Открыты 331-е торги AI Аукциона и 17-й кураторский аукцион «XXI век»
ARTinvestment.RU   25 мая 2020

В сводном каталоге — 30 лотов: восемнадцать живописных работ, пять листов оригинальной и один — печатной графики, три работы в смешанной технике, одна скульптура и две работы, выполненные цифровой печатью

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 331 и XVII кураторского аукциона «XXI век. Современное искусство».

Лоты 331-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты XVII кураторского аукциона «XXI век. Современное искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

По традиции открывает каталог раздел русского искусства конца XIX — начала ХХ века. В [1873] году на бронзолитейной фабрике Феликса Шопена была отлита бронзовая скульптура «Линейный казак с казачкой» по модели Евгения Александровича Лансере. Модель в воске была создана в 1873 и представлена на Академической выставке. Очевидно, что после экспонирования Ф. Ю. Шопен приобрел патент на ее отливку в бронзе. В названии композиции отмечено, что изображен линейный казак. Так называли представителей русского казачества, которые жили и несли службу на Кавказской линии — пограничных укреплениях русских войск на Кавказе в XVIII–XIX вв. Укрепления были возведены на основных реках Кавказа — Кубани и Тереке, т.е. на южной границе России. Кавказское Линейное казачье войско было образовано в 1832 по Высочайшему указу.

В 1899 году создан рисунок «Благородная дама в середине зимы (Дама в сером платье) Александра Николаевича Бенуа — «вольная копия» с гравюры Жана Дье де Сен Жана (1655 (?)–1695) «Femme de qualité en habit d'hiver» (1683). «Занимаясь сбором материалов и подготовкой своих программных картин, акварелей и эскизов к театральным постановкам, — пишет эксперт В. С. Силаев, — А. Н. Бенуа проводил серьезную исследовательскую работу для более достоверного их соответствия исторической эпохе. Хорошо известно, что он изучал и копировал старинные гравюры, заимствуя из них стилистику, элементы и детали костюмов». По мнению И. В. Шумановой и Е. А. Илюхиной, исполненные с гравюр рисунки А. Н. Бенуа, безусловно, представляют авторское прочтение первоисточника; при этом характер преображения источника позволяет понять особенности формирования пластического языка графики А Бенуа, его удивительного самобытного рисовального почерка, укорененного в искусстве прошлых эпох, хранящего «эхо прошедшего времени».

Концом XIX века датирует эксперт этюд «Севастополь» Василия Дмитриевича Поленова: «Этюды — своего рода записная книжка художника, его рабочий материал — занимают особое место в творчестве Поленова. В конце XIX — начале ХХ века этюды Поленова перерастают рамки рядовых живописных штудий. Впервые представленные на 13-й выставке ТПХВ в 1885 году, этюды Поленова приобрели самостоятельную эстетическую ценность. Его пейзажные этюды имеют композиционную завершенность, большой охват пространства, сложное колористическое решение».

В 1910 году написан « Сентябрьский пейзаж» академика живописи Ивана Семёновича Куликова. По всей видимости, работа создана в окрестностях Мурома, где художник родился в крестьянской семье и, несмотря на обучение в Петербурге и многочисленные поездки, в том числе заграничное пенсионерство Академии художеств, постоянно жил. Родная земля давала Куликову не только многочисленные сюжеты для его картин, но и, в первую очередь, силы жить и работать. По воспоминаниям, он был человеком веселым, доброжелательным, открытым, любил жизнь и ее радости. Это состояние души заметно в нашем пейзаже: в нем нет осеннего уныния, невысокое северное небо светло и чисто, композиция динамична.

Следующий раздел каталога — произведения художников Русского Зарубежья.

Первой третью ХХ века датирована жанровая композиция «Древняя Москва» Николая В. Иванова. Эксперт отмечает, что работа «по изобразительному мотиву близка произведениям художника, который часто обращался к теме русской старины. Он много и плодотворно работал как иллюстратор русских сказок и былин. Колористическое решение… работы, как и в других произведениях автора, отличается декоративностью. В написании фигур художник часто использует локальные цвета — зеленые, красные, желтые, таким образом выделяя их на фоне пейзажа». Российский период жизни художника в его биографии практически не отражен: исследователи указывают только, что он родился в Москве, учился в МУЖВЗ и эмигрировал по политическим мотивам в возрасте всего 22 лет, в 1907-м. Во Франции он учился, «писал пейзажи окрестностей Парижа и Бретани, картины на русские сюжеты: “Старый город”, “Русская тюрьма”, “Заколдованный лес”. Исполнил акварели на темы русских сказок и былин, иллюстрации к “Руслану и Людмиле” и “Сказке о Золотом петушке” А. С. Пушкина» (artrz.ru), выставлялся. Можно только догадываться, чем для художника были эти мотивы — настоящим увлечением или проявлениями ностальгии, а может, всем вместе. Скорее все же, они вызваны к жизни искренним интересом к русской старине и народной культуре. Наша работа — и это важно — совершенно московская, в ней нет ничего инородного, что всегда заметно в работах мастеров другой культуры — иностранцев, писавших Москву, и нередко — в произведениях художников-эмигрантов.

Литография Les rendez-vous des quatre formes (Встречи четырех форм, 1963) Александра Порфирьевича Архипенко — лист из папки Les Formes Vivantes («Живые формы»), содержащей 10 разных композиций и вышедшей в Швейцарии в 1963 году тиражом 75 экземпляров.

Портрет «Спящая Марика» (1966) Маревны написан в Илинге, пригороде Лондона (об этом свидетельствует авторская надпись на обороте картины), где художница жила вместе с дочерью Марикой. Работа относится, как указывает эксперт, «к послевоенным произведениям Маревны, когда ее стиль и манера письма устоялись и приобрели узнаваемые, “классические” для ее творчества черты. Здесь всё так же, как и в ранних вещах художницы, заметно ее тяготение к кубизму, стремление к четкости и точности линейных, геометрических построений. Рисунок отточенный, твердый, уверенный, а колорит изысканный, нежный, построенный на тончайших полутонах и оттенках».

Имя и творчество Маревны (такой псевдоним Марии Воробьевой-Стебельской придумал Горький в 1911 году) возвращается в нашу страну на волне огромного интереса к Парижской школе. В 2004-м, когда одна из трех мемуарных книг Маревны, «Моя жизнь с художниками “Улья”», была издана на русском языке, Государственная Третьяковская галерея устроила первую персональную выставку художницы в России. А в 2011-м ее произведения участвовали в роскошной экспозиции Парижской школы, подготовленной ГМИИ им. А. С. Пушкина. (Читайте о художнице на AI: «Художник недели: Маревна».)

Отечественное искусство 1930–70-х годов представлено тремя пейзажными композициями.

Открывает раздел «Пейзаж с речушкой» конца 1930-х годов Василия Васильевича Мешкова. Сын художника Василия Никитича Мешкова, первоначальные художественные навыки он приобрел под руководством отца в его школе-студии (1907–1908), а затем учился в МУЖВЗ (1909–1916) у К. А. Коровина, С В. Иванова, А М. Корина. Начиная со второй половины 1930-х В. В. Мешков работал над созданием панорам, диорам, выставочных панно, и возможно, что мотив нашей работы был использован в одном из них. Вместе с тем необходимо отметить, что это не этюд, а законченная и подписанная пейзажная композиция, спокойная и красивая. Позже В. В. Мешков много и плодотворно работал, выставлялся, провел несколько персональных экспозиций. За свою творческую деятельность был удостоен званий действительного члена Академии художеств СССР (1958), народного художника РСФСР (1963). За серию пейзажей «Кама» награжден Государственной (Сталинской) премией (1951).

 Пейзаж «Осень» русского пейзажиста Николая Михайловича Ромадина датирован третьей четвертью ХХ века, самым «пейзажным» периодом живописца. Пейзаж «Осень», как отмечает эксперт, выполнен «в излюбленном мастером жанре натурного пейзажа. Художник знал и понимал природу. Для Н. Ромадина изображение таинственного леса, небольших речек, укромных тропинок и оврагов было не просто иллюстративным показом времен года и различных состояний природы, но еще и возможностью работать с большой долей творческой свободы, не следуя строгим правилам соцреализма. Мастера в первую очередь интересовала возможность прикоснуться и донести до зрителя ощущение волшебства и красоты окружающего мира, гармонии мироздания».

Константин Паустовский писал о своем друге: «Николай Михайлович Ромадин… человек, вышедший из самой сердцевины народа, — прошел тяжелый путь приобщения к живописи.

Если бы не отчаянное его упорство и одержимость живописью, если бы не нестерпимая его любовь к России и к ее пейзажу, то он мог бы остаться в числе… художников-самоучек… Но он выбился, вышел на большую дорогу и силой своего таланта завоевал себе такого великолепного и сурового учителя, как Нестеров» (paustovskiy.niv.ru). Источники пишут об учебе Ромадина у Р. Р. Фалька, И. И. Машкова, А. Д. Древина, знакомстве в самом конце 1930-х с Н. П. Крымовым и в 1940-м — с М. В. Нестеровым, о последующем общении с кругом его друзей, «среди которых были Павел Корин, Иван Ефимов, Петр Кончаловский, певица Ксения Держинская, знаменитый врач Владимир Филатов, пианист Святослав Рихтер, известные писатели, ученые, философы» (forum.artinvestment.ru), — все это самым плодотворным образом развило и обогатило удивительно цельную и чуткую натуру художника. Ромадин писал, цитирует художника эксперт: «Ничего не хочу я от жизни, кроме ощущения радости и чувства справедливости, целесообразности жизни и любви, которой я переполнен ко всему: России, женщинам, детям, скорби людской.

Есть у меня долг перед Россией, перед своей страной, перед русскими лучшими людьми. Я отделяю лучших, добрых, любящих русских людей. Лучшие те, кому дан Дар любви. Сам я не устаю благодарить жизнь за этот дар. Моя любовь к природе, ко всем этим веточкам, елочкам, глухому лесу, тихой воде, бурно-весеннему щебетанью воробьев, карканью ворон, крику сороки и вечно-вечному журчанью ручья наполняет мое сердце смыслом сущего».

В 1978 году написан «Дачный пейзаж» Фёдора Павловича Решетникова. Эксперт отмечает, что «Ф. П. Решетников на протяжении всей жизни писал многочисленные этюды. В этих быстрых произведениях художник умел найти выразительную деталь, использовать ее для усиления общего впечатления. Одним из излюбленных мотивов в творчестве мастера были дачные уголки Подмосковья», в которых он выразительно и точно передавал атмосферу солнечных, цветущих уголков с их бытом и укладом. Таков и наш пейзаж, где такой выразительной деталью, пожалуй, стала дорожка с яркими цветочными кустами.

Раздел творчества шестидесятников, столь любимый нашими участниками, представляет творчество многих лучших мастеров второго русского авангарда.

Редкая ранняя акварель «Силуэт женщины» (1964) Вадима Абрамовича Сидура представляет автора очень интересным колористом. Публике больше знакомы тонкие цветные рисунки Сидура фломастером и тушью, с изящными фигурами, цветами и бабочками… И вот акварель, которая своей тяжелой пластикой, скорее, ближе к бронзовым женским фигурам мастера, к его скульптурным циклам — плавная, напряженная и сияющая. Работа подписана, датирована и обладает безупречным провенансом: из семьи художника.

К первой половине 1960-х годов относится натурный постановочный тушевый рисунок «Две натурщицы» Владимира Григорьевича Вейсберга. «Рисунок исполнен бегло, в быстром темпе, важном для несколькоминутных модельных постановок, — отмечает эксперт. — На подобных натурных штудиях, как правило, мастера оттачивают руку и развивают глаз, овладевая сложными ракурсами. Но в постановочных рисунках В. Г. Вейсберга отчетливо прослеживается его стремление к сдержанности, деликатности, грациозности и даже изысканности в изображении обнаженной женской натуры».

В 1979 году выполнена графическая композиция «Догоняющий» Элия Михайловича Белютина — яркая, динамичная, в характерной авторской манере и технике.

Акварель Бориса Петровича Свешникова «Без названия (Пейзаж со стаффажем. Май)» 1979 года нарисована в хорошо узнаваемой авторской пуантилистской манере. Она выделяется широтой палитры и заметным весенним, радостным настроением.

«Для Эдуарда Штейнберга характерно особое внимание к духовно познавательному аспекту художественного творчества, склонность к языку пластических символов, способных выявлять глубоко скрытое и уточнять личностную модель мироздания. Эта “философия формы”, ощутимая за конкретностью отдельных произведений, связывает Штейнберга, при всем его авторском своеобразии, с определенным кругом представителей “неофициальной” художественной культуры 60–80-х годов, который принято условно именовать “метафизическим направлением”», писал в 1988 году критик и искусствовед Сергей Кусков (art-critic-kuskov.com). Нашу «Композицию» (1990) Эдуард Аркадьевич Штейнберг создал через два года после этой публикации, и она являет собой чистый образец авторского метафизического стиля художника. «Знаки-символы работ Штейнберга, размеченные на чистом поле поверхности, преображают их в очаги духовной “энергетики”. Мягкое, ровное, теплое, одновременно бесстрастное свечение изнутри насыщает твердую поверхность холста и намекает на глубину за его пределами. Если первоначально пелена разбеленного слоя воспринимается как подвижная, непоколебимая в своем “обете молчания” плоскость, преграда, то по мере постижения она оживает, представая теперь уже как зона-посредник между явленным и скрытым, и дает возможность ощутить неисчерпаемость своих смысловых потенций. Такого рода преображение белой световой поверхности в метапространство — наиболее частая тема в авторском контексте художника» (art-critic-kuskov.com).

Творчество Владимира Николаевича Немухина представляет холст в смешанной технике «Композиция с картой» (1996). Как отмечает эксперт, он «относится к хорошо известному и популярному циклу произведений В. Н. Немухина с карточными раскладами на ломберных столах. Эти сложно сделанные вещи строятся на живописно-пластических формулах, в основе которых достижения русского и европейского авангарда ХХ века. В данном конкретном случае источником вдохновения и основой для построения… работы “Композиция с картой” послужило творчество итальянского художника-модерниста и новатора Лючио Фонтаны (1899–1968), картины которого с прорезями и разрывами принесли ему широкую известность. Им впервые со времен К. С. Малевича картина была преобразована таким радикальным способом». Немухин по-своему использовал идею Фонтаны и впоследствии воплотил сюжет «Композиции с картой» в тиражной работе, что он делал с вещами, которые ему были наиболее близки.

К мастерам другого искусства, безусловно, относится и наш современник Михаил Михайлович Шемякин. Его «Автопортрет» из цикла «Трансформации» (2014) напечатан в технике жикле тиражом всего 5 экземпляров. Жикле — это авторский принт, который становится все более и более популярным в последнее годы не только среди коллекционеров, но и у музейщиков. Его преимущество перед другой тиражной графикой в том, что в данном случае одно произведение может иметь несколько вариантов колористического решения, а также часто бывает доработано художником вручную. Сравнительно молодая техника постепенно признаётся коллекционерами и специалистами (shop.mihfond.ru). Лист «Автопортрет» подписан и пронумерован самим автором, он сопровождается сертификатом Фонда художника Михаила Шемякина в Санкт-Петербурге. Это очень важно, поскольку, к сожалению, печатная графика Михаила Шемякина находится в зоне повышенного риска с точки зрения подлинности.

Традиционно завершают каталог произведения современных авторов.

«Для меня очень важен символический сюжет, — пишет Татьяна Андреевна Файдыш, автор холста «Игра» (2011). — Я не изображаю реального человека. У “моего человека” нет сходства с кем либо, у него нет индивидуальных черт, но его жизнь и проблемы для меня важны. Я выбираю условную, знаковую форму изображения, которая дает мне свободу и не позволяет впасть в натурализм».

Татьяна Файдыш придерживается ясной изобразительной формы, руководствуясь реальными жизненными впечатлениями. В ее работах всегда есть фабула, сюжет, который художница воплощает с помощью геометрических элементов, соединяя крупные и правильные плоскости локального цвета с линейным рисунком. Произведения Татьяны Файдыш — это всегда привычные повседневные сцены: свидания молодых людей, игры в карты или в волейбол, визиты к парикмахеру, бегущие или бастующие люди. Вместе с тем кубистическая манера письма, контрастные цветовые сочетания, острые силуэты форм и цветовых пятен, безличность и декоративность не позволяют погрузиться в атмосферу изображаемых событий и напрямую взаимодействовать с композицией. Зритель всегда остается сторонним наблюдателем и абстрагированно воспринимает художественные образы, созданные представительницей «немого поколения» (artinvestment.ru).

Своеобразное авторское воплощение вечной чеховской темы предстает в современной тиражной работе «Три сестры» (2016) Константина Васильевича Худякова, выполненной в технике цифровой печати на металле при участии Александра Анатольевича Сплошнова. Несмотря на вполне конкретное название, эта работа предельно далека от любой конкретики и покоряет многоуровневым смешением различных ассоциаций, символов и форм — характерными приметами творчества художника.

Хронологически завершает раздел современных художников композиция «Утро» (2012–2020) Ольги Николаевны Гречиной — свежая, чистая и очень декоративная композиция.

Одновременно с нашим штатным 331-м AI Аукционом открыт 17-й аукцион проекта «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге: Виктор Крапошин, Андрей Мунц, Игорь Неживой, Ольга Рудакова, Александр Русов, Валерий Сахатов, Наталия Турнова, Елена Утёнкова-Тихонова, Юрий Шабельников, Татьяна Ян.

Всем желаем удачи на 331-м AI-Аукционе и на XVII аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Тем, кто собирается впервые купить картину или рисунок, будет полезно узнать, что ни один монитор никогда аутентично не передаст произведения искусства. Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему.

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин). Дальше, чтобы экономить деньги и время участников, электронная система от имени каждого из них ведет торги с другими участниками, делая минимально возможные ставки до указанной участником суммы. Минимальный шаг ставки указывается в описании каждого лота. В случае если максимальные цены на один и тот же лот, указанные в двух или более ставках, совпадают, то выигрывает тот покупатель, чья ставка была сделана раньше.

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.