», вышедшем в издательстве «Советский художник» в 1977 году, при жизни А. В. Стожарова. О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Стожаров».

Следующий большой и очень интересный раздел каталога — творчество шестидесятников.

КРОПИВНИЦКАЯ Валентина Евгеньевна (1924–2008) Три состояния. 1971
Бумага, черный карандаш. 43 × 61,5

Открывает раздел ранний, 1971 года, карандашный рисунок «Три состояния» Валентины Евгеньевны Кропивницкой — крайне редкая в нашей стране оригинальная графика художницы (в основном ее рисунки продаются на европейских и американских аукционах, да и то в небольшом количестве). «Карандашный рисунок “Три состояния” — это классический как по исполнению, так и по сюжету рисунок В. Е. Кропивницкой. В нем есть все то, что характерно для ее лучших графических вещей: сложная своеобразная абсурдистская мифология, корнями уходящая в протофольклор, виртуозное владение карандашом и удивительная наивная трогательность», — пишет эксперт. Называя ближайшими аналогами нашему рисунку работы «Озеро» и «Город», хранившиеся в собрании семьи О. Я. Рабина и В. Е. Кропивницкой, экспонированные и опубликованные, эксперт полагает, что все три рисунка «виртуозно исполнены черным карандашом в 1971 году и, вероятно, относятся к циклу аналогичных рисунков Валентины Кропивницкой со сложными, загадочными сюжетами, герои которых очеловеченные зверушки, напоминающие кенгуру или осликов. Более того, рисунок “Озеро” почти дословно повторяет центральную часть… рисунка “Три состояния”, являющегося своеобразным триптихом».

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Ящик. 1982
Холст, масло. 82 × 116

1982 годом датировал автор, Юрий Леонидович Купер, холст «Ящик», выполненный в узнаваемой авторской манере.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Ласточка. 1986
Оргалит, масло. 84 × 122

Чудесный большой, метр с лишним, оргалит «Ласточка» (1986) написан кистью Анатолия Тимофеевича Зверева. «Ласточка», по мнению эксперта, «несмотря на то, что она написана в поздний период творчества художника, интересна тем, что это не заказная картина, как основная масса произведений этого времени у А. Т. Зверева, а вещь, сделанная художником для себя, для удовольствия. Отсюда легкий, свободный характер живописного письма, увлечение декоративной игрой цветовых пятен и плавных линий, использование широкого флейца и спонтанное разбрызгивание красок — все почти как в лучших ранних вещах А. Т. Зверева». Работа происходит из собрания семьи Правовых, хороших знакомых художника и коллекционера его работ, а также опубликована в альбоме 1991 года, посвященном творчеству А. Т. Зверева.

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Цветы в горшке. 1987
Оргалит, масло. 65 × 80

Одному из самых тонких и трогательных художников-шестидесятников, Владимиру Игоревичу Яковлеву принадлежит простая и одновременно загадочная флоральная композиция «Цветы в горшке» (1987). «Написанные им цветы трудно назвать натюрмортами, скорее, быть может, портретами цветов или их образами-символами», — писал о Яковлеве арт-критик Сергей Кусков (art-critic-kuskov.com).

«Художник, интуитивно-непосредственный, в творчестве которого главенствуют чувства и эмоции, — таким предстает Владимир Яковлев, чье искусство трудно определить в строгих категориях направления или стиля. Скорее всего, в нем можно увидеть очень самобытного отечественного художника-экспрессиониста.

Заметим, что порою при первом беглом и достаточно поверхностном знакомстве с творчеством Яковлева возникает искушение (на основе некоторых наивно-инфантильных интонаций его искусства и выразительных «неправильностей» его рисования) увидеть в нем приметы примитивизма. Но такая точка зрения нам представляется ошибочной. При всей, быть может, наивной душевной открытости личностного склада Яковлева это отнюдь не «наивный», а раннезрелый, эстетически и профессионально искушенный мастер. Все его деформации для знающего взгляда выдают мастерство рисовальщика, владение композицией и тонко развитую культуру живописца, к тому же, как известно, осведомленного в истории искусства, в том числе по тем временам актуального.

Яковлев… творил на едином дыхании, по ту сторону рассудочной рефлексии и осознанно привлекаемых культурных реминисценций. В искусстве Яковлева (если отвлечься от утонченности его живописного мастерства, как и от тревожного драматизма, характерного для его мироощущения) можно было бы усмотреть проявление почти детской наивности-открытости.

Однако, учитывая укорененность Яковлева в большой художественной культуре, его осведомленность в современном искусстве, трагические обстоятельства его жизни, уместнее говорить не о детскости или инфантилизме (свойственных наивному искусству), а скорее о каком-то первозданно-свежем, чистом, освобожденном от всего наносного мировосприятии.

Кажется, что Яковлев вышел к некоей высшей Простоте как особой форме изощренного артистизма, художественной маэстрии» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Карнавалы Санкт-Петербурга
Комплект из 5 литографий в папке. 1988

В 1988 году в Париже выполнена папка с 5 литографиями «Карнавалы Санкт-Петербурга» Михаила Михайловича Шемякина.

«В России можно встретить множество разных лиц и национальностей. У них непохожие обычаи и привычки, но они живут бок о бок. Так и в моих “Карнавалах” вы можете встретить Монгола со свиным лицом, танцующего вместе с огненнорыжим Казаком. А рядом с ними — тонконогого француза, изумленно взирающего на вертящегося на пупе уродца, что позаимствован мной из петровской Кунсткамеры.

Внимательно изучая гротескные маски Австралии, Океании и Древней Мексики, я часто замечал, что их носы, лица, гримасы поразительно напоминают персонажей Комедии дель Арте, равно как и героев старых русских лубков. А изучение амфибий, жуков, лягушек навело меня на мысль об их сходстве с необычными человеческими типами. Этому же помогло и изучение рисунков Гранвиля.

От этого в вихре моих карнавалов соседствуют Татары и Казаки, австралийские Аборигены и русские Петрушки, Бабочки и Пауки... Добавьте к этому нашу безумную юность, нашу сюрреалистическую жизнь, и Вы обнаружите источники моих карнавальных серий» (Михаил Шемякин, цит. по: litkabinet.ru).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Посвящается Владимиру Янкилевскому. 1988
Дерево крашеное. 40 × 16,6 × 16

Творчество Владимира Николаевича Немухина в нашем сегодняшнем каталоге представлено деревянной скульптурой «Посвящается Владимиру Янкилевскому» (1988). Его оммажи — особое и очень важное направление в творчестве, и точнее, в его скульптуре, в которой посвящения составляют, пожалуй, если не большую, то очень заметную часть. Сложные оригинальные работы художник всегда изготавливал из дерева или отливал в бронзе. Иногда, как в нашей работе (или в посвящениях Владимиру Вейсбергу, Владимиру Яковлеву), Немухин вводил цвет, которому отводилась важная роль в создании образа, чаще тонировал дерево, поручая главенство форме; как правило, не вводил в деревянные скульптуры никаких дополнений, но в отдельных случаях использовал металлические детали для скрепления элементов пространственной композиции. Еще одна загадка его оммажей состоит в том, что Немухин никогда не «цитировал» тех, кому он посвящал свои скульптуры, но при этом — абстрактные или фигуративные, простые или затейливые — создавал, можно сказать, уникальные по точности и цельности образы, вне зависимости от личного знакомства. Посвящения писателям, учителю — П. Е. Соколову, друзьям и, конечно, художникам — Сезанну, авангардистам, шестидесятникам.

ЛЕМПОРТ Владимир Сергеевич (1922–2001) Композиция. 1980 (?)
Бумага, пастель. 28 × 38

Предположительно, в 1980-е годы нарисована пастельная «Композиция» Владимира Сергеевича Лемпорта — плавная, красивая нежная и очень трогательная работа, в которой можно увидеть образы матери и ребенка или просто абстракцию. Лемпорт — легендарный московский скульптор, участник художественного объединения трех скульпторов «ЛеСС» (Лемпорт, Силис, Сидур). Графика Лемпорта своеобразна, самостоятельна и интересна.

БУЛАТОВ Эрик Владимирович (1933) Слава КПСС. 2005
Бумага, литография. 60 × 60 (лист)

Литография «Слава КПСС» (2005) одного из основателей школы московского концептуализма, Эрика Владимировича Булатова воспроизводит одноименное живописное произведение, едва ли не самое известное в его творчестве. «Это воспринималось просто как лозунги советской действительности. Да, кругом написано “Слава КПСС”, плакат такой — ну и что? Или наоборот — наши философствующие диссиденты обрушивались на меня: как ты мог по нашему русскому небу написать эти жуткие слова? Пространственный смысл в моих картинах… просто не замечался. Читались сами слова: “Слава КПСС”. А больше — что еще там смотреть, и так все понятно. В лучшем случае все воспринималось как американский поп-арт, сделанный на советском материале. Так думали те, кто пытался найти тут какую-то иронию. Но никакой иронии не было. Был прямой портрет этой реальности» (Эрик Булатов, znak.com).

«…Я настаиваю на том, чтобы зритель внимательно смотрел на то, что нарисовано. Например, когда человек подходит к моей работе “Слава КПСС”, он читает надпись: “А-а, ну это я знаю”. А надо, чтобы не знал заранее, а смотрел на картину. Там между буквами и небом есть расстояние, буквы не приклеены, не написаны по небу. А раз есть расстояние — каждый живет сам по себе. И дальше смотрите сами.

Я настаиваю: понимание искусства начинается не со знания, а с ощущения. Понимание приходит или не приходит потом. Изначально понимания вообще быть не должно, оно ни при чем... Если происходит наоборот, то искусство остается неувиденным, непонятым» (Эрик Булатов, forbes.ru). Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Эрик Булатов».

ПИВОВАРОВ Виктор Дмитриевич (1937) Тарелка «Ничего я не трогал.» 2007
Фарфор, роспись. Ø 30 см

В фарфоре шестидесятников нашли воплощение самые лучшие, самые важные и ценные для авторов сюжеты и мотивы. Такова и тарелка «Ничего я не трогал.» (2007) Виктора Дмитриевича Пивоварова, вручную расписанная на предприятии в Германии по эскизу автора. На обороте тарелки, рядом с авторской подписью и датой, нарисована собака. «Какой-то символической нагрузки в этих маленьких рисуночках рядом с подписью нет, — ответил на вопрос AI о значении рисунка Виктор Пивоваров. — Это особый бонус для коллекционеров, что каждая тарелка своим способом уникальна. Если изображение на лицевой стороне тарелки одинаковое во всем тираже, то рисуночки с подписью на обороте всюду разные. Мотивы иногда повторяются, но всегда чуть-чуть по-другому».

В самостоятельный раздел каталога мы выделили две работы представителей ленинградского андеграунда.

ЖАРКИХ Юрий Александрович (1938) Движение (Дети рок-н-ролла). 1990-е
Холст, масло. 92 × 73

Работа в определяемой с первого взгляда авторской стилистике — холст «Движение (Дети рок-н-ролла)» (1990-е) Юрия Александровича Жарких. В 1970-е годы Жарких — один из лидеров неофициального искусства Ленинграда и Москвы, организатор первых выставок художников андеграунда в Ленинграде в ДК имени Газа (1974) и «Невский» (1975), участник знаменитой «бульдозерной выставки» (1974) в Москве. С 1977 года живет в Париже, много работает, выставляется, висит в лучших мировых музеях, включая Центр Помпиду, продается на аукционах. Везде, кроме своей страны. Читайте о нем на AI и обратите внимание на то, что «в России выставками художник не избалован и знакомство с творчеством Жарких сегодня, по сути, можно начинать заново. Тем вдвойне интереснее.

… Самое неправильное, что можно сделать перед этим знакомством, — это заблаговременно начитаться критики и ранних искусствоведческих трактовок творчества Жарких. Иначе во всем потом будет мерещиться ужас, спекшиеся массы и “состояния абсолютной смерти”, замешанные по рецептам аналитического искусства. Жарких все-таки совсем не Филонов, последователем которого его считают, и небезосновательно. Его творчество вполне самостоятельно и узнаваемо. Да, в его сюжетах нередко присутствуют антропоморфные сплетения, нагромождения существ с прозрачной кожей. Но это скорее стилистический прием для передачи собственных философских идей. Короче, никого не слушайте, читайте Жарких с листа, там во всём можно разобраться без посторонней помощи» (artinvestment.ru).

БОРИСОВ Леонид Константинович (1943–2013) Качели. 2009
Холст, акрил. 65 × 60

Среднеразмерная минималистичная композиция «Качели» (2009) выполнена Леонидом Константиновичем Борисовым. Художник «занимается чистой геометрической абстракцией без обычных для ленинградского андеграунда философских коннотаций. Его интересует геометрическая форма, сочетание двух-трех форм само по себе… <…> Деликатность и утонченность цветового решения, расположение форм на холсте позволяют при предельной немногословности добиваться убедительного эффекта» (Л. Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. Биографический словарь. — СПб.: Искусство-СПб, 2007. С. 26).

«Абстракция, минимализм, геометрия — ориентиры в моем творчестве. Абстракция — свободное выражение художественной идеи. Минимализм — стерильность этого выражения. Геометрия — основа образования всего визуального. Кубисты трансформировали пластическую реальность в элементах геометрии. Абстракция неассоциативна. Она или есть или нет» (Л. Борисов).

И завершаем рассказ о каталоге композицией Владислава Юрьевича Мамышева-Монро из серии «Несчастная любовь» (1994).

МАМЫШЕВ-МОНРО Владислав Юрьевич (1969–2013) Из серии «Несчастная любовь». 1994
Бумага, фотография, красная шариковая ручка. 38,3 × 60

«Серия “Несчастная любовь” создана в 1993 году (фотограф Ханс-Юрген Буркард), в 1994 году куплена Государственным Русским музеем. Автор делал и варианты отдельных сюжетов, используя разные кадры из съемки, однако канонической следует считать именно серию из ГРМ. Во всех вариантах “Несчастной любви” фотографии раскрашены (по преимуществу платье героини), в ряде случаев художник использует авторский метод “расцарапки”, когда поверхностный слой фотографии снимается миллиметр за миллиметром и процарапывается скальпелем, благодаря чему усиливается, утрируется и трансформируется образ персонажа.

Синопсис серии таков: действие драмы происходит в Петербурге. Героиня (российская Монро) влюбляется в молодого человека, пишет ему любовное письмо, но когда пытается передать его адресату — обнаруживает, что ее возлюбленный несвободен: он уже любит другую девушку. Героиня рвет и выбрасывает письмо в Неву и кончает жизнь самоубийством. Художник остроумно включает в историю героини литературные коннотации: образ романтической девушки, открывающей свои чувства к возлюбленному в письме, отсылает к пушкинской Татьяне, но в отличие от нее, отказавшейся от любви в реальности, героиня Монро отказывается от самой реальности, теряющей для нее всякий смысл без любви.

Мэрилин Монро, которую художник боготворил, в образе которой он особенно часто появлялся на вечеринках и выставках, благодаря чему и получил свой звучный псевдоним, была ему наиболее близка. В интерпретации художника Монро олицетворяла собой абсолютную любовь, женственность и жертвенность. Она всегда — отдающая сторона, персонаж, неспособный причинить кому-то зло, умеющий только дарить свою любовь и всю себя без остатка. Собственно такова и героиня серии, жертвующая жизнью во имя любви» (vmmf.org).

Одновременно с нашим штатным 346-м AI Аукционом открыт 32-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге: Нина Котёл, Сергей Максютин, Андрей Мунц, Валерий Полиенко, Анна Руссова, Катя-Анна Тагути, Андрей Туканов, Татьяна Файдыш, Юрий Шабельников, Нина Шапкина-Корчуганова.

Всем желаем удачи на 346-м AI-Аукционе и 32-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.