Show and tell. The artist and his model

ARTinvestment.RU – 10.09.2009,10:42

Today, 10 September, at two sites Stella Art Foundation (st. Mytnaya, 62 and Skatyatinsky Lane., 7) opens the exhibition «Show and tell. The artist and his model ».

This project Yuri Albert , Victor Skersisa and Andrei Filippov (so-called group of "Cupid") is dedicated to one of the fundamental problems of visual art. This problem of correlation between the visible and conceivable form and content or, as formulated by the authors, that the artist shows and thereby said.

In the explanatory text of Albert Skersis Filippov and write: "Different artists have different answer to the question:" What is art? ". For the icon painter Andrei Rublev is a window into another world. For the artist of the Renaissance (for example, Leonardo da Vinci) is a scientific discipline internally interfaces with other sciences - physics, anatomy, geology, etc. For an abstract expressionist Jackson Pollock - the possibility of self-expression. A number of responses, of course, can be significantly lengthened, and each of them is individual or collective model of art. " In turn, a group of "Cupid" offers its own artistic model that exists in the form of the unity of individual models of each of its members.

In Hall Lane Skatyatinsky displays works by Victor Skersisa different years. This is a reconstruction of his classical objects late 1970's - early 1980's, as well as paintings and photographs of different years. For the artist it is crucial to combine them into one space: early and late to work are based on different principles, making the whole installation as a whole looks like a creative dialogue models within the same individual creativity. At the same time in the hall on the street there Mytnaya dialogue between creative models of group members. Thus, the project «Show and tell. The artist and his model "represents a kind of diptych exposition, provides a picture of individual and collective type of creativity," understood as a dialogue and competition of different models of art. " Each of the participants in the dialogue said "own words", but why would "talk" in the end, none of them is not known beforehand.

As a result, there is the installation in which one individual system is connected to the other in unpredictable ways, transformed, like the theme of jazz improvisation. Text of Yuri Albert, as always, devoted to the analysis of their creative work, are the backdrop for the monumental "booths hearted" Victor Skersisa. Booths are located on the edge of the "infernal pond" Andrei Filippov (dedication dying cycle "water lilies" by Claude Monet). And with this, the last being associated three coffins exhibited in the showroom window - another work of Albert ( "Who's afraid of red, yellow and blue?") Refers to the masterpieces of Alexander Rodchenko and Barnett Newman, etc.

Albert Skersis and Filippov belong to the school of Moscow conceptualism. This art direction is the core of Soviet unofficial art of the 1970's - early 1990's. In 1990-2000-e conceptualism on the Moscow stage gives way to a new aesthetic trends. However, there has been a very interesting process of its revival, in which a group of "Cupid" (its occurrence is strictly formally be attributed to year 2008) is directly involved. Return to the Moscow stage veterans movement against the background of increased interest in conceptual art practices in the most recent generation of Russian authors.

Exhibition Project is a program of special projects of the Third Moscow Biennale of Contemporary Art.

The exhibition runs until November 9, 2009.

Interview with Yuri Albert

Vladimir Levashov: Tell us about your group" Cupid ».

Yuri Albert: group with this name No, just for our first exhibition at the "Factory", we have chosen just three names: "Victor and rabbits", "Enigma" and "Creative association" Cupid ". Besides, Filippova there was work with kupidonchikami. Somehow it is the last name was all very taken seriously. The newspapers wrote that the group of "Cupid" has made the exhibition "Victor and rabbits, and because the protest was pointless, we did not object. If this group is somewhat different sense than, for example, "Collective Action". There are strict time limits and a clear understanding of what obschegruppovoe behavior is different from artistic behavior of each of its participants. We are all much softer. It so happened that at one point, Victor Skersis said: "Guys, I just see how such and such a work perfect blend. And we joined them into a single installation.

B. L. : This was the first experience of group practice?

AY : Almost, except for the fact that we (Yuri Albert Viktor Skersis and Andrey Filippov. - VL ) a hundred years as a familiar. True, we did not do joint projects, but often consulted with each other and discussed the work. A parallel to our close friends Vadim Zakharov , Yuri Leiderman and Andrew Monastyrsky is already three years methodically collected, slanders dialogues and do little work. I have created, so to speak, on a more regular basis, the group "" Capito ". And when we called our show "T /o" Cupid ", this, of course, was sending a" Capito ". Although we did not have any hard opposition "kapitontsam, and I can easily imagine that the same Zakharov could take part in our exhibition.

And Zakharov, Leiderman, Sabine Haensgen and I the last few years regularly visited various strange places around Cologne and made performances there - the same kind of group practice.

VL : That is do you have such a "jam"? Gathered, made one or two of the project, then changed the composition of ...

A. : Well, first, the change of the composition has not yet happened. And secondly, arose a really good combination: the range from romantic and neteoretichnogo Philippova to building a science-like and all of the formulas Skersisa. And add to this my own skepticism and, in addition, and to the other. All complement each other well. And although we certainly know, whose work - someone, but there is a large element of co-sponsorship. All work one way or another made together: and they themselves, and their selection.

VL : But it all came together so well, you need a long experience acquaintance. It is difficult to imagine that a company like yours, there was, if you were 25 years. In other words, it is something other than "World Champions».

A. : Why? In younger age grinding is much faster. I say, had never worked with anyone else, but the same Skersis collaborated with Zakharov, each of them worked more individually. Even our closest friends «Amanita» about the same work.

The point here is this: The desire of some new momentum. Because any individual development goes through ups and downs. At some point it became boring, and wanted a certain catalyst. This catalyst is group work and proved. Because even if you're just something to knock together with someone, it inevitably begins with him is something to discuss, and new ideas. Of course, as a result of our joint activities, we are unlikely to become radically other artists, but some momentum to get yourself.

VL : How do you said, "Cupid" part refers to "Capito". And whether there is some more complex system of attraction-repulsion between you and your colleagues?

A. : Do not arisen, because I always was. These five men - most close to me the artists with whom I can really talk about art in one language, even if we do not always agree.

I, in any case, there was no ideas specifically to do otherwise than Zakharov - Monastery - Leiderman. That would be just the age, the fact that in 15 years, well: let's say, will do better than boys from a neighboring yard. Besides his ideas, we have repeatedly discussed and Vadim Zakharov, and Leiderman.

Though, probably, if we compare our approaches, we can say that "Capito" seeks to make such a "strange blundering "and then discuss what eventually happened, but we know that the result will still get the art, and want to discuss it, not only among themselves but also with the audience.

VL : And if we talk about a separate project, your group - at the "Factory" or the Stella Art Foundation: what it looks like as a finished product, system of connections between the individual elements?

A. : Of course, I can say about it only from their own position. For every artist there for some background, somehow complements the overall picture of art, which without it, something is missing. For example, all wonderful, but only the pictures write, but there should be something else text. So I just do it. Or vice versa. Here we speak to each other in such a background. I really like the backdrop to the work of Filippov and Skersisa up for my own. And I think that it is reciprocal, in agreement with what is called the "principle of subsidiarity". Each individual works, each work - a model, the assumption that such an art. To put it explicitly or implicitly - the main thing that these models are among the well-combined. They are like "Lego", and the whole installation as a whole is also a model of art as a competition or cooperation of some individual models. Therefore, it seems to me that my installation for the viewer also looks solid, but composed of very heterogeneous elements. And if this "lego", then a rather strange - one element of the round, another square, the third some more, and together, like, nothing.

B. L. : So, you see the wholeness. But what kind of integrity?

A. : The fact is that usually about his work, I almost always can not explain everything, because I all very rigoristichno rigidly. And here, perhaps for the first time in my life I do not absolutely responsible for the result. Of course, not in the sense that it is not responsible for the quality: I simply can not absolutely everything is aesthetically justified. I even suggested - only later, when all the materials left in the Biennial catalog, - the name of "Exhibition of limited aesthetic responsibility." This is just me and interesting. It turns out such a funny thing, in which you want to understand. It is not to just look, but in order to think.

VL : In other words, due to the change of individual models on the group ( or, more precisely, the latest addition to the models of the individual) a displacement of the software hard conceptual strategies to more mobile, improvisational system?

A. : But this I have, and have Filippova, say, the model has always been intuitive. In addition, other individual elements are not strangers to me. I'm not yet entered into such co-operation with Chtakom, Osmolovsky or Brener - could, of course, but it would be difficult, because we are not so familiar. And with Skersisom Filippov, and we are old friends.

VL : Do any of you came up with the idea of "the artist and his model" and, accordingly, project name?

A. : Victor Skersis. But I've always had the idea that any work - a model of art as such. And almost nothing has been invented from scratch, only perepridumano a specific combination, under the project, under the hall. The result is a strange intermediate state: the installation seems to be one, but it can be parsed into separate solo work. Of course, in this case they lose some meaning, arising from the relationship of people with different approaches. But it may well exist separately.

VL : It is interesting not only that. If you look at it more, it seems extremely curious revival of the very impulse to share your creativity as artists, belonging to a conceptual community. Moscow Conceptualism, whatever you say, as a historical phenomenon is dead. And it belonged to the people with greater or lesser success, but are already making an individual career. But suddenly we are witnessing a certain "the second coming of conceptualism. And hopefully, successful. I personally do not know the direct counterparts in the international art space.

A. : I think something like that and it was a surrealist. They also all could not unstick. And then, we've got the market is still very undeveloped, so we are free ... I personally have no antikommercheskogo pathos there, but imagine one artist with a gallery of works, the other - on the other, etc. And if they will arrange that a joint, how then will be with their owners of galleries to understand? Although I think that this obstacle can be overcome.

Conceptualism is not dead, he soon moved back to the periphery. As once said monastery: "Conceptualism is not a man, and can not die." And you're nothing opposes the group and individual careers - they are interrelated. When I see interesting work, for me to work more interesting - get the same dialogue models, which I have already spoken.

Interview with Andrei Filippov

Vladimir Levashov : Tell me please, how did the group "Cupid»?

Andrei Filippov : In the restructuring, and then another, and in the 1990 communication between the artists have been violated. That is, were more or less clear structure to this time, and then came something incomprehensible. And it was to oppress. Thus was born the idea of combining a long time, in parallel with different people. There have been attempts to revive the "Klava" (Club Avant-gardists. - B. A .) And even something like that. But as we have always been marked by poor administration, the result of all this did not work. We just could not find a decent manager, who took it all to do. And there was some inner unsettled. Somehow tired of all this "unwashed dishes" became irritating. I wanted to regenerate existing relationships. One of the first successful attempt was the fact that Vadim Zakharov with Jury Leiderman and Sabina Hengsler made in Germany: in my opinion, just this and has developed into a group of "Capito". And then there was a frequent guest Victor Skersis. And since he was very active, then pushed me and Yuri Albert, to unite.

VL : I can say that I do not see around ( in the broadest sense in the world) direct analogue to the people in your age arose the need for revitalization. With any kind of cultural situation.

AF : But we've always had infantile - in a good sense of the word. There is no sense that you half a ruble. It's just that everyone has his own specific age at which he ustakanilsya. My - somewhere so 25-30. And, moreover, experience of life with us, I would say minimal. That is, he is, but rather gentle. Although, of course, Viti was and is the mass of different kinds of problems in these terrible American terms. Yet it is obvious that something similar with age. Sat-sat, he preserved in its Pennsylvania, and then suddenly jumped. And when he went away, he was just 25 years. Yura is always internally was a pensioner.

We, of course, self-sufficient, but boring now! Интересно, что там у соседа происходит, почему бы к нему в гости не придти посидеть, — это же нормальное человеческое желание. К тому же в Москве среда стала очень корпускулярная, унылая. Конечно, всегда есть что-то, но над этим непременно стоит какой-то Карабас-Барабас с кнутом и требует польку ему станцевать. Или еще постоянная рефлексия по поводу мировой ситуации: мол, там так, ну и давайте мы тоже так сделаем. А в результате получается какая-то лажа, какие-то мировые тренды. Помнишь, еще недавно были эти все гендерные дела, все эти телесности? Сколько людей этим загубили!

В. Л.: Кстати, в вашем нынешнем проекте есть характерный русский оттенок, вполне определенная национальная, региональная образность.

А. Ф.: Я лично всегда считал и считаю, что все эти разговоры о «мировой деревне» какая-то ерунда. Любая нация, этнос интересны сами по себе, как раз тем, как они по-особому развиваются. Ведь наше искусство шестидесятых — начала девяностых отличалось тем, что всем было фантастически интересно в этом пространстве. И тем, кто смотрел, и тем, кто делал. По той же причине мне интересно искусство и в других странах. А когда начинается вся эта глобалистская ахинея, мне становится скучно. Я понимаю, что эти игры — не мои. Кто-то здесь управляет, какой-то обком кураторский. И кто их знает, что они между собой гоняют: потоки денежные или какие-нибудь черные и белые шары. Это их дело, а мне всегда важно то, что здесь происходит. И, может быть, сейчас мало хороших художников, потому что все они испорчены ловлей чужих трендов, чужих мыслей.

В. Л.: Но ведь в те же 80-е годы у т. н. неофициального искусства чувствовалась сильная западная ориентация. Просто интерпретации того, что происходит за пределами СССР, были довольно фантастическими. Или нет?

А. Ф.: Не совсем так: интересней было. Мне очень любопытно, когда возникают совпадения того, что было здесь, и что возникало на Западе. Может, действительно есть какая-то ноосфера? Откуда, например, «Мухоморы» взялись? Ведь они ничего тогда ни про какой «нью-вейв» не знали. Лишь постфактум, через диппочту сваливались какие-то журнальчики, и в них вдруг обнаруживалось нечто подобное тому, что мы сами делали. Это странные совпадения, и очень приятные. Не то важно, ты кого-то опередил или они тебя. Это просто показывает, что у тебя правильное направление: не заблудился. Безусловно, всегда было интересно смотреть журналы типа Flash Art или Art in America. Но я никогда из них ничего не заимствовал, не перерабатывал. Был интересен сам процесс, который я наблюдал как «сквозь мутное стекло».

В. Л.: То есть у тебя чувство, что взгляд «сквозь мутное стекло» продуктивнее, чем прямые связи и общий стандарт?

А. Ф.: Но ведь человек вообще так сделан. Он был совершенен, но после грехопадения видит мир «сквозь мутное стекло» — это, кажется, у апостола Павла сказано. Здесь зазор творчества, проблема восстановления реального мира через доступные нюансы. Есть кирпич — грубый, необработанный и убогий, но в нем какие-то параметры, так сказать, божественного все равно сохраняются. И с их помощью можно что-то восстановить. Вот, например, у Вити какие-то математические штуки в голове все время вертятся, и он тоже пытается понять мир через магическое число. Забавно это, странно.

В. Л.: То есть, возвращаясь к началу разговора, именно Скерсис, как понимаю, и был главным инициатором создания группы?

А. Ф.: Нет, инициатива была совместная, но ведь всегда нужен моторный человек. Им и оказался Витя: и в интеллектуальном смысле в первую очередь, но и в организационном тоже. Потому что я — известный лентяй, а Юра очень осторожный. Ну и в результате получился любопытный формат, соединивший очень разных авторов. Началось, как обычно, с каких-то прелюдий типа «давай поговорим про искусство», а потом, слово за слово, и первым совместным действием стала выставка у Аси Филипповой на «Фабрике».

В. Л.: То есть там вы уже заявляли себя как группа?

А. Ф.: Да, мне кажется, что это уже была группа. Но название «выстрелило» у Вити. Потому что у него в голове «Капитон» торчал, и он с некоторым мазохизмом как-то предложил: «А давайте назовемся “Купидон”». И в принципе, мило получилось.

В. Л.: Интересно, а не смущало вас то, что вы придумали себе такое подростковое эротическое название?

А. Ф.: Но это же бог любви Эрос. С ним связана не только эротика, а вдохновение прежде всего. Everything is normal. Ну и, кроме того, у Купидона в колчане стрелы, то есть векторы. И у нас было три разнонаправленных вектора. У Юры — абсолютно сухая, жесткая структура; Витю колбасит от какого-то математического чернокнижия до очень экзистенциальных поступков. А у меня более-менее ровная история. То есть каждый стреляет в свою сторону, но цель все равно — поразить сердца, влюбить в себя в какой-то степени.

В. Л.: А, кстати, что за «ровная история» у тебя самого?

А. Ф.: Ну, меня больше всего интересует геополитика, любовь и смерть.

В. Л.: И как вы выстроили из таких разных векторов единую выставку?

А. Ф.: Было мучительное хождение по кругу, перемешивание: брать или выкидывать. И в результате определились какие-то твердые тела. Их-то мы и взяли.

В. Л.: Иначе говоря, все опять же родилось из разговоров? Только в отличие от «Капитона» вы их не записываете и они выступают сугубо прикладным инструментом для продуцирования объектов?

А. Ф.: Может, их и надо записывать… Вадик Захаров в таком отношении более четкий, ему это очень важно — документация. Документация выливается в продукт, продукт остается в архиве. И тем самым он на ступеньку поднимается над самим собой: хорошее качество, надо сказать. Про Андрея Монастырского вообще излишне говорить, и только Юра Лейдерман в этом смысле более гибкий.

В. Л.: А существует ли по отношению к группе «Капитон» какое-то притяжение или отталкивание? Есть ли у вас какие-то отношения?

А. Ф.: Никаких отношений, кроме дружеских, нет, мы пока на их фронт не претендуем. Как и они на наш. Правда, возникали смутные мысли о том, чтобы что-то сделать вместе, но пока не выкристаллизовались во что-то определенное. И в принципе, этого пока и не надо делать. Хорошо бы еще попытаться включить других людей, способствовать тому, чтобы они в совместном творчестве попытались выработать собственные стратегии, как Никита Алексеев постоянно пытается Борю Матросова вовлечь в совместный дискурс. Или у меня есть, например, идеи что-то совместное сделать с Машей Серебряковой. Мне кажется, что здесь мы имеем такую ткань, которая не терпит насилия. Она должна как-то сама собой, естественно развиваться. Как показала практика, это наиболее реально и интересно.

В. Л.: Тогда получается, что у вас не группа, а временное объединение, которое легко способно трансформироваться в другой союз, а также в параллельно существующие союзы?

А. Ф.: Вроде того; я же говорю: этой ткани надо дать по-своему жить. Жесткой дисциплины нет. Мне кажется, что в нашем случае почти идеально совпадают устремления, мысли и желания. Поэтому наша группа вполне жизнеспособна. Я с удовольствием буду работать с Юрой и Витей и дальше. Здесь есть перспектива. Грубо говоря, я могу придумать какую-то жесткую структуру, на которую можно наложить что-то совсем другое — допустим, Юрины тексты. И тут вдруг возник хаотичный Витя, у которого работы при этом не хаотичные, а очень структурированные. Это интересно и, мне кажется, может долго продолжаться.

В. Л.: А как конкретно все это произошло в случае проекта на «Фабрике»?

А. Ф.: Прежде всего, нам понравилось пространство. Там у Вити уже была выставка — красивая, очень жестко скомпонованная. И в принципе, мы стремились сохранить такую же жесткость, добавив другие элементы. У меня давно была идея с дедом Мазаем и гробом, и однажды я ее высказал. Витя ухватился, Юра подтвердил, ну и поехало. А кроме того, у меня была мысль сделать что-то по поводу «Кувшинок» Клода Моне, придав им какую-то инфернальность: Аид такой сделать. И в нынешнем проекте в Stella Art foundation я хочу это реализовать. Кун в своей книжке «Легенды и мифы Древней Греции» начинает описание Аида с каких-то таких странных фиолетовых тюльпанов. А с ними сразу ассоциируется газ, «Газпром»… В общем, инфернальности достаточно. Мы на этом остановились сразу, поняли: вот, отлично. И решили, что сделаем новый бассейн, потому что настоящая вода всегда привлекает. Она какая-то магическая. Еще когда мы делали первую историю, то я по своей лени решил просто застелить пол черным полиэтиленом. Но тут мои друзья сказали «нет»: должна быть живая вода, строим бассейн. И правильно, конечно правильно. Поэтому все и родилось: палитры-кувшинки, инфернальный газ из недр идет. Сначала работа называлась «Кувшинки» — нормальное, нейтральное название. А потом еще возникло «Брекекекс», но пока не утвердилось — зависло.

Но вообще, нынешний проект на Мытной начался с того, что мы решили сделать исповедальные кабинки (Работа Виктора Скерсиса. — В. Л.) и уже на них накрутить остальные смыслы. В этих кабинках у нас должны были такие прыгающие сиськи быть.

Но достаточно быстро мы поняли, что с сиськами как-то переборщили, и решили остановиться, подумать еще.

В. Л.: А что все ваши работы в совокупности должны означать, какие смыслы объединяют всю инсталляцию?

А. Ф.: Мне кажется, что моя работа здесь — про постимпрессионистическую традицию: что есть цвет, и как он в инфернальном мире преображается, и что это значит. А рядом вдруг какие-то сиськи в исповедальнях. И вместе это уже немного начинает напоминать компьютерную игру. То есть появляется странность, ахинея, но при этом явно есть некая тональность, объединяющая эти работы.

В. Л.: И что это за тональность?

А. Ф.: А что я могу про тональность сказать? Это какие-то индивидуальные чувства, собственно то, что и должно появляться у зрителя. Мы же только ретранслируем определенные состояния…

В. Л.: То есть, по большому счету, групповая работа сводится к созданию общей тональности?

А. Ф.: Ну да, наверное, это самое главное. Мы можем сколько угодно говорить об искусстве, расчленяя, исследуя и смотря. Но лично мне это скучно: пускай такими разговорами занимаются те, у кого мозги на это заточены. Конечно же, все можно детально объяснить, но это скорее работа для патологоанатома. Меня же больше интересуют образность. Я в последнее время даже перестал читать «ХЖ» («Художественный журнал». — В. Л.) и все ему подобное. Просто не могу больше: ничего живого нет, тоска.

Интервью с Виктором Скерсисом

(Интервью с Юрием Альбертом и Андреем Филипповым были непосредственно записаны на диктофон и отредактированы с участием каждого из художников. В случае с Виктором Скерсисом, проживающим в США, та же живая процедура была невозможна. Поэтому я сформировал из интересующих меня вопросов две блока, после чего отослал вопросы ему по электронной почте и получил на них совершенно законченные ответы. Владимир Левашов)

Вопросы про группу

Вопрос: Когда и как возникла группа «Купидон»?

Виктор Скерсис: В 1993 году. Андрей, Юра и я как-то шли по Чистым. Помню довольно холодный мартовский день. Ветер гоняет мусор по замерзшему пруду, смурные люди, выселенные дома, битые стекла. Девяностые в лучшем виде. И как-то хотелось чего-нибудь другого. Елочного купидончика со стрелами понарошку. Чтоб не нажраться, вот, и упасть, а комочек теплого света в руках подержать. И видимо, не только у меня такое состояние было. Потому что Андрюша вдруг остановился и, как-то заикаясь, предложил работать вместе. Стали думать о названии. Юра предложил «Сладкий Купидончик». Я аж в ладоши захлопал: во Юра оторвался. Но потом решили более нейтрально: «Творческое объединение “Купидон”».

В.: Кто был инициатором создания?

В. С.: По большому счету, как я сейчас понимаю, лень. Вот мы втроем сидим, пиво пьем, об искусстве говорим. Жена знает: мужчины работают. А так если один сидишь размышляешь, то обязательно либо в магазин ушлет, либо посуду мыть заставит. Да и создание работ упрощается по крайней мере втрое. Потом, когда втроем, то сачкануть легче. И вообще, иногда нарисуешь чего-нибудь и думаешь: «Неужели это я такую хе…ню сляпал? Надо бы переделать». А тут Юра подходит: «Неужели это ты такую хе…ню сбацал? Круто!» И сразу себя героем чувствуешь. А то бы еще неделю переделывал и, что интересно, лучше бы все равно не сделал.

В.: Отношения «Капитон» — «Купидон».

В. С.: Ну, вообще-то, мы с 1993-го года... У нас огромный опыт. Мы рады поделиться, рассказать. Конечно, интересно, что они (Захаров, Лейдерман и Монастырский) придумали назвать свою группу «Капитон». У меня несколько работ построены на мутационных смысловых преобразованиях. Помнишь: «Злая собака — Злаа собяка — Злака собая — ...»? Преемственность и взаимосвязь обусловливают эволюцию искусства. «Капитон» — это здорово! На самом деле, я бы очень хотел сделать совместную инсталляцию «Капитон» — «Купидон». Как Альберт в свое время заметил: быть может, наиболее важным в искусстве являются не явления (художники, группы, работы), а связи между ними. Поскольку эти связи образуют дискурс, который, в свою очередь, поощряет или отвращает появление новых работ и явлений.

В.: Принципы вашей групповой работы и ее формы (тексты, инсталляции etc.).

В. С.: Фундаментально принцип называется Ars profunda (искусство глубочайшее). Имеются три несводимых друг к другу подхода к искусству, и это важно, чтобы избежать дуальности. Эти подходы: аналитический концептуализм (персонификация — Альберт), постконцептуализм (Филиппов), метаконцептуализм (Скерсис). Вместе с тем у всех трех авторов очень схожий формальный опыт работы с искусством. Поэтому получается парадоксальная и очень плодотворная ситуация: внутренние подходы к искусству отличаются фундаментально, но внешняя оценка искусства совпадает почти всегда.

Процесс происходит приблизительно так: 1. Каждый приносит выношенную идею/работу (или несколько идей/работ). 2. Идеи обсуждаются и иногда отсеиваются. 3. Принятые идеи интегрируются в общую инсталляцию. Это кайф сумасшедший. Принцип гораздо более плодотворный, чем традиционная работа в группе, где часто обсуждаются и преждевременно отсеиваются идеи, только что рожденные. Дело в том, что художественные идеи — творения очень нежные, построенные на невысказанных ассоциациях, невнятных предвосхищениях и иногда буквально телесных ощущениях. Отвратить такую идею можно одним словом. В традиционном соавторстве такие идеи приходится раскрывать слишком рано, что ведет к их повышенной смертности.

В.: Есть ли идеи совместных проектов кроме двух имеющихся (планы)?

В. С.: Да, конечно. Мы уже готовим весеннюю инсталляцию. Вообще мы хотим делать интегрированные инсталляции приблизительно раз в год.

В.: Важен ли возраст (жизненный опыт) участников? Иначе говоря, каковы отличия от типично «молодежной группировки»?

В. С.: Наверное, жизненный опыт важен. Хотя я бы скорее упомянул психологическую совместимость. Когда Юра или Андрюша говорят о своих идеях, у меня первое ощущение — такой детский восторг. Хочется эти идеи взять в руки и рассмотреть. Аккуратно, конечно. И наоборот. Я не боюсь показать свои эскиз-тетради или идеи. Наработанное доверие, пожалуй, самое важное.

Вопросы о проекте

В.: Как возник проект «Художник и его модель», кто «родил» идею и придумал название?

В. С.: Название «Художник и его модель» придумала жена Игоря Бурого Алёна. В ГЦСИ после очередного открытия все собрались в кафе на первом этаже. А Алёна к тому времени, видимо, уже просмотрела мою книжку о метаискусстве, потому что, когда я положил эту книжку на стол, она воскликнула: «А, художник и его модель!» Это было смешно и верно, ведь действительно концептуализм и его производные во многом сводятся к построению моделей искусства.

Внутренне эта выставка состоит из двух частей: моей выставки на Скарятинском, где представлены различные модели, которые я уже строил, и инсталляции «Т/о “Купидон”» (Альберт — Филиппов — Скерсис) Show and tell (рабочее название «Омут»).

В.: Чем отличается данный проект от групповой выставки «художников-концептуалистов»?

В. С.: То, что здесь происходит, называется Ars profunda — интеграция различных подходов (по крайней мере трех). Обычно если художники работают в группе, то предполагается, что у них общий подход к искусству и работы делает коллективный автор. При этом обычно существует и лидер группы. Конечный результат: когда мы такую группу «слышим» — звучит один голос. С другой стороны, при составлении групповой выставки художники или группы художников работают независимо. Только на стадии составления выставки эти голоса объединяются в такой тематический концерт. Где у каждого своя песня и мы их по очереди слушаем.

Наш подход —Ars profunda — предполагает, что каждый художник вынашивает идеи более-менее отдельно, затем для инсталляции происходит взаимный отбор. При этом нет общей темы, т. е. отбор идет по внутреннему взаимному соответствию самих работ, а не по их соответствию некой внешней идее — происходит их интеграция в одну инсталляцию. Хорошей метафорой здесь была бы полифония — хор.

При этом нужно заметить, что моя инсталляция на Скарятинском во многом выглядит как Ars profunda. Работы настолько разнообразны, что вполне могли бы быть сделаны разными художниками, и они достаточно интегрированы. Однако внутренне работы родственны, базируются на одной концепции, что делает эту инсталляцию инверсией «AP».

В.: Представь себе зрителя, входящего в зал в Скарятинском или на Мытной и видящего все то, что он должен там увидеть. Можешь ли ты простым бытовым языком объяснить, что все это такое? Что зритель должен почувствовать и понять?

В. С.: Концептуализм и его производные существуют по крайней мере на двух уровнях: искусствo и метаискусство. Поэтому общее ощущение от выставки, как мне представляется, должно быть как ощущение от хорошего джаза: может быть, не все понятно, но если человек пришел с открытыми глазами, то в кайф. Вместе с тем для продвинутого зрителя должно быть очевидно, что все это построено не ради создания образа, а лишь как воплощение более глубоких концепций.

Как бы группа

Владимир Левашов

Трое ветеранов московской концептуальной школы — Юрий Альберт, Виктор Скерсис и Андрей Филиппов — объединились в группу под легкомысленным названием «Купидон». И в этом составе представляют публике свой второй проект «Show and Tell. Художник и его модель»1 на двух площадках Stella Art Foundation. И это, вроде бы, бесспорные факты. Но если послушать, что говорят сами художники, то становится непонятно не только когда группа образовалась2, но и существует ли она вообще, а если существует, то в каком смысле.

Ну да, сейчас эти авторы работают вместе, хотя никто из них не перестал заниматься собственными «сольными» проектами. В этом нет ничего особенного: особенное возникает как раз в их совместной деятельности. И дело здесь в том, что у группы есть совокупные проекты, но составлены они, за некоторыми исключениями, из индивидуальных произведений согруппников. Иначе говоря, отдельные произведения в проекте придумываются индивидуально, и только потом из них совместно компилируется выставка. Ну и, как в данном случае, под занавес создается пара совместных работ, придающих проекту окончательную цельность. Говоря формально, это должно бы выглядеть как групповая выставка под единым названием, а не выставка группы. Однако не выглядит, потому что в действительности оказывается, что связи изначально автономных авторских произведений гораздо более тесные и органические, а сами эти произведения сведены, так сказать, к единой тональности.

Такой эффект возникает, поскольку в своей групповой работе художники отталкиваются не от готовых произведения, а от их идей, подобно семенам, высеваемым в почву совместных обсуждений. Понятно, что и на такой «клумбе» пиону в розу не превратиться, но при этом растения будут способствовать взаимному росту. Более того, совместное взращивание идей, не отменяя индивидуального авторства каждой из работ, добавляет всякий раз нечто, чего при одиноком произрастании не появилось бы. Исключительно благодаря тому, что авторы формируют творческую среду. Конечно, всего лишь микросреду. Но ведь именно с числа три, как известно, начинается множество, рождается «куча».

Тут трудно не вспомнить, что раннее произведение Андрея Монастырского как раз и называлось «Куча» (1975). Он «просил приходивших в гости класть любой имевшийся у них предмет в кучу, постепенно росшую на письменном столе. Андрей вел дотошный реестр кормления кучи: кто, когда и чем ее покормил»3. Из этого принципа впоследствии родилась практика легендарной группы «Коллективные действия». У каждой из акций существовала заранее прописанная тем или иным автором программа, которая выполнялась всеми участниками, но наполнялась смыслом она только впоследствии, в итоге обсуждений, интерпретаций, индивидуальных описаний происшедшего. Таким образом, идея и смысл разводились во времени периодом действия и обсуждения. Причем идея была индивидуальным, а смысл — коллективным произведением. И как раз коллективность становилась средой взращивания идеи, превращения ее в произведение. Благодаря коллективности идея теряла в «идеологической» четкости и определенности, зато приобретала в «эстетической», смысловой фактурности.

Аналогичная процедура положена и в основу работы в группе «Купидон». Однако, как замечает Юрий Альберт, здесь нет жесткости регламента, разделения авторского и группового художественного поведения КД и вообще «всё гораздо мягче». Это «гораздо мягче» означает прежде всего то, что на месте идеи-программы КД у «купидонов» оказывается идея-импульс, идея-инсайт4. Вместо предписанного действия в реальном пространстве и его последующей (ретроспективной) интерпретации — (перспективная) работа над будущим объектно-пространственным проектом. А вместо демонстративного перформанса и скрупулезной документации обсуждения — абсолютно недемонстративные дружеские, прикладные разговоры, другими словами, скрытая от посторонних глаз творческая кухня. И если считать концептуализм «дискурсом об искусстве», искусством после искусства (ну и, конечно же, философии), то «Купидон» символизирует собой частичный, диалектический возврат к традиционному творчеству. Переход к такому «концептуализму после концептуализма», которому свойственна определенная реабилитация визуальных (если и не сугубо формальных) ценностей при сохранении концептуального типа мышления.

Впрочем, это вовсе не является новацией: скорее смещением акцентов в пределах той же традиции (не слишком похожей, как известно, на свои западные аналоги). Еще в тот момент, когда традиция эта только зарождалась, волевым усилием Бориса Гройса она была наречена «московским романтическим концептуализмом». В качестве его содержательной основы Гройс обозначил чуть ли ни весь корпус эстетической метафизики, популярной в искусстве тех лет. Таким образом, многовекторность в движении присутствовала изначально, и когда сегодня Андрей Филиппов упоминает о летящих в разные стороны стрелах-векторах из колчана Купидона, то всего лишь апеллирует к базовым ценностям школы. И опять же благодаря концептуалистам (начиная с мемуаристики Ильи Кабакова и документации Московского архива нового искусства (МАНИ) и вплоть до увлекательнейших спекуляций участников группы «Инспекция Медицинская герменевтика») были заложены основы истории русского современного искусства. Но самое важное, что в рамках движения не просто сформировалось некоторое количество групп, а возникло «концептуальное сообщество». Иначе говоря, активная творческая среда.

Можно сказать, что именно она стала opus magnum московского концептуализма. Внутри остывающего космоса советской цивилизации эта среда выглядела герметичным пространством или, говоря словами «медгерменевтов», санаторно-курортной зоной рекреации. Среда была, так сказать, полифункциональной: сразу и человеческим коллективом, и пространством жизни; художественным произведением и инструментом порождения форм и смыслов (мыслеформ, в терминах эпохи). И если говорить о ней как об инструменте, то концептуалисты в полной мере использовали уникальное свойство среды создавать культуру. Ту локально присутствующую атмосферу, которая обладает способностью самопроизвольного взращивания возникающих в ней идей. И если идеи чужака-одиночки подвергаются суровому испытанию т. н. действительностью, то идеи инсайдера, «средового художника», как бы сами собой идут в рост. Самопроизвольность их роста, впрочем, обманчива, на деле они выпестываются всеобщим усилием, порождая своеобразный феномен разделенного авторства. Образцы «средового искусства» непременно апеллируют к среде, являются элементами определенной субкультуры. Поэтому для членов среды рожденные здесь идеи всегда будут родными, «народными» при том, что никто из самих представителей такого «малого народа» не забывает об авторстве конкретной идеи или работы. Противопоставление индивидуального и коллективного авторства как-то стирается. И эта волшебная гармония длится до тех, пока существует сама субкультурная среда.

Другое дело, что она не вечна. И трагедия концептуального круга заключалась в том, что его среда была зеркалом уникального советского пространства (при том, что каждый из его участников и чувствовал себя «посредине мира» — всего мира). А соответственно, за крахом социализма последовал также и развал концептуальной коммунальности. Остались отдельные авторы с их индивидуальными эстетическими стратегиями, с ностальгией — не по конкретно-историческому социализму, а по исторической ситуации, в которой, как утверждает Андрей Филиппов, «всем было фантастически интересно… И тем, кто смотрел, и тем, кто делал». Группа «Купидон», показавшая свой первый проект под ностальгической аббревиатурой «Т/о» (творческого объединения), сделала попытку5 возродить модель концептуального сообщества. Точнее, заново сконструировать комфортную микросреду, в которой искусство выступает результатом свободного творчества, а не функцией принуждения со стороны арт-истеблишмента.

Обычно группы создаются, чтобы противопоставить себя окружающему миру6, заявить о своей особенности, манифестировать набор программных тезисов, по которым их искусство будут опознавать. Но разумные люди с именем, уже перешедшие пятидесятилетний рубеж жизни, прекрасно знают сугубую условность таких доказательств. Условность программ и безусловность опыта. Поэтому «Купидон» не совсем группа, а более всего именно творческое объединение, «под себя» устроенная художественная среда. Где естественно рассчитывать на поддержку коллег, где легко работать. Где создание искусства не жесткая конкуренция или угрюмый труд, а радостный отдых. Где «очень нежные, построенные на невысказанных ассоциациях, невнятных предвосхищениях и иногда буквально телесных ощущениях»7 идеи легко идут в рост. Короче, оранжерея, санаторий, а вовсе не исправительное заведение.

Примечания:

1. Первый совместный проект художников прошел в конце 2008 года в выставочном зале «Проекта FАБRИКА» сразу под тремя названиями — «Витя и Зайцы», «Фрагма, Прагма и Энигма» и «Т/о “Купидон”».
2. Виктор Скерсис говорит о 1993 годе, остальные — о 2008-м. См: интервью с художниками.
3. Никита Алексеев. Постоянство таяния снега.
4. Юрий Альберт: «Так получилось, что в какой-то момент Витя Скерсис сказал: “Ребята, я прямо вижу, как такие-то и такие-то работы отлично сочетаются”» (из интервью Юрия Альберта).
5. Попытку показательную и внутренне артикулированную, но при этом не первую, о чем говорят сами «купидоны» в своих интервью. Не следует также забывать, что деятельность группы КД продолжается и сегодня, оказываясь связующим звеном классического периода истории «московского романтического концептуализма» с ее нынешней фазой.
6. Сделать «лучше, чем ребята из соседнего двора» (из интервью Юрия Альберта).
7. Из интервью Виктора Скерсиса.

 

Источник: пресс-релиз Stella Art Foundation

0
Нравится
ARTinvesment.RU в Facebook